El hilo musical

Un Canon de Ockeghem

2011-02-21T03:12:00.000-08:00

Esto es el "Agnus Dei", de la Misa Prolationum del compositor renacentista flamenco Johannes Ockeghem:

Hubo un tiempo en que los canones fueron una gran innovación musical, una forma relativamente sencilla de hacer músicas a varias voces sin crear una estructura armónica completa.

Podemos definir un canon como una forma musical en la que existe una voz principal, que ejecuta una melodía, y existen una voces de respuesta, que imitan la melodía ejecutada por la voz principal, en principio empezando después de la voz principal. Ahora bien, el tema es ¿cómo ejecutar la respuesta?.

Visto por encima, esto puede ser un modo de verlo.

La forma más simple es una ejecución exacta de la melodía, con un retraso.
La consecución obvia del anterior es un canon en octava, dónde la respuesta se hace con la melodía transportada una octava.
Si empezamos a usar intervalos, obviamente, también se pueden hacer a otros intervalos diferentes, lo que da riqueza armónica.

Ahora vienen variaciones más complejas en las respuestas, porque hasta ahora las melodías no se alteraban, ahora sí, existe el canon inverso, en que se mentienen los tiempos de la melodía, pero los movimientos tonales son contrarios al de la melodía contraria, si una nota de la melodía principal aumenta tono, la respuesta la disminuye, en el intervalo que corresponda la variación, y también existe el canon retrógrado, que se corresponde con una lectura de la melodía principal pero empezando por el final y terminando en el principio.

Hasta ahora se han alterado intervalos y las melodías, ahora se incide en la variable tiempo, como es el canon mensural, en que las voces respuesta toman la melodía principal alterando los valores temporales de las notas, siguiendo cada voz la melodía en su propia medida de tiempo, obviamente este modo es muy complejo de componer, ya que requiere mucho cuidado para que haya una buena armonía entre voces que se desarrollan cada una a un ritmo.

Claro está, todas estas posibilidades son combinables, y a veces las reglas no son aplicadas rigidamente, porque quizá conviene más alterar ligeramente ciertas notas en momentos dados para mejorar armonías (a gusto del compositor), de hecho, por poder haber, puede haber más de una melodía principal, por ejemplo dos melodías compatibles, y luego cada una con sus seguidores.

Es evidente el proceso de complicación que se produce en el canon para buscar cosas originales, y ayudó mucho al desarrollo teórico musical por su cada vez mayor complejidad, pero casi parece que este cuerpo de variables que se crean alrededor de esta forma musical, hace que sea un género encorsetado, dónde por una parte ya es difícil innovar y por otro es cada vez más complejo que las piezas resulten armónicamente aceptables, no digo imposible, digo que se limita tanto la creatividad, que casi parece que la creatividad empieza a invitar a empezar a hacer canones no puros, no seguir las reglas aquí y allá para conseguir momentos relevantes. Ese es el primer paso, el siguiente es usar lo que se ha aprendido en armonía en los cánones, y aplicarlo en acompañamientos no relacionados, al búsqueda pura de las armonías, pero con un conocimiento teórico mayor que el que se usaba previamente que era más intuitivo.

La pieza de Ockeghem, es un canon mensural, la obra prototípica de este tipo, con una conjunción perfecta de voces cada una con su medida temporal de las melodías, pero si se escucha bien, se verá que en su intervalo, se repiten los mismos temas.

Un saludo.

Pavana en Fa sostenido menor, Opus 50 de Fauré

2011-01-25T01:00:00.000-08:00

Muchas veces he comentado un hecho bastante relevante en la música, la música es en esencia abstracta, lo más realista que vamos a encontrar en música son las canciones, por la esencia real de las propias palabras que se cantan, y aún así parece algo bastante abstracto también, porque a diferencia de la literatura dónde sí se puede hablar de cierto realismo, en música no parece muy lógico hablar de la forma, colores y disposición de un dormitorio, sino que se habla de unas situaciones, unos sentimiento, a lo más unas conversaciones más o menos problemáticas (véase una ópera).

Como todos sabemos el arte en general ha tenido sus épocas, con unos límites más o menos definidos porque las transiciones no son tan bruscas, el renacimiento no aparece y de repente todos dicen "seamos renacentistas", sino que hay un proceso de cambio que empieza ya en el periodo previo y termina en ese algo diferente alcanzado de algún modo, y a posteriori llega un académico y dice "esto es clásico, esto es romántico".

Todo esto no significa que no haya empujes para estos cambios, el barroco surge como resultado de los problemas religiosos que había creado el modo de pensar renacentista, con intención de crear cosas hermosas a nivel religioso, pero que se entendieran, una voz cantante y un acompañamiento secundario, frente a la confusión vocal que parecía en el último renacentismo. Esas directrices las tenemos claras, pero la consecución es progresiva, primero se sigue esa directriz como se pueda, pero el estilo se define con la normalidad de las obras tiempo después.

La verdad es que los ciclos en el arte en general parece que surgen por cansancio con lo previo, pero en música es aún más exagerado, la mayoría de las veces uno cree que el cambio se produce porque se pensaba que los del periodo previo se habían pasado de rosca, los barrocos que a los renacentistas no se les entendía nada, los clásicos que lo barroco era pesado y antiguo, los renacentistas que los clásicos se habían pasado con las formas y se olvidado del contenido, y así seguiría.

Concretemos más, el romanticismo sigue a su tiempo, antes de él, el clasicismo, arte de la Ilustración, del racionalismo. Beethoven es clásico y es renacentista a la vez, de ahí su grandeza, saber conjugar las grandes formas clásicas pero darles un gran contenido evocador, pueden ser piezas majestuosas e íntimas a la vez.

El ideal romántico es acabar con ese racionalismo que encorsetaba a la música clásica, y llevar todo al mundo de las sensaciones, de los sentimientos provocados por la música. En todo esto el piano tiene un protagonismo esencial, por la riqueza musical de este instrumento.

Nocturnos, lieds, poemas sinfónicos, conciertos, sinfonías...y al final parece que llegamos a lo mismo, un encorsetamiento en unas formas típicas para conseguir esos efectos dramáticos románticos que se buscan. Pero eso termina cansando, ¿o no?

Y vaya si cansa, lo que pasa es que ya en esta época, la música explota en todas direcciones, músicos nacionalistas aquí y allá, que si modernismo, que si... Pero en Francia en esa época de finales del siglo XIX, surge el impresionismo musical, basado (láxamente, como todo en música) en el impresionismo de la pintura, para romper con esos excesos románticos.

¿Y qué es lo que quería este movimiento impresionista en realidad?, ¿acaso no quería evocar cosas exáctamente igual que el romanticismo?, pues claro que sí, pretende lo mismo, siempre es lo mismo, pero rompiendo con esos tópicos románticos, hay vida más allá de las armonías estándares, más allá de los mismos instrumentos de siempre.

El impresionismo, pretende revolucionar la música en varios aspectos:
- Salir de las tonalidades clásicas para crear sensaciones completas y crear impresiones repentinas usando sonidos no armónicos para tener esos momentos dramáticos que se resuelven luego (son cómo las pinceladas impresionistas en vez de una imágen realista).
- Investigar nuevos instrumentos para conseguir nuevos efectos sonoros con esos timbres (símil a investigar nuevos colores en pintura).
- Centrarse en las piezas cortas dejando las grandes piezas en un lugar secundario (pintar bodegones, personas anónimas en vez de grandes escenografías o importantes personajes).

Gabriel Fauré, fue un compositor francés cuya vida musical comprende esta época de mediados-finales del siglo XIX y primera parte del XX, y es un caso de libro, empieza como romántico y termina siendo un seguidor de la corriente impresionista.
Es más, tanta revolución lleva a que posteriormente aparezcan músicos que también quieran romper totalmente con el encorsetamiento armónico, y no sólo circunstancialmente buscando efectos dramáticos, sino con todo, como Schönberg.

Una de las piezas más conocidas de Fauré es la Pavana en Fa sostenido menor, Opus 50, en ella podemos ver varias de las cosas que caracterizan a esta música:
- Momentos de ruptura armónica en la pieza para hacer efectos dramáticos.
- Protagonismo de un conjunto de instrumentos de vientos, mientras que la orquesta acompaña.
- Es una pieza corta.

La Pavana es una pieza muy sutil y equilibrada, busca esas pinceladas de las que hablábamos, con un equilibrio perfecto entre los instrumentos de viento que van "turnando" protagonismo, y una orquesta que muchas veces es imperceptible, y otras ayuda magistralmente a los climax, porque esencialmente la Pavana es como una sucesión de olas, una serie de climax y depresiones sucesivas que le da riqueza al conjunto.
Y lo que a mí me parece genial, es cómo muere la pieza, no se sabe si es un climax, una depresión, o que es lo que es, rompiendo con esas olas de toda la pieza.

Una lista pequeñita de Chopin

2010-11-02T04:17:00.000-07:00

http://open.spotify.com/user/gronchi/playlist/5uXLFrUe9bJBpF4YJmfKnd

¿Qué tal una encuestita para saber por dónde van los tiros?

2010-10-30T03:51:00.001-07:00

En la columna derecha os dejo una encuesta con algunos nombres, votad si queréis, la fecha de finalización será el día trece de Noviembre.

Si queréis explicitar vuestra opción y porqué, por favor, hacedlo como comentario a este post, porque todo si la categoría votada es Otros

Os animo a participar, porque eso me puede sugerir por dónde dirigir mis comentarios en el futuro.

Gracias, un saludo.

Lista Haydn

2010-10-23T02:13:00.000-07:00

Como diría aquel, sin ánimo de ser exhaustivos (pero luego se enrolla), la lista de Haydn, con sinfonías para parar un tren.
http://open.spotify.com/user/gronchi/playlist/7EQWeHBjBRKeBGlC6RMjDI

Concierto para trompeta en Mi bemol Mayor, de Haydn

2010-10-22T09:00:00.000-07:00

Al escribir estas líneas, estoy en la duda sobre a qué dedicar este comentario, ¿trompetas?, ¿conciertos?, empezaré y ya veré como se desarrolla.

El famoso concierto para trompeta en Haydn, se puede decir que es el primer concierto moderno para trompeta, cosa que puede parecer extraña dado que podemos pensar por ejemplo en Bach con su Concierto de Brandemburgo nº2, dónde aparece una trompeta con una ejecución realmente compleja, pero no es un concierto moderno, porque estamos acostumbrados a pensar en la música clásica como algo estático, y claro, visto con siglos de distancia puede parecerlo, pero no es así, los instrumentos cambian, lo hemos visto con los instrumentos de cuerda, lo hemos visto también con la flauta, y la trompeta no es una excepción.

La trompeta es otro de esos instrumentos musicales de origen incierto, incluso en versiones de metal son ciertamente antiguas, pero las versiones actuales son mucho más complicadas técnicamente, las trompetas no tenían agujeros, y eso era un problema porque limitaba mucho la riqueza del instrumento al depender solamente de los labios del ejecutante (se limitaba a notas agudas), pero actualmente las trompetas tienen válvulas, unos pistones que se aprietan a modo de botón para alterar el sonido (pudiendo interpretar sonidos graves también).

El concierto de Brandemburgo nº2 fue compuesto para trompeta antigua, mientras que este de Haydn lo fue para una trompeta diferente, que aunque no fue de válvulas porque esta trompeta es posterior, sí lo fue para un estado intermedio, que en esencia era lo mismo, sólo que con otros artilugios que afectaban a la trompeta antes de poner las válvulas. Actualmente toda la composición para trompeta, del tipo que sea, se hace con trompetas de valvula, aunque como comenté cierta vez, algo se nos debe haber perdido en el camino en su fabricación, ya que parece ser que el sonido de la trompeta es ahora más estridente que en tiempos barrocos, dónde una trompeta podía ser interpretada dentro de un recinto cerrado sin grandes problemas, mientras que actualmente bien puede serlo, ¿serán las manipulaciones?, ¿quién sabe?.

Sobre los conciertos, decir esquemáticamente que, generalmente, son piezas en tres movimientos con un instrumento protagonista y una orquesta acompañando, ya todo lo demás varía según la moda del momento.

En este caso es un concierto clásico, por lo que consiste en preguntas y respuestas entre el instrumento solista y la orquesta en su conjunto, de forma que la orquesta actua de acompañamiento del instrumento solista cuándo este toca, o sola si este no toca. La otra característica es el ritmo de los movimientos, siendo generalmente el primero un allegro, el segundo un movimiento lento y el tercero otro movimiento rápido.
También se generaliza en esta época la cadenza, que es cuándo la orquesta calla y deja tocar en solitario al instrumento solista por un tiempo, en forma de una sección de virtuosismo o especialmente sentida, y necesita silencio de lo demás.

Me ha costado un trabajito considerable encontrar una versión completa del concierto y que se pueda poner:

Nótese que la cadenza empieza en el minuto 5:10 del primer movimiento y dura hasta casi terminar este (6:13).

Prueba

2010-10-19T00:03:00.000-07:00

A ver si va, una lista, pero larguísima, de mi favorito.
http://open.spotify.com/user/gronchi/playlist/5vT3qRztHfysJYEGplPlBz

Jejeje, sí, son esenciales, pero es que a mí Bach me da para mucho.

Por favor, comentad si hay problemas.

Pequeña serenata nocturna

2010-10-18T02:35:00.000-07:00

La serenata nº13 para cuerdas en Sol mayor, KV 525, más conocida como "Eine kleine Nachtmusik", es una de las obras más conocidas de Wolfgang Amadeus Mozart por la generalidad de la sociedad, ese principio del primer movimiento debe ser de los trozos más repetidos en radio, televisión y cualquier medio, y creo que junto a "Las cuatro estaciones" del Cura rojo, debe ser la pieza más escogida para iniciar una colección de música de esas que ofrecen las editoriales en fascículos coleccionables, mi inicio en la afición fue con una colección de Deutsche Grammophon iniciada por un disco de vinilo con esta, y con la Sinfonía "Jupiter", creo recordar.

Y es tan conocida, pero tan desconocida a la vez, faltan movimientos, ya que sólo se conservan cuatro (a ciencia cierta, no por suposiciones) aunque se sabe que la obra fue terminada con cinco, pero pudo ser pensada originalmente para más movimientos, pero luego el siempre atareado y licencioso Wolfgang, puede ser que canibalizara movimientos para otros encargos, o que los abandonara por prisas con los plazos de sus encargos. Tampoco se conoce ni las razones ni el autor del encargo, porque con toda probabilidad, sí fue en encargo.

El primer movimiento de la obra es el famosísimo Allegro

Este movimiento es interesante no sólo por lo conocido, sino porque es un ejemplo de estructura musical típica. En realidad, tan sólo tenemos que escuchar, es muy sencillo, dos temas, A y B, siendo A muy potente, y B muy grácil, y un juego entre ambos temas.

En resumen:

Exposición de A (inicio).

Exposición de B (1:01).

Coda.

Desarrollo de los temas.

Reexposición de A (3:48).

Reexposición de B (4:45).

Coda final.

Esto es lo que se llama una sonata, el juego entre dos temas diferentes para formar una unidad final.

Obviamente, existen más detalles:

- Existen unas transiciones entre los temás, se nota mucho en los momentos previos a la exposición del tema B.

- En el desarrollo primero hay un bis de los temas previos (1:36), y luego se hacen las variaciones de ellos empezando por el inicio del tema A alterado y mezclándose con el tema B primero original y luego también alterado (3:13 del vídeo), y sigue el juego de temas, perfectamente indentificables ambos aunque cambiados, mezclados.

- En las reexposición, los temás son los originales, independientes entre sí, pero modificados.

- La coda intermedia y la final son muy parecidas, sólo que la primera queda inconclusa y da lugar a seguir la pieza, mientras que la final se desarrolla hasta el final.

- Las tonalidades van cambiando a lo largo de la pieza.

También son de resaltar los contrastes de volumen sonoro a lo largo de la pieza, con abruptos crecimientos, y súbitos pianos.

Sorpresas te da la vida

2010-10-18T00:55:00.000-07:00

Resulta curioso, con lo que me gusta estar a la última de conocer las cosas que se mueven por internet, siempre voy retrasado en todo esto en tanto me incumba a mí, aunque a veces es de un modo involuntario, como en lo de Spofity, que busqué y busqué invitaciones de uso ilimitado durante meses y hasta el viernes pasado con conseguí una, pero en otras es por pereza.

A lo que viene esto es porque ayer realicé un par de cositas en el blog, para nada novedosas en este mundillo de los blogs, pero no por ello menos interesantes.

Una es la incorporación de un cuadro de Twitter, lo que me permitirá poner enlaces a música que esté oyendo, sin tener que abrir la interface de blogger, que resulta muy pesada, con esto creo que agilizaré más los enlaces a música sin tener que desarrollar los temas, dejando esto para las propias publicaciones del blog. Por supuesto, dado que me acabo de apuntar a Twitter, a través del cuadro podéis entrar en mi Twitter y hacer lo que se haga en Twitter, jejeje, de hecho puede ser un medio perfecto para recibir sugerencias.
La razón de esto, es por una cosa que he constatado, pero que escuché hace tiempo, el mundo de los blogs es un muerto viviente, casi todos los blogs personales, altruistas, sobre vivencias personales mueren por la falta de interés, o por la ignorancia sobre ello del que escribe. El mundo del blog sobrevivirá, claro, pero orientado a blogs profesionales, como por ejemplo un repositorio de información y explicaciones que deje un profesor a sus alumnos, o blogs amateur como este, sin ánimo de lucro, con una temática claramente definida y hechos por el simple placer de compartir todo esto, pero a lector hay que atenderle, darle un poquito de movimiento en el blog para que se fidelice, y creed, se hace muy pesado pensar en cosas novedosas para escribir, y el Twitter es perfecto para conseguir esto, es simplemente ofrecer enlaces, y nada más, no hay espacio para grandes temas, y como a su vez permite integrarlo con otras cosas, yo estoy navegando por youtube escuchando música, tan sólo tengo que dar a compartir en Twitter, y automáticamente aparece en Twitter, y a su vez, todo el que entre en el blog verá mi entrada, más fácil no se puede.

La segunda cosa es que me registré a una página de estadísticas de webs, para ver cuanta gente leía esto, y me quedé gratamente sorprendido, aunque no dudo que ha habido épocas con mucha más gente dado que hay largos periodos que paso sin publicar por temas que no vienen a cuento ahora, y les termino cansando. Y aún así se me lee.
Claro, estos servicios permiten saber a que horas y que partes del blog se leen, y desde dónde..."and the winner is", nada sorprendente en realidad, México, alrededor del 40% de las visitas a este blog provienen de México, y no es sorprendente dado que el país con más nativos de lengua española.

Dedicado a los mexicanos, una de Manuel de Zumaya, el primer compositor criollo conocido en todas las americas, nacido en 1678, usaba de un estilo tardorenacentista-barroco, algo alejado (en cuánto a antiguo) del estilo tardobarroco que empezaba a surgir en Europa en aquella época, pero eso no le quita calidad a sus composiciones, la calidad no tiene que ver con estilos musicales. Además, en aquella época, el viaje transatlántico seguía siendo complicado, difícilmente iban a llegar a América las últimas novedades musicales sino tras muchos años, y los músicos que llegaban desde Europa, eran mayoritariamente españoles, cuándo la música española hacía tiempo que había quedado anticuada en Europa, bache del que no se salió hasta mediados-finales del siglo XIX.

Aviso

2010-10-17T09:29:00.000-07:00

Al fin he conseguido una conexión ilimitada para Spofity, así que estoy creando listas de "esenciales", es un buen proyecto, para poder compartirlo con la gente que lea esto y esté en Spofity.

Para los que no tengan Spofity pero sí usen Facebook, en la página:
http://apps.facebook.com/smart-spotify/

Podrán conseguir una invitación gratuita e ilimitada a cambio de tragarse un poco de publicidad y responder unas preguntas.

Por cierto, yo no cobro un duro por esto, sólo lo pongo porque me parece una oferta muy interesante.

Saludos.

Badinerie

2010-10-15T13:30:00.000-07:00

Conté muchas cosas de Bach por aquí, muchas cosas de Suites, tanto barrocas como modernas, así que ¿qué puede aportar la Suite nº2 en Si menor, BWV 1067?.
Las flautas.

Badinerie:

La flauta ha existido desde las épocas más remotas de la historia e incluso prehistoria de la música, una flauta se puede hacer de madera, hueso, últimamente metal, o incluso sintéticas, aunque siempre son clasificados como instrumentos de viento-madera.

En cuánto a su forma de tocar, varían entre las de pico, como una evolución de un silbato, que son las más antiguas, junto con las flautas de pan, en que se soplan en una serie de cilindros cerrados, que no son propiamente flautas, pero si producen sonidos muy similares, y las traveseras, tocadas lateralmente, que llegan a Europa a principios de la Edad Media.

Las flautas de pan son muy limitadas, tanto en sonoridad como en registro, ya que cada tono requiere un tubo diferente.

Las flautas de pico, muy sencilla de tocar, permiten un registro más flexible, pero su sonoridad es muy escasa, quedando solapadas en grandes conjuntos.

Para una orquesta la solución es una flauta muy sonora, cosa que se consigue con las traveseras, mucho más complicadas de tocar, tanto en el soplo como en la digitación, pero esto no debería ser un problema para un músico profesional, que es en lo que consiste esto, sino cualquiera tocaría una flauta.

La flauta travesera ha sufrido una continua evolución en su diseño, materiales, siendo actualmente metálicas, formas de la ánima del tubo, tamaño y disposición de los agujeros, e incorporación de artilugios mecánicos para facilitar su uso al profesional, como son las llaves, que son pulsadores que actúan sobre varios agujeros. Se puede observar que la presencia de estas llaves hace el proceso musical mucho más abstracto, menos natural que las flautas de pico, pero como se ha comentado, no es un problema para el profesional, ya que aprende de cero con estas abstracciones. A cambio de estas complicaciones, es un instrumento muy ágil, que se presta mucho al virtuosismo, muy claro y sonoro.

La Badinerie es el último movimiento de la Suite nº2 en Si menor, BWV 1067 de Johann Sebastian Bach, el significado de Badinerie es el de broma, ya que las Suites barrocas eran compendios de músicas de bailes formales, como para reuniones sociales, y Bach quiso hacer precisamente un chiste al terminar la música, veamos:
1. Ouverture
2. Rondeau
3. Sarabande
4. Bourrée
5. Polonaise
6. Menuet
7. Badinerie

Un rondó, una zarabanda, una bourreé, una polonesa, un minueto, todas danzas formales y para terminar, susto y risas para los bailarines, una melodía muy bailable, pero sin saber como bailarla, porque además, como es tan rápida, tan súbita, no hay lugar a adaptación, sobre todo después de un ritmo muy moderado como el minueto previo.

"Las vísperas sicilianas", de Verdi

2010-08-09T03:32:00.000-07:00

Cuenta la tradición que allá por el año 1282, justo antes de empezar la misa de vísperas del Lunes de Pascua, se congregaban los fieles delante de la Iglesia del Espíritu Santo de Palermo para entrar a los oficios, pero llegó un grupo de franceses borrachos que empezó a molestar a una joven, a pesar de estar públicamente casada. Ya sabemos cómo se las gastan los sicilianos, así que el marido de la joven, apuñaló al francés que protagonizaba las injurias contra su esposa, los demás franceses fueron a vengar a su compañero, pero la multitud de palermitanos lo impidió, dando muerte al grupo de franceses en el momento en que las campanas de los oficios sonaban en toda la ciudad.

Sicilia, tras ciertos líos políticos, hacía poco que había sido conquistada por el ejército del rey francés Carlos I, cosa que en principio a los sicilianos no les importaba demasiado, tras ser dominados por árabes, normandos y por el mísmisimo emperador Federico II, pero lo de los franceses pasaba de castaño oscuro, porque aumentó los impuestos grademente, e impuso una administración totalmente francesa, ignorando a los nobles locales, cuándo no directamente insultándoles, en una actitud totalmente tiránica por parte de los franceses.

Tras el estallido, los tumultos se extendieron por Palermo, matando a cada francés que encontraban a su paso, situación que se extendió por toda la isla, que termina con la liberación del yugo francés, aunque sea bajo la protección del reino de Aragón, aunque esta parte ya queda fuera del sentido de la ópera.

Giuseppe Verdi, fue un nacionalista italiano, algunos consideran que un heroe de la unificación italiana, aunque fuera desde la composición y no desde las armas, y como tal se considera el coro "Va pensiero" de Nabucco, los judíos exiliados en Babilonia por Nabucodonosor, simil a la situación por la dominación austriaca de grandes zonas del norte de la peninsula itálica.

"I vespri siciliani" es también otra obra de Verdi con esa intención política, aunque en este caso era una dardo directo contra el reino borbónico de Las Dos Sicilias, sin suberfugios como fue la anterior Nabucco contra los el Imperio Austriaco, toda la península, desde los Alpes hasta Sicilia, con independencia de si sus señores son borbones, austriacos o papales, deben estar bajo el mismo reino, en este caso, bajo la casa de Saboya, reyes de Piamonte.

La ópera fue estrenada paradójicamente en París, a pesar de hablar de la tiranía francesa, pero claro, por una parte a la Francia post-revolucionaria le gusta hablar de nueva forma de ver la política, y por otra parte (y esencialmente), Francia ya no tenía mucho que perder en la península itálica, pero sí que ganar con un nuevo estado que se enfrente directamente desde el principio a los austriacos, una Italia que le deba su existencia a Francia.
Sin embargo, en zona italiana, Verdi no pudo estrenar la ópera como tal, sería peligroso por ser abiertamente subversiva, así que cambió el libreto y lo llamó "Giovanna de Guzman", situada en Portugal bajo dominio español en el siglo XVII.

Obertura:

"Mercé dilette amiche" por María Callas:

"Schwanengesang" de Schubert

2010-08-01T04:02:00.000-07:00

Franz Schubert, vienés, nace en 1797, y muere en 1828, con 31 años, admirador del gran Beethoven (1770-1827), compositor de gran cantidad de lieder, por los que será conocido a partir de su muerte, porque como tantos otros, en vida fue ignorado.

Uno de los ejemplos de este conocimiento póstumo es la colección "Schwanengesang", o sea, "El canto del cisne".

Dice la leyenda que el cisne, está mudo durante toda su vida y que sólo momentos antes de morir emite sonidos, en hermosas notas que pueden ser consideradas como el canto del animal al sentir que se marcha. La realidad es más prosaica, el cisne durante su vida hace ruidos diversos, los típicos graznidos y demás ruidos propios de las ánades, y al morir sigue en ese mismo estilo de sonidos guturales sin demasiada gracia, pero las leyendas son lo que son, y desde la antigüedad se consideró al cisne como un ave ejemplo de hermosura y gracilidad, un ave que fue consagrada a Apolo, dios de la poesía, la música, y lo adecuado que resulta que un ave apolínea (nunca mejor dicho) al encontrar la muerte libere todo su potencial musical en apenas unos segundos. Para los artistas la leyenda está por encima de la vulgar realidad.

"El canto del cisne" es una colección de lieder (canciones inspiradas en poemas), unidos por un muy ligero nexo, canciones que presentan situaciones de melancolía, situaciones que se subliman en una hermosa melodía que finaliza la escena.

Un lied de todos ellos es "Ständchen", o "Serenata", que representa la típica escena de la noche en que el amante canta a su amada implorando su amor.

(Traducción tomada de http://www.kalipedia.com/arte/tema/franz-schubert-lied-serenata.html?x=20070822klpartmsc_253.Kes , porque yo de alemán, no tengo idea)
En voz baja te imploran mis canciones a través de la noche.
En la tranquila arboleda de allá abajo, amada, ¡ven a mí!
Susurrantes se mecen las esbeltas copas a la luz de la luna;
no temas, mi amada, que un traidor enemigo nos aceche.
¿Oyes cantar a los ruiseñores?
¡Ay!, te imploran en tono de dulce queja, te imploran por mí.
Comprenden el anhelo del pecho, conocen las penas del amor,
y acarician con plateados sonidos a cada tierno corazón.
Deja también que tu pecho se conmueva ¡amada, escúchame!
¡Trémulo, impaciente, voy a tu encuentro! ¡Ven, hazme feliz!

Ironia de la vida es que el compositor de estas cosas tan bonitas, muere con apenas 31 años, dejando para la posteridad todo esto...El "Schwanengesang".

Manuel de Falla

2010-07-27T04:34:00.000-07:00

Por petición de un compañero:

Manuel de Falla, compositor gaditano de tardo-romanticismo español.

Lo que pretendo explicar requiere señalar algunos asuntos previamente.
- Se puede decir que desde joven fue un genio al que se le quedaban pequeños los conocimientos que se le podían dar, de tal forma que hasta los veinte años estuvo en Cádiz con maestros que le dieron una gran base musical, pero el siguiente paso lógico es tener unos estudios formales, para lo que había que ir al Conservatorio a Madrid, y puede parecer que con 20 años ya era mayorcito para ello, pero es que ya venía preparado de Cádiz y terminó todos sus estudios en apenas tres años (incluyendo piano)...y aunque aguantó uno años, se le había quedado pequeña la capital española.
- Por consejo de su amigo Joaquín Turina, el siguiente destino fue París, centro cultural mundial, también en esto de la música, dónde bajo la protección de Isaac Albéniz, es introducido en los círculos musicales parisinos, con personajes tales como Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas. Claude Debussy fue la persona que más le marcó, hasta dedicándole una obra póstuma al genial compositor francés. En realidad lo que hizo Debussy fue focalizar el interés de Manuel de Falla en la música popular española que él mismo admiraba, que era el flamenco, y más siendo Falla andaluz.

Dicho lo cual, "El amor brujo", pieza originaria de 1915 para grupo de cámara, y voz flamenca, preparada para ser interpretada y bailada por actores del género flamenco, aunque por cosas de la vida se transformó en una suite para ballet (flamenco).
Sobre el argumento, es la historia de Candela, una gitana, enamorada de Carmelo, pero atormentada por el fantasma de su difunto marido, al cuál no quería. Para librarla del fantasma, los gitanos realizan el ritual de la danza del fuego, y al final el fantasma desaparece para siempre.

El movimiento más conocido es "La danza del fuego", y la música, agitanada, evoca perfectamente la situación de la danza para hacer que aparezca el fantasma, el misterio y hasta temor que provoca la situación (contrastes de piano y fortes en el volumen de la melodía), la completa oscuridad rodeando el fuego, la fantasmal aparición, la danza sinuosa de Candela con el aparecido alrededor de la fogata, más y más rápido, hasta que el fantasma cae en la espiral del fuego y se disipa en él.

Resulta curiosa otra cosa, oscuridad, una gran luz en el centro y un ser que es atraido hacia ella, como los insectos se ven atraidos por la luz, como en esta pieza de Rimsky-Korsakov, "El vuelo del moscardón":

¿Resulta evidente la inspiración de la melodía de "La danza del fuego" en la pieza de Rimsky?

La línea renacentista

2010-07-01T02:46:00.000-07:00

Se puede decir que dentro de la evolución renacentista, existe una línea de "genealogía" maestro-alumno a lo largo del tiempo. Posteriormente esto sigue teniendo su importancia, pero no tan central ya que la imprenta también entra con fuerza en la música.

La música renacentista como tal aparece en la llamada Escuela Borgoñona en el siglo XV, y uno de sus primeros compositores fue Gilles Binchois, gran melodista pero con tendencia a la simplificación formal, cuya obra fue reutilizada con asiduidad en tiempos posteriores.

También de la Escuela Borgoñona es Johannes Ockeghem, que estudió con Gilles Binchois, del que fue un gran admirador, componiendo una emotiva misa a su muerte. Fue uno de los compositores con mayor técnica, de forma que creó composiciones complejas polifónicas, pero manteniendo una claridad que contrasta con las polifonías complejas medievales.

Josquin des Prez fue otro miembro de la Escuela, estudiando contrapunto con Johannes Ockeghem. Considerado el más grande compositor de su época, influenciando a todos los compositores posteriores, más allá de sus alumnos.

Alumno de Josquin des Prez fue Nicolas Gombert, que se puede considerar como el segundo más influyente de la generación trás su maestro.

En paralelo, está Jean Moutón, posterior a Josquin des Prez, con el que comparte muchas formas, pero en un estilo más monótono.

Alumno del anterior fue, Adrian Willaert, flamenco, pero fue uno de los iniciadores del estilo en Italia, fundando la Escuela Veneciana.

Andrea Gabrieli, veneciano, fue alumno de Adrian Willaert, siendo el primer gran representante nativo de la Escuela Veneciana.

Los dos de los tres grandes del final del renacimiento, Palestrina y Orlando de Lasso, fueron aprendiendo no directamente con estos grandes compositores previos, sino de los movimientos que crearon en sus respectivos lugares de nacimiento, Italia y Paises Bajos, respectivamente.

Y para terminar, Tomás Luis de Victoria, el español, que fue alumno de Palestrina en Roma.

Renacimiento

2010-06-29T00:34:00.000-07:00

El Renacimiento se puede definir de dos formas, una de ellas es la recuperación de las formas artísticas clásicas, grecorromanas, de ahí lo de renacimiento, de un reencuentro con esa tradición del sur de Europa, y la otra es la difusión del ideal humanista, con el desarrollo de las ciencias y las artes sin cortapisas para los creadores.

En la música, la primera definición es discutible, porque salvo excepciones nacionales, el común de la música occidental ha evolucionado técnica y estilísticamente hacia mejor a lo largo de los siglos, mejor no tanto como un concepto subjetivo de gustar más o menos, sino de crear una serie de recursos musicales que serían impensables tiempo antes, una melodía monocorde puede ser bonita, pero nos quedamos en eso hasta que se desarrolla una cierta polifonía, y en ese momento ya tenemos dos opciones, igualmente, una melodía de contrapunto es bonita, pero complicada para tratar un tema en comparación con la versatilidad de la polifonía desarrollada con voces subordinadas.

Podemos suponer lo que fue la música militar en tiempos clásicos, pero desconocemos lo que pudo ser la música no militar, y lo que se desconoce no se puede recuperar, por tanto un renacimiento musical en este sentido es absurdo, pero lo que sí sabemos es que no debió tener gran complejidad técnica, por ausencia de una notación desconocida. Parece mentira pero una de las razones del gran desarrollo musical es la notación moderna, que es la forma de que los músicos investiguen los recursos usados por otros más allá de los simple que escuchen sus oídos.
En tiempos helénicos, hubo escuelas que estudiaron la música como un conocimiento mágico, y es seguro que existió una notación, pero estos eran conocimientos esotéricos, o sea de naturaleza escondida, y para el desarrollo del conocimiento humano, lo esotérico no deja de ser una curiosidad, con poca incidencia real, por tanto no se le debe tener en cuenta.
Viéndolo así, la música "teatral" no podía ser algo complejo, necesitaba ser aprendido de memoria por el intérprete por repetición, careciendo de esa notación que ayudaría para cosas más complejas.

Descartamos pues el renacimiento musical como recuperación de arte musical clásica, lo que no existe o lo que nos es desconocido no puede renacer.

Sin embargo, está el otro punto de vista sobre el renacimiento, el ideal de humanismo, el europeo no buscaba el clasicismo porque sí, por gusto, sino por el mito de que en tiempos del Imperio todo era mejor, una edad dorada, los hombres (los que se pueden considerar hombres) eran más libres, más cultos, más poderosos, en contraposición con el oscurantismo de la Edad Media, que aunque hoy sabemos que ni fue tan oscura, y que su transición con el Renacimiento fue muy sutil, en ese momento se podía ver como una época oscura. El caso es que buscan lo clásico por ver si así se les "pega" algo de esos ideales humanistas que buscaban, que ellos creían representados únicamente en la cultura clásica, pero al final lo esencial del renacimiento es liberar al hombre, y que el hombre cree, porque tiene derecho, es el centro de la creación.
En las ártes musicales medievales, el canto religioso era muy estricto, la música cortés también, y la música popular ni se tenía en cuenta, en cambio los compositores renacentistas componen indistintamente música sacra, popular, cortesana, y poco a poco desarrollan estilos, técnicas que enriquecen la música, y esencialmente, los músicos se convierten en protagonistas, sabemos sus nombres, y aunque en realidad se conocen nombres de músicos de la Baja Edad Media, la separación de esta última con el Renacimiento es muy arbitraria, se puede decir que la Baja Edad Media era bastante renacentista (o el Renacimiento bastante medieval).

Los lugares dónde sucede todo esto, primeramente en la Borgoña, y en el otro extremo los Estados comerciales italianos, los dos extremos de las rutas comerciales europeas, y por extensión a zonas cercanas, como noreste de Francia, Inglaterra, España por ser zona de paso marítimo entre ambos lugares.

Música militar

2010-03-03T03:28:00.000-08:00

Por petición popular, una de marchas militares.

A ver, para tratar este tema seguramente lo más correcto es hacer historia y ver los orígenes de la música.
Lo primero es ver los instrumentos y contextos en los que se pudieron desarrollar las primeras músicas.

En cuánto a los instrumentos, sólos, o acompañados, los instrumentos más antiguos son:
- Percusión (ya esté esta más o menos desarrollada, pero su primacía es evidente).
- Voces (seguramente posterior a la percusión ya que la capacidad vocal parece ser que es posterior a la de tener la inteligencia para dar golpes a intervalos rítmicos).
- Viento (cuernos naturales primero y luego innovaciones en madera y metal).
- Cuerda, aunque más que nada arpas (aún más tardío y seguramente una consecuencia casual del uso del arco)
Los demás instrumentos son evoluciones técnicas posteriores menos evidentes, el uso de metal en vez de madera puede ser un cambio evidente, pero no el uso de instrumentos de viento con clavijas, lo sencillo con flautas de pan, o antiguas flautas dulces, pífanos y cornos, trompas si hablamos de metal. El razonamiento es similar para la cuerda, la cuerda al aire es más evidente que usar una caja de resonancia, igual que la cuerda pulsada es más evidente que la frotada.

Sobre contextos, los orígenes serían dos, en casa, con las mujeres, principalmente vocal, porque se puede cantar mientras se hacen otras labores del hogar, y el militar, con los hombres. En realidad se pueden pensar otros usos, como festivo, religioso, funerario, pero el uso hogareño y militar representan las dos funciones extremas, y las demás pueden ser usos mezclados de ambas funciones.

Mientras que en el hogar lo esencial es la voz, por la capacidad de hacer otras cosas mientras se canta, en lo militar se busca la marcialidad, cosa que a pesar de miles de años pasado no ha cambiado mucho, el mayor espíritu suele ir acompañado de mayor éxito en la guerra (sí, bueno, eso depende también de que el general no sea un cenutrio, que el otro ejército no sea mejor, etc).

El ejército no quiere individuos, quiere un grupo, coordinado, unificado, no es tan importante la cantidad de soldados como su preparación y coordinación. Para esto la música puede resultar útil, tanto en el ejercicio físico marcando un ritmo base que hay que cumplir, como para las marchas (que no son más que desplazamientos) al paso (velocidad) escogida, eso sí crea uniformidad y espíritu.

Claro que la música de banda militar está condicionada a la comodidad de su interpretación a pie, por eso van bien tambores varios, platillos, cajas, percusiones varias que se puedan portar, e instrumentos de viento, sobre todo metal (cornetas y trompetas, trombones, trompa, tuba) y algunos instrumentos de madera, pero los instrumentos más grandes y los más dificultosos de interpretar quedan relegados a los actos más serios, de forma que la formación básica son tambores pequeños y cornetas y trompetas, más manejables.

Su vertiente más practica es la de marcar el paso de la marcha, ¿hay que hacer 50 kilómetros a pie?, ¿cuánto tiempo tenemos?, y así se escogen una serie de piezas que van tocando los músicos para que se mantenga el paso, tanto en cadencia como en longitud de zancada.

En las antiguas batallas en trirremes, la percusión se usaba para marcar el ritmo al remero, también en su momento, los instrumentos de viento se usaban en batalla para dar órdenes (retirada, por ejemplo), tambores para marcar el paso en batalla de formaciones reducidas que deben mantenerse unidas (los lanceros suizos tenían que ir apelotonados para ser efectivos, por ejemplo).

Y otra de las funciones es mantener la moral y espíritu combativo, en este sentido se entienden cosas como, "Soy el novio de la muerte" y "La muerte no es el final":

¿Y por qué esto es cantado?, por espíritu de camaradería militar, ahí cantan todos, por eso igualmente se canta a una sola voz no en coro, porque los que cantan, la unidad militar que corresponda, son todos iguales en espíritu, o al menos eso se busca.

Por consuelo religioso en una profesión tan peligrosa, también son propios los cantos de esta índole en las unidades, como por ejemplo, la Salve Marinera de Oudrid en la Armada:

Otro hecho curioso en España es la reutilización de partes de zarzuelas, como es la "Salve Marinera", en marchas militares, otro ejemplo muy conocido es la marcha final del primer acto de la zarzuela "Cádiz" de Chueca, estupenda para un desfile:

Actualmente la música militar se ha reservado para actos más serios y su uso práctico es muy reducido, pero sigue existiendo esa tradición.

Estaba la Madre...

2010-03-02T02:21:00.000-08:00

Aquí va esto, y muy adecuado para las próximas fechas de Semana Santa. Uno de esos temas recurrentes en la música barroca fue este poema medieval:

Stabat Mater dolorosa
Iuxta crucem lacrimosa,
Dum pendebat filius.
Cuius animam gementem
Contristantem et dolentem
Pertransivit gladius.

Estaba la Madre sufriendo,
junto a la Cruz, lagrimosa,
de dónde pendía su Hijo.
Cuya alma doliente,
constreñida y doliente
atravesó la espada.

(En realidad es más largo)

Palestrina, Haydn, Scarlati, Vivaldi, Liszt, Dvorak y otros muchos han compuesto su versión
pero la más conocida es esta:

De Juan Bautista Pergolesi.

Nacido en los Estados Pontificios en 1710 (compartimos cumpleaños), y en él se unen dos "maldiciones" de muchos músicos, morir joven y ser olvidados rápidamente, porque se puede morir viejo y que te olviden rápido, como le pasó a Bach, o se puede morir joven, como le pasó a Mozart, pero a Pergolesi le tocaron las dos chinas, con el agravante de que encima murió realmente joven, llegó a ser conocido, pero no alcanzó la cumbre de la fama porque no le dio tiempo, murió con 26 años, y se le veían maneras para llegar a ser uno de los más grandes de todos los tiempos, porque Mozart murió joven, pero no tanto (35 años), y en esos años de diferencia le dio tiempo a hacer tal cantidad de cosas.

Aunque gran parte de su obra es operística, irónicamente su obra de referencia es este "Stabat Mater", ya que aunque compuso piezas sacras, pero esta fue una composición menor en cuanto a tamaño comparado a su obra operística.

Desde luego a Pergolesi se le dejó en el olvido, pero no a esta pieza, porque para que J.S.Bach te copie ya tenía que parecerle buena, sobre todo teniendo en cuenta que Bach era 25 años mayor que Pergolesi, la obra se compuso un año antes de la muerte del italiano, y el alemán vivió 14 años más, obviamente el tema se tuvo que expandir y hacer conocido rápidamente. Lógicamente, como buen luterano no va a tomar un tema mariológico, sino que toma la melodía y cambia a letra a un Salmo, el 51 concretamente (Súplica del pecador arrepentido):

La estructura es típicamente barroca, un acompañamiento de cuerdas con bajo continuo, como protagonistas dos voces, Soprano y Contralto.
Si vemos la partitura que aparece en el vídeo de youtube, veremos como las voces (pensando en sílabas) no van acompasadas en el tiempo (no siempre), sino que:
1) Al principio comienza la voz de Contralto y la de Soprano le va dando el contrapunto retrasada ligeramente
2) y 3) Dos secciones de solo, primero con la Soprano, y segundo Contralto.
4) Tras eso Contralto y Soprano empiezan acompasadas una sección.
5) Se vuelve a la asimetría después, pero esta vez con la voz de Soprano como primera y la de Contralto como contrapunto, pero esa misma sección la terminan al unísono.
La pieza continúa, con secciones cambiándose el protagonismo entre las voces.

Lo que se puede ver aquí es la huida del canto de sílabas acompasadas, porque las melodías pueden estar mejor o peor conseguidas, las letras, tiempos, entonación, instrumentación, pero se quiere jugar con todas las variables que da la música, y este desacompasamiento es otro recurso más, muy típicamente barroco, es la búsqueda de la armonía final, lo que no quiere decir que no existan armonías enmedio, pero sí que dé la impresión de que son armonías no estables, que son fugaces por la falta de uniformidad en ese "silabeo", de armonías que cambian porque primero se mueve uno, y luego el otro, y así sucesivamente, para llegar a un final dónde se alcanza la armonía y la quietud en el momento en que el compositor vuelve a dar la simetría a la pieza.

El significado para el mundo de la música es que la música uniforme es plana, la profundidad la dan los contrastes, contrastes armónicos, pero también en los ritmos, en el volumen diverso entre las voces y en el tiempo dentro de una misma voz, son tantas cosas.

Sinfonía fantástica de Berlioz.

2010-02-21T06:02:00.000-08:00

Aunque no llego a los extremos de aborrecimiento de Isadora por Hector Berlioz, tengo que decir que siempre ha sido un compositor que no me llamó mucho la atención, para mí es un ejemplo del "mal romanticismo", el del artísta que se cree en la total libertad de hacer lo que sea bajo la excusa de la busqueda de un arte puro, que es la cruz de la moneda del movimiento romántico, la de barbaridades que se han hecho con excusas tales, y no sólo en la música, sino en todas las artes, incluso en las propias vidas de los artistas. Vamos, que me aburría de tanta pomposidad vacía.

La sinfonía es de cinco movimientos, en vez de los habituales cuatro, y está inspirada en un amor fallido de don Hector, una actriz de teatro, y el argumento es un joven (Berlioz tenía 27 años al componerla) que desesperado por un amor fallido se da al opio y empieza a tener sueños, uno por movimiento.

1º Rêveries. Passions
2º Un Bal
3º Scène aux Champs
4º Marche au supplice
5º Songe d'une Nuit de Sabbat

En el primer movimiento introduce la situación, la intoxicación y los sueños que va a tener.
Los siguientes movimientos son los sueños, en los que siempre aparece la amada provocando malos momentos de una forma u otra al protagonista, pero mientras que en el segundo pueden ser sólo nervios, todo va empeorando llegando a momentos de locura en el quinto movimiento, en el que se celebra un aquelarre para celebrar su propio funeral, que él vé, por eso se le llama a veces "Dies irae" a este movimiento, porque de fondo de escucha la melodía de uno significando el momento de la misa requiem.

Berlioz toma la idea del Leivmotiv romántico, y la llama "idea fija", y en la obra la idea fija siempre es la amada, que aparece como un clarinete para sufrimiento del joven.

El quinto movimiento, es el más conocido, y evoca la situación de un aquelarre de magos, brujas y demás entes fantásticos saturando de melodías contrapuestas, el Dies irae de fondo, las campanas de su funeral, melodías locas del aquelarre.

Personalmente, veo mucha fanfarria para una idea que no da para tanto, y a veces llega a momentos grotescos, en que te puedes imaginar a las brujas bailando can-can, algo fuera de lugar, ¿no?

Al final, con estas cosas se llega al tópico romántico de que el movimiento romántico fue creado por unos fracasados amorosos que no aguantaban que le dijeran que no.

Suite "The Planets" de Holst.

2010-02-19T03:21:00.000-08:00

Apenas unas semanas antes del estallido de la Primera Guerra Mundial Gustav Holst terminó la composición de "Mars: The Bringer of War", primer movimiento de la Suite "The Planets", que vista tuvo el hombre (los demás los fue componiendo en años sucesivos).

Como las suites son una colección de elementos contrapuestos, Marte tiene su opuesto, que es "Venus: The Bringer of Peace".

"Mercury: The Winged Messenger" y "Jupiter: The Bringer of Jollity" son las partes intermedias de la obra, digamos que las obras largas pueden ser tomadas muy en serio y se suele colocar alguna parte más ligera, no en profundidad de la obra, sino en agilidad melódica e interpretativa, aunque el de los dos, el segundo es más serio,a aparte de ser el movimiento más conocido de la obra.

"Saturn: The Bringer of Old Age" es el movimiento dónde Holst echa el resto en su estilo interpretativo

"Uranus: The Magician", tras Saturno, se requiere otro movimiento ágil que haga de contraste tras el anterior y el último, esa es la base de una suite.

"Neptune: The Mystic"

Y Plutón fue descubierto en 1930, así que no entra en la suite, aunque en el año 2000 se le añadió un octavo movimiento, "Pluto: The Renewer", aunque estilísticamente no tiene nada que ver con la suite, lógico, porque la compuso otra persona en otra época.

Aunque algunos títulos de los movimientos puedan llevar a engaño, esto no tiene nada que ver con los dioses grecorromanos, Marte no es el dios Marte, dios de guerra, ni Mercurio es el dios mensajero de los dioses, pero tampoco es una interpretación astronómica, porque si lo fuera ¿dónde está la Tierra?.
Gustav Holst fue desde joven una persona curiosa en términos místico-religiosos, aficionado a la Teosofía, movimiento que sostiene que todas las religiones son facetas de una misma realidad interpretadas desde una realidad social e histórica diferentes, y lógicamente una de esas facetas es la astrología, interpretaciones astrológicas de lo que representa cada planeta.
Sobre cada interpretación se deplegan unos calificativos en el título del movimiento, y alrededor de esos calificativos se despliga una musica que quiere representalos.
Una evidencia de esta idea es que en el libro "The Art of Synthesis" del teósofo y astrólogo Alan Leo, el nombre del capítulo sobre Neptuno es exactamente el mismo que en la suite de Holst.

A lo más que se puede llegar sobre la interpretación de la suite es que es una metáfora de las fases de la vida, con Marte como un doloroso principio (parto), Venus una pacífica infancia, Mercurio como muestra del cambio en la adolescencia, Jupiter la muestra de la edad adulta pero aún joven, Saturno el principio de la vejez, Urano una ancianidad en la que igual ya se nos ha ido un poco la cabeza y nos convertimos en el abuelo algo locuelo, y Neptuno, que es de una enorme quietud, como la espera de la propia muerte o incluso el transito hacia ella.

Teniendo en cuenta que es la misma época que Schoenberg y Stravinski, la obra tiene muchos usos no armónicos, giros extraños, pero más similares a Stravinski, manteniendo una estética más estandar, que a la total amorfidad de Schoenberg.

Curiosamente Plutón, que el mismo Holst se negó a componer en sus últimos años de vida (Holst fue un One Hit Wonder y terminó odiando esta obra porque nunca tuvo el mismo éxito), y aunque la composición es claramente moderna y no tiene nada que ver con el resto de la obra, el título está estupendamente escogido, Plutón, el renovador, esto es otro ejemplo de Teosofía, de parte del hinduismo en el que Holst estuvo muy interesado en vida. Desde este punto de vista, la muerte, destrucción, es necesaria para el nacimiento, como en el samsara hindú, pero esto queda más allá de la propia obra ya que como dije ni Holst quiso componer un Plutón.

"La Isla de los muertos", Opus 29, de Sergei Rachmaninov

2010-02-18T01:50:00.000-08:00

"La Isla de los muertos", Opus 29, de Sergei Rachmaninov, es un poema sinfónico basado en la serie de cuadros homónima de Arnold Böcklin:

Serie porque el buen hombre hizo diversas versiones de la misma escena, una isla con cipreses, rodeados por un risco rocoso con estancias enclavadas en la roca y una barca con el barquero y una figura blanca en pie se dirige a ella. Cada cuadro difiere en detalles y estilo, pero la escena siempre es la misma.

Bueno, o eso pensamos, porque por lo visto Böcklin nunca explicó el significado de esta obsesiva pintura, y suponemos que la barca es la de Caronte cruzando con un alma la laguna Estigia llegando a las puertas del Hades. El caso es que Rachmaninov toma esta interpretación y le da a su obra ese carácter sombrío.

¿Y qué es un poéma sinfónico?, es una obra de un sólo movimiento, generalmente para orquesta, que se centra en un objeto no musical.
Tuvo su origen en el romanticismo (aunque lo de Rachmaninov es un romanticismo muy tardío), que como ya se dijo se centraba en la evocación de sentimientos no expresables mediante la razón usando la música como medio, en este sentido el poéma sinfónico es una particularización técnica de esta idea, ya que busca esto mismo interactuando con otros artes. Un poema sinfónico se refiere a un cuadro, como es el caso, un escrito, un poema evocando las mismas sensaciones que nos evoque el otro objeto artístico.
Estos son sus únicos condicionamientos, puramente de contenido, mientras que su forma no está condicionada, aunque el adjetivo "sinfónico" nos pueda llevar a engaños, no hay relación formal con las sinfonías, pudiendo parecerse, o no, según el compositor considere que esto ayude a su objetivo evocador.

Los enlaces (gracias a Miguel):

Ni que decir tiene que lo suyo es escuchar la música con la imagen del cuadro delante.

Canción de primavera.

2010-02-17T04:52:00.000-08:00

Ya lo dija alguna vez, pero la música romántica no se basa en el romanticismo amoroso, sino en que hay cosas en la realidad no expresables mediante la razón, sino que se debe recurrir a la evocación de sentimientos para su expresión. Esto a nivel musical, que es el arte más abstracta, llega a su extremo más exagerado, porque la evocación en sí es algo básico en la música.

Evocaciones previas en música intentan ser "realistas", evocar objetos mediante la imitación de sus sonidos mediante sonidos y ritmos similares, pero en esta época la evocación se abstrae aún más, no se evoca cosas tangibles, sino directamente se evocan sensaciones, los sentimientos que se tienen al estar inmerso en la situación evocada, de forma que la música no es un fin en sí misma, sino un medio para sentir lo que se pretende mostrar.

De Felix Mendelssohn se puede decir que fue el mayor exponente romántico, y más en una Alemania en proceso de unificación, niño prodigio, de una familia de judíos conversos al cristianismo.

Ahora imaginemos, una película de cine mudo, el protagonista realiza cualquier tarea trivial, como por ejemplo estar simplmente sentado, pero de repente se aparece ELLA, es hermosa, dulce, recatada, y él se queda embobado, y suena esta música:

Llamado "Frühlingslied", o "Canción de primavera", del Opus 62, que es el quinto libro de la serie de libros Canciones sin palabras, una recopilación no exhaustiva de composiciones para piano solo que fue componiendo a lo largo de su no muy larga vida.

Existe una teoría sobre el origen de "Frühlingslied", que es la teoría británica, ya que desde joven Mendelssohn viajó por Europa para darse a conocer como el joven genio que era, y uno de los sitios que visito fue Gran Bretaña (y le tuvo que gustar porque compuso la sinfonía "Escocesa"). Allí, en Gran Bretaña el nombre de "Frühlingslied" es el de "Camberwell green", que es uno de esos jardines acotados tan conocidos que existen en Londres, al lado de dónde al parecer vivía una pariente suya.
Pensemos en Londres en aquella época, una ciudad enorme y gris, en la que el clima no suele acompañar, y para que un jardín luzca realmente tiene que ser en cuatro o cinco días contados a lo largo del año. Esa es la cualidad más brillante de la evocación, no nos expresa como es tal o cual cosa en tanto a su estado físico, sino que expresa la sensación de un momento fugaz, que igual si nosotros intentamos ver por nosotros mismos no veríamos porque tiene que suceder que esta situación suceda, la evocación recuerda cosas que son reales, pero que igual no lo son siempre que nosotros queremos que lo sean.

Un saludo.

Sonata para piano nº 20 opus 49 nº2 de Beethoven

2010-01-19T02:14:00.000-08:00

Por petición popular en relación con “Érase una vez el hombre”, la Sonata para Piano nº 20 Opus 49 nº2, en su segundo movimiento, el “Tempo di Minueto” (ponemos algunas versiones en condiciones, perdona, Antonio).

Por Arthur Schnabel:

Por Claudio Arrau (qué maravilla):

Una versión un poco moña de Daniel Barenboim:

La historia que tiene esta composición es que fueron compuestas como sencillas piezas de práctica para alumnos de Ludwig, tan sencillas que ni él mismo les dio ninguna utilidad comercial, pero la vida de los músicos tiene esos vaivenes económicos que sí que hubo que venderla. Por esa razón su numeración (opus) es superior a obras de composición posterior.

Ahora escuchamos el Septeto en Mi bemol mayor Opus 20, en su tercer movimiento:

¡Anda, mira que curioso, si casualmente se apellida “Tempo di Minueto”!

Bueno, ya está hecho, los compositores, por grandes que fueran, usan de truquillos para componer, a ver, Bach tiene composiciones que parecen hechas por un robot, porque se pasó años estudiando un sistema con el que componía piezas correctas en veinte minutillos, claro está que le salían “chorizos”, pero para conseguir algo así y que sonara bien hay que ser muy bueno y controlar mucho lo que se hace, así que falla la originalidad, pero hay que comer.
El otro caso es el que hemos visto la inspiración (en obras ajenas) o canibalización (en obras propias) ya sea porque el compositor considere que un tema es infrautilizado en una pieza menor y merece un tratamiento mejor, o para ahorrarse un trabajito.

Como decía, la sonata para piano era opus 49, y el septeto es opus 20, sin embargo, la sonata es anterior al septeto.

Este es un ejemplo, pero Beethoven era muy dado a canibalizarse.

Música de cámara.

2010-01-18T02:43:00.000-08:00

Bueno, aquí vamos, que hoy estoy más relajadito y tengo algo de tiempo, cosa que no tenía desde hace meses. Además, se me ha ocurrido algo que contar.

Lo primero el “pedacito” que escuchar, del Quinteto opus 13 (u 11, según), nº 5 de Luigi Boccherini, el minueto:

O si lo preferimos, una versión más personal, centrada en el interprete del cello:

Boccherini era desde luego un hombre de mucho talento, compositor y chelista, y en esa época para vivir de esto había que tener un patrón poderoso, un noble, así acabó en España, en la corte madrileña buscándose sustento bajo la protección del Infante Luis Antonio, hermano de Carlos III, pero la situación no le es tan favorable como pudiera parecer, por el gusto por la ópera que había en la corte. Sin embargo, una cosa que nunca va a faltar en una corte con la gran cantidad de nobles presentes, son las fiestas, con ello la música para bailar, y un minueto es eso, un baile (y este minueto fue compuesto en Madrid).

Bailes cortesanos, grandes y suntuosos salones, PERO no cabe una orquesta, sino que por razones de espacio y si la acústica es buena, con unos pocos instrumentos es suficiente, en el caso presente un quinteto, lo que se dice una orquesta de cámara, aunque también puede ser usada por simple gusto de oir música en una habitación (como quién se pone un CD).

La orquesta de cámara es una formación de unos pocos instrumentos, dónde cada instrumento interpreta una “voz” (en una orquesta salvo los solistas, se interpreta por grupos), y dónde la dirección le corresponde a un interprete, de forma que el grupo tiene que situarse en la interpretación para poder ver bien a este interprete, lógicamente esto quiere decir que ese interprete no puede dirigir gestualmente como un director real haría, sino que los demás tienen que estar atentos a su ejecución para dejarse dirigir por ella (logicamente eso significa que el instrumento que dirige suele ser el instrumento protagonista y que los demás interpretes deben conocer al dedillo no sólo su “voz”, sino al menos también la del director, sino todas las “voces").

Tipos de orquestas de cámara hay muchas, con más o menos instrumentos (cómo mínimo dos, porque uno es música de solista), y con instrumentos diversos, la típica cuerda, como es el caso, también instrumentos de viento, arpa, algún piano que pasaba por allí (jejeje).

En el caso presente, esto es un quinteto de cuerda, o sea un conjunto en el que cómo mínimo hay dos violines, una viola y un cello, siendo el quinto instrumento al gusto del compositor entre una segunda viola, un segundo cello o un contrabajo siendo en el caso de Boccherini la opción la del segundo cello, al fin y al cabo él era chelista. En esta formación de Boccherini, en la que él mismo interpretaba, se ve que el instrumento director es el cello, y de hecho, en sus quintetos la importancia de este instrumento es mayor, mientras que los demás compositores le suelen dar más importancia al violín.

Para terminar, para nostálgicos:

Consagración de la privamera de Igor Stravinski

2009-09-17T02:57:00.000-07:00

Sonata en Re para trompeta de Purcell

2009-09-16T00:45:00.000-07:00

¿Quién no ha escuchado esto? Sonata para trompeta en Re mayor de Henry Purcell.
¿Y que significa eso de sonata?

Hay que pensar que ahora mismo sucede en la música un fenómeno que es la oposición de tipos, una pieza es “popular” o “culta”, “movida” o “tranquila” y las diversas oposiciones que nos podamos encontrar.
En aquella época, en pleno barroco, también existían oposiciones, estaba la música religiosa y la música secular (en realidad también existe la música militar, pero esa va a aparte por ser un fenómeno utilitarista, tambores y pífanos para mantener una marcha), pero también existe una oposición entre música cantada (Cantata) y música interpretada, en un sentido instrumental, y esto es la sonata.
Dentro de estas dos dimensiones podemos derivar las sonatas religiosa y las sonatas seculares.

Como casi toda la música secular de aquella época, tiene una gran relación con la danza cortesana, cosa que se nota por la rítmica de la melodía, es totalmente bailable, tanto que esta estructura evoluciona hacia la suita barroca, que como ya expliqué por aquí no es otra cosa que una colección de danzas cortesanas.

La estructura de la sonata viene a ser casi el equilavente musical de un pareado rimado, poca cosa más sencillas en cuanto a su estructura vamos a ver. Escuchando esta pieza podemos notar:
- Primera parte, dónde se expone un tema, alegre, y se va desarrollando en fugas del solista (algo muy característico de este periodo).
- Segunda parte, que es un movimiento lento, libre en cuando al tema.
- Tercera parte, que es la llamada reexposición, en referencia al tema inicial de la primera parte, cosa que se puede hacer de diversas formas, como podría ser tomar el tema inicial y reexponerlo, pero si nos fijamos, aquí no hace eso, la “rima” no es tan abierta, es mucho más sutil, es rítmica, vuelve el tema alegre, y el solista vuelve a jugar con la melodía tal como sucedió en la primera parte, pero sin llegar a reproducir la melodía principal.

Otras cosas a destacar son:
- El omnipresente, en el barroco, bajo continuo (trompa, tuba y trombón en este caso).
- La continua pregunta y respuesta del solista, tanto con la segunda trompeta, como a veces con el mismo bajo continuo.
- Esos finales de parte tan marcados, para lograr el acorde final, en que el ritmo se ralentiza.

Para terminar, una nota, los instrumentos de metal ahora suenan de cierta forma, pero poco se sabe a ciencia cierta como sonaban hace siglos, pero resulta evidente que sonaban de otra forma, porque los compositores se atrevían a meter trompetas dentro de las iglesias para sus composiciones religiosas, cosa que actualmente es una locura a no ser que se haga expresamente.
Hace un par de días, aquí en Sevilla, fue el concierto que da anualmente en Cuaresma una de las mejores bandas de música de la ciudad, La banda de la Cigarreras, en la Basílica de la Macarena, en un caso así, se meten cornetas, trompetas y lo que haga falta en una iglesia (bueno, tambores los justos, la verdad), porque el sentido de la música religiosa de Semana Santa es ese, ya atronan en mitad de la calle.
Todo esto nos debe hacer ver que las trompetas, y demás instrumentos metálicos, sonaban mucho más suaves hace siglos.

Ave María guaraní de Ennio Morricone

2009-09-15T02:49:00.001-07:00

"The fosse" de Wim Mertens

2009-09-15T02:44:00.001-07:00

Humoresque nº7 de Antonin Dvorak

2009-09-15T02:43:00.001-07:00

Concierto nº1 para piano de Tchaikovsky

2009-09-10T03:58:00.000-07:00

Por petición, toca el archiconocido Concierto nº1 para piano de Tchaikovsky (en Si bemol menor).

Primero enlaces:

Comentario sobre ellos, a pesar de que a veces la calidad del sonido no es la mejor, y que hay algún corte, la interpretación es muy buena.

A ver, cosas que decir sobre la obrita:
La base de la obra es la contraposición del piano sobre la orquesta, que en casos es muy evidente, pero incluso cuando parece que el piano sólo acompaña la armonía, en realidad la orquesta siempre está subordinada. Para darse cuenta de eso tan solo hay que fijarse en que el sonido del piano siempre está en primer plano y a veces algún instrumento “se le acerca”.
La verdad es que es una pieza muy exigente para el pianista, y no cualquiera puede tocarla (bueno sí, pero no satisfactoriamente).
Esta pieza en realidad es una unión de canciones folkóricas populares, tomadas de ámbitos diversos, pero evidentemente arregladas y orquestadas para que formen una unidad.

La parte más conocida es la inicial, que según contaba el mismo Tchaikovsky, basó en una melodía que escuchó a unos músicos callejeros, pero es que esta parte tiene un problema respecto a la obra, aparentemente, no tiene nada que ver con lo demás, tanto es así que la obra está en tonalidad de Si bemol menor y la parte inicial está en Re bemol mayor, sea, frente al cariz oscuro de toda la obra, el inicio es grandioso.
Pero esta es una obra muy secretista, en cierto sentido juguetona, porque aparenta que esa primera melodía es independiente al resto de la obra, pero en realidad no, porque los nexos están escondidos en esos momentos melódicos arrebatados que tiene la obra , para que la gente piense “Este Tchaikovsky es un compositor inspirado”, como queriendo llamar al romanticismo aparente de la situación, pero en realidad oculta con esto esas argucias técnicas. Casi parece que quisiera engañar al que escucha.
En resumen, parece una cosa que no es, porque lo que es está escondido para que no lo parezca.

Tchaikovsky pensó la obra para dedicarla y para que fuera interpretada por el pianista Nikolai Rubinstein.
Cuando este vio la pieza pensó que era una bazofia en todo aspecto, pero que si accedia a reformarla a su gusto, la tocaría...dolido, el compositor se negó.
Pero las vueltas que da la vida, la pieza fue estrenada en Estados Unidos, quedando muy contento Tchaikovsky, y la verdad es que tuvo que tener éxito, porque cuando tiempo después fue estrenada en Rusia, le tocó a Rubinstein primero dirigir, y luego interpretarla al piano, a pesar de sus reticencias por la obra que iba a estar dedicada a él mismo, aunque al final no fue así. Quedó el compositor por encima de los caprichos de prima donna que tienen los solistas.

Ay, Pedrito, que sensiblón que eras.

"El reloj" de Haydn

2009-09-07T03:09:00.001-07:00

De la sinfonía 101 de Joseph Haydn me encuentro esto:

EL RELOJ

Claro, el segundo movimiento, el que da nombre a la obra, “El reloj”, y sólo faltaría que este movimiento no estuviera, porque sería para empezar a darse de cabezazos...el caso es que el resto de la sinfonía (con sus cuatro movimientos), no los encuentro.

En fin, vamos a lo serio.
La sinfonía 101, es una de las sinfonías londinenses de Haydn, nombre de sencilla explicación, sino porque el austriaco fue contratado para ir a Londres y componer a cargo del músico y empresario alemán, afincado en Londres, Johann Salomon (claro, con reyes de Hannover y con la música nacional muerta, había que importar músicos).
La verdad es que el tal Salomon se buscó a un gran compositor, porque él no lo era tanto, pero se involucró mucho con la creación de la obra de Haydn, que fue “diseñada” para lucimiento de su grupo musical, de sus propios sólos, llegando incluso a componer secciones de la obra de Haydn, que el compositor luego tenía que engarzar en su propia obra.
No es el caso de está parte, pero no deja de ser importante resaltarlo, ya que nos hace ver que estas obras no son fruto de una total libertad de Haydn para componer. En realidad para los compositores de aquella época, la mayoría de sus obras eran contratadas, pero en este caso son contratadas y controladas en la busqueda de un objetivo, que no cabe duda que era un objetivo comercial y de prestigio por parte de Salomon.

La sinfonía tiene sus cuatro movimientos, pero como lo encontrado es el segundo movimiento, no queda otra que hablar de esto sólo.
En realidad el segundo movimiento es el principal de la sinfonía, a la que da nombre, es una de esas piezas evocadoras que me gustan a mí tanto, y el nombre lo explica todo...como ejercicio está el ponerse a decir “tic-tac” para uno mismo mientras escucha la obra, y llegará un momento en que nos sentiremos dentro de la misma composición.
La pieza en sí es un ejemplo perfecto de la melodía puesta a disposición de la rítmica, y no al revés como suele pasar la mayoría de las veces.
Por pura lógica, el tiempo de un reloj es obstinado, lento, sin fin, uniforme, como corresponde a las mentes racionales de aquella época (ilustración), por tanto tenemos al fondo instrumentos marcando el tiempo en un pianísimo (claro, salvo en las florituras finales en las que se adaptan a la melodía como acompañamiento, porque es lo que hace bonito).
Puede sonar fuerte lo que digo, pero la melodía principal que es cristalina, bonita, pero en esta pieza, no es lo principal, porque da la impresión de que la pieza fuera una evocación a unas minúsculas vidas yendo por el mundo al ritmo de un reloj.
El tempo del movimiento es un andante, como no podía ser de otra manera, porque andante es literalmente el tiempo de un paseo a paso normal, perfecto para el reloj, constante y preciso.
Sobre la tonalidad, es un Re mayor, porque es una tonalidad muy adecuada para música de violín, por la afinación de sus cuerdas y porque precisamente produce este tipo de sonido glorioso y cristalino tan propio de la época (cosa de los armónicos de los que ya hablé alguna vez).

“When I am laid in earth”

2009-09-04T01:42:00.000-07:00

Para los ansiosos, hoy me dió por escribir algo...y mira que a mí la ópera, en pequeñas dosis.

Los foreros antiguos saben de mi afición hacia ese gran genio que fue Henry Purcell, que sino es más conocido como uno de los grandes maestros de la música es por haber muerto joven, aunque Mozart murio joven, pero claro, Mozart es Mozart, y por ser inglés, lo cual ayuda mucho a su desconocimiento, con el enorme daño que se hizo en esas tierras a la música por asuntos religiosos, vamos, que en aquella época no era lo mismo nacer en Inglaterra que nacer en uno de esos reinos germánicos (ahora curiosamente es al revés).

Vamos, esta situación lamentable de la música inglesa la tenía él mismo tan clara, que aún siendo el compositor vivo más importante del reino, componía por afición cosas que sabía nunca se estrenarían, existiendo por tanto un compositor público, restringido por el corsé cultural que se le impuso a la música, y el músico privado.

De todos es conocido que la vida cultural inglesa de aquella época (segunda mitad del XVII), estaba centrada en el teatro...por tanto una de las salidas para el músico es unirse a ese mundillo, o tomar la parte teatral de la música, la ópera.

Una de sus más conocidas obras es la ópera “Dido y Eneas”, basada en la obra de Virgilio, en la que el exiliado troyano recala en Cartago, teniendo sus asuntillos amorosos con la reina Dido, pero claro, el hombre se termina yendo, al fin y al cabo su destino es fundar Roma, ¡faltaría más!

El aria a destacar es el climax dramático de la obra, el lamento de Dido “When I am laid in earth” (cuando yazca en la tierra), cuando Eneas marcha de Cartago, y Dido destrozada decide acabar con su vida. Todo perteneciente al final del tercer acto.

En esta sección se incluye el recitativo previo y el aria propiamente dicha.

Thy hand, Belinda, darkness shades me, (Recitativo)
on thy bosom let me rest,
more I would, but Death invades me,
Death is now a welcome guest.

When I am laid, am laid in earth, may my wrongs create (Aria)
no trouble, no trouble in thy breast,
remember me, but ah! forget my fate,
remember me, remember me, but ah! forget my fate.

Musicalmente es tipicamente barroco, con un bajo apoyando la melodía (igual que el bajo continuo de las polifonías barrocas), y no deja de ser una danza solemne a tres tiempos.
La voz blanca expresa esa angustia vital y junto al acompañamiento expresan con tal delicadeza la escena, que ni hace falta mirarla para imaginarlo...en eso se basa la música, es la capacidad del compositor de usar medios abstractos para crear imágenes mentales de la escena, una escena que es “realista” por ser teatral, pero que en periodos posteriores las escenas musicales se refieren a sentimientos en si mismos, sin escenas teatrales que las envuelvan.

Tu mano, Belinda, las sombras me envuelven,
en tu pecho (regazo) déjame descansar,
cuánto más quería, pero la muerte me invade,
la muerte es ahora un invitado bienvenido.
.
Cuándo yazca, yazca en la tierra, por favor, que mis errores no creen
preocupación, preocupación en tu pecho (alma),
recuerdame, pero ¡ah! olvida mi sino,
recuerdame, recuerdame, pero ¡ah! olvida mi sino.

Japonesada

2009-09-04T01:11:00.001-07:00

Mononoke hime:

Sen to Chihiro no kamikakushi:

O mio babbino caro

2009-09-04T01:03:00.001-07:00

Cabezón

2009-09-03T01:46:00.000-07:00

Dificultades musicales de los ciegos…

¿Sabéis lo realmente complicado que es interpretar a ciegas? cuando digo a ciegas me refiero a tocar sin dirección cuando esta es necesaria. Esto es algo que ultimamente sufro porque como ya comenté falleció el director de la coral en la que canto.

El papel de la dirección es esencial, hay que ver los movimientos, hay que verle los ojos a quién dirige, sentir la música como la siente esa persona...porque al final un coro es como el teclado de un piano, y los cantantes somos notas presionadas por quién dirige, que es el ejecutor.

¿Y dentro de esto cómo entra un ciego? sencillo, no entra, porque no se puede dirigir a un ciego cantando, porque si escucha siempre va tarde.

¿Soluciones?
El ciego debe aprenderse su melodía perfectamente y tener un control extremo del ritmo de lo que se va a interpretar, y el director debe ejecutar exactamente lo que sabe que el ciego va a interpretar...así el ciego no tiene que interpretar de oidas, siguiendo, sino yendo en paralelo...lo malo que tiene esto es que encorsetamos al elemento principal de la interpretación que es el director, y no se puede dejar llevar por el momento.
La otra opción es que sea el ciego quién dirija, con sus limitacion de no mirar a la gente, pero su propio cuerpo y en cierto acuerdo previo con los demás interpretes pueden hacer que esto sea posible.

Por contra, un ciego no tiene mayor problema para ser solista sin acompañamiento, porque el mismo se dirige.
Pudiera pensarse no poder ver la partitura es una limitación, pero en realidad hasta los videntes se aprenden las partituras, porque las partituras valen para aprender, pero en un concierto solo sirven para consultas sobre los demás, para entrar cuando corresponde, anda que qué malos conciertos se darían si los interpretes leyeran sus partituras.

Y aquí terminan las vueltas de mi razonamiento, un famoso músico ciego, Felix Antonio de Cabezón, aunque la música preclásica española no es muy conocida, pero Cabezón se salva bastante de esta quema, aunque mucho más Tomás Luis de Victoria.
Debió dársele bien, porque llegó a organista de la Catedral de Palencia (gran Catedral, por cierto) y músico de la Corte de Carlos I, y viajar por sus reinos, influyendo en la música europea, tanto que es conocido como el Bach español del siglo XVI (por eso de ser organista, como era J.S.).

Una obra, El canto llano del Caballero (no hay mucho en youtube, siento decir):

O uno de los fabordones (ni siquiera está completo):

Diferencias sobre la Gallarda Milanesa:

Estos compositores solían tomar temas populares cantados, y los adaptaban a música instrumental cortesana o sacra, y como se puede notar todos tienen forma de danza, porque en la Edad Media los cantos populares estaban irremediablemente unidos a las danzas, eso es ese algo especial que tiene la música renacentista y barroca.

Un saludo.

Nomadi

2009-09-03T01:44:00.001-07:00

Because the night

2009-09-03T01:37:00.001-07:00

Across the universe

2009-09-03T01:30:00.000-07:00

Marcello

2009-08-31T01:45:00.000-07:00

Concierto para oboe y cuerda en Re minor de Alessandro Marcelo:

Alessandro Marcelo fue un...estooo...la palabra correcta sería diletante, para los que no seamos filólogos:
Diletante en el DRAE (Del it. dilettante, que se deleita).
1. adj. Conocedor o aficionado a las artes, especialmente a la música. U. t. c. s.
2. adj. Que cultiva algún campo del saber, o se interesa por él, como aficionado y no como profesional. U. t. c. s. U. t. en sent. peyor.

Diletante en ambos sentidos a decir verdad, porque era matemático, físico, literato, pero en lo que fue más notable fue precisamente en la música.
Tenía el punto de vista, que un noble como él, e italiano (de Venecia) en una época en que la influencia renacentísta aún no había desaparecida (época barroca), debía ser el noble caballero culto, que cultivara las artes nobles...tanto es así que él despreciaba a los profesionales, aquello que fuera producto del dinero era despreciable, cosa que pasaba claro está con la generalidad de los músicos, que trabajaban para vivir.
Por tanto ¿su profesión? ser noble ¿su entretenimiento? todo lo demás, en su mayoría mediocre, salvo en el caso de la música.

Es contemporaneo del también veneciano Antonio Vivaldi, “el cura rojo”, al que se le compara muchas veces, y claro está, Vivaldi es incomparablemente mucho mejor compositor, pero eso no quita que Marcelo sea un buen compositor, e interesante. Este hecho en realidad lleva la contraria a la teoria de Marcelo, sobre que el arte por dinero es peor que el arte “por amor al arte”, valga la redundancia, porque Vivaldi fue un sacerdote que apenas celebró misas, sino que vivía de su arte, mientras el era un noble que se entretenía haciendo “cositas”.

El concierto en Re menor para Oboe y Cuerda es su obra más conocida, una típica obra barroca con su bajo continuo y sus contrapuntos barrocos.
El re menor es una tonalidad oscura, y normalmente suele verse como una representación de la tristeza, lo que en el segundo movimiento del concierto, el adagio, queda claro, aunque no siempre tiene porqué ser así, sino que queda como algo oscuro y serio, sin mayores implicaciones, como se vé en el primer movimiento.

Palestrina

2009-08-25T00:33:00.000-07:00

Palestrina.

Como suele pasar en muchos compositores, la vida y la obra de un compositor está condicionada por el acontecer de la historia, cosa que pasó con Haendel, cosa que pasó con Bach, Mozart, Beethoven, en realidad con todo, porque siempre se pretende buscar con la música algo que llene la situación social que nos rodea.

Palestrina (y no palestina, como quiere obligarme el corrector ortográfico del word), también tiene su contexto histórico-religioso, al igual que hemos dicho que las crisis protestantes llevaron a la muerte de la música en inglaterra, y por contra a su auge en el imperio germánico (al fin y al cabo son ramas muy diferentes de eso que se llama comunmente protestantismo), la reforma tiene su contraparte, la contrarreforma católica.

La contrarreforma tuvo muchos efectos en la vida religiosa católica, a veces incluso sin coherencia entre las diversas normas que se promulgaban, porque por un lado provoca la suntuosidad y a veces el recargado arte barroco en las artes plásticas (muy dado en nuestro país), mientras que el rito se vuelve rígido...y eso también afecta a la música, porque la contrarreforma afectó en mucho la evolución musical.
Los grandes regiones católicas eran Italia, Francia y España...los franceses siempre han sido muy suyos, católicos, pero de bromita, los italianos de diversas nacionalidades, empezando por los papales, se daban bien a la buena vida, y mientras los españoles en este sentido fueron los más serios seguidores.
Digo esto porque claro, desde un punto de vista eclesial la música tiene que ser religiosa, y sino es religiosa, es impía, y la contrarreforma acabó con la música secular en España hasta practicamente el siglo XIX, cosa que no paso curiosamente ni en las muy católicas Italia y Francia.

También hablé de las contrapuestas medidas de la contrarreforma, viéndose en la música parte de ese absurdo, porque mientras que el barroco campaba en las artes plásticas, en la música las medidas fueron totalmente contrarias, la música (como ya he dicho, religiosa, sino es impía) debe simplificarse, evitar la evolución a las polifonías que se estaba dando, y una vuelta al gregoriano (una voz, sin alteraciones volumen vocal, con gran abundancia de melismas).

Y tenemos al amigo Giovanni Pierluigi, precisamente en Roma, llegando a maestro de capilla del coro papal de la Basílica de San Pedro bajo Julio III, precisamente el primer Papa de Trento.
A la muerte de Julio III, su sucesor, Pablo IV le destituye del puesto porque pensaba que contravenía todo lo que se estaba tratando en el concilio, que aún seguía.
Durante unos años, fue maestro de capilla en diversas iglesias, entre ellas de San Juan de Letrán (paradójicamente, no puede estar en San Pedro que es la Iglesia personal del Papa, pero sí en San Juan, que es la catedral de Roma y sede oficial del papado...paradojas, paradojas).
Termina el concilio y muere Pablo IV, y su sucesor, y con el sucesor de este, Pío V, Palestrina vuelva a hacerse cargo del puesto en San Pedro hasta su muerte.

¿Cuál fue el problema de Palestrina?
Estaba casado.
Había compuesto obras profanas.
Su música entraba en colisión con la norma tridentina. Tanto es así que obras suyas preconciliares fueron desautorizadas.

Pero el buen hombre se adaptó, pero a su manera.
La música de Palestrina se basa en varios principios:
Preeminencia de una voz sobre las demás que sólo realizan el acompañamiento.
El ritmo se acompasa a la lectura natural del texto.
Claridad vocal, el texto (sacro) debe ser inteligible.
Evitar saltos tonales bruscos en las melodías.
Tratamiento estricto de las disonancias.

Con esto pretendía quitarle aparentemente importancia a la música, ya que existe es voz principal y otras voces que acompañan para "hacer bonito", no un batiburrillo de voces contrapuestas, haciendo la letras inteligible para darle importancia al texto, lo mismo el tema rítmico, mientras que las otras dos medidas se toman para evitar que la música sobresalga sobre el texto.
En realidad lo que realiza al modificar su estilo es una polifonía aceptable para las ideas tridentinas, aunque las propias normas tridentinas recomendaran otras cosas.

Dice una leyenda, que escribió la Misa del Papa Marcelo, para convencer a los asistentes al Concilio, al que aún le quedaba un año para terminar, para convencerles que se podía hacer otra música acorde con el espíritu tridentino, sin acogerse a las estrictas y reprimentes normas que iban a establecerse...una leyenda, luego a ver lo que hay de realidad en esto.
Aunque si la teoría fuera cierta, el nombre de Marcelo estaría muy bien escogido, porque Marcelo II fue el Papa intermedio entre Julio III y Pablo IV, y duró tres semanas, así que fue un Papa del concilio, y si la obra había que estrenarla en algún sitio, eran dentro del concilio.

Como misa, sigue la estructura previa de las misas de: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus, Agnus Dei.

Se puede notar que hay partes "gregorianas", pero que la polifonía lo copa todo pronto al momento.

Fantines Death

2009-08-25T00:20:00.001-07:00

Glenn Gould

2009-08-24T02:05:00.000-07:00

La Suite inglesa nº 3 de J.S.Bach:

Interpretado por Glenn Gould.

Glennn Gould fue un famoso pianista canadiente, conocido por su virtuosismo, y por los puntos raros que le daban.

Por ejemplo, en el siguiente vídeo se puede ver claramente como tarareaba las piezas mientras las tocaba:

O la manía de ir con su silla con las patas recortadas y respaldo a todos los conciertos, que hacía que su cuerpo quedara muy bajo respecto al teclado del piano:

También en este vídeo se puede observar que va muy abrigado, y no sé si ese día haría frío o no, pero el caso es que él siempre iba muy abrigado.

Este comentario viene por una sugerencia, por ser un músico excéntrico.

En la wikipedia dicen que le diagnosticaron sindrome de Asperger, un cierto tipo de autismo, cosa que no sabía, pero es conocida la coincidencia entre el autismo y aptitudes geniales...¿quién sabe si fue eso?

L'aigle Noir

2009-08-22T02:37:00.001-07:00

Dvorak "Sinfonía del Nuevo Mundo"

2009-08-22T02:35:00.000-07:00

Bohemian Rapsody

2009-08-21T04:31:00.000-07:00

Otra consulta, hablando sobre Bohemian Rapsody de Queen, y la unidad de las obras musicales y las variaciones dentro de ellas:

Ay, mira tú que gracioso el Antonio, preguntanto el cómo...
Esto es como la cocina, la canela y las gambas no casan bien ¿por qué? porque no es agradable la combinación, no hay que darle muchas más vueltas.

El detalle es que estos cambios de rítmica, tempo, incluso creo que de tonalidad (ahora hablo de memoria), son muy comunes en la historia de la música, lo que no eran comunes era en la música rock, porque son piezas hechas para ser cortas y para ser unitarias consigo mismas, muchas veces hechas con nula formación musical (por ejemplo, el punk se puede hacer con tres acordes de guitarra). Pero en la historia de la música estos cambios de tiempo son normales, ya sea en la mísas, en la óperas, y estos cambios vienen a significar un cambio en la escena o en la persona que habla, o en su estado anímico (cosa que en la ópera se ve perfectamente), lo único que requiere es que las transiciones estén hechas con cuidado, que la parte final de una sección sea compatible con la parte inicial de la siguiente.
Pero ojo, para que nos demos cuenta de que pisamos en terreno peligroso, la mayoría de las veces estas transiciones no son estrictas, sino que se dejan a gusto del director, como el práctico que pilota las naves en los puertos, el compositor lo que deja es el 90% del trabajo hecho (melodías, fuerzas, tempos, etc...), y luego el director a su gusto o según sea la situación tiene que resolver la papeleta, y hay veces que sale bien, otras que sale mal. Por ejemplo, esto se ve en muchas obras en el uso de "calderones" en la obra (otro día explico lo que es un calderón).

Se debe señalar que por lo visto Mercury tenía una característica muy poco habitual, que es el oído absoluto, que son aquellas personas que escuchan música, en su cabeza esa música se descompone, la asimilan y la pueden reproducir con total exactitud, todo de una manera intuitiva...eso se combina con conocimientos musicales y tenemos al mismo Mozart, para que veamos que Mercury era una persona con un conocimiento musical muy por encima de la media.

¿Y cómo lo hizo Freddie Mercury? pues sobre todo que él era el compositor de la pieza, sabía que podía y que no podía hacer, así que él dirigiría las grabaciones, y ojo, una cosa, que nosotros escuchamos diversas grabaciones de "Bohemian Rhapsody", pero sólo escuchamos las mejores de todas ellas, eso es lo que tiene la música grabada, en directo, cualquier música puede ser un churro, depende de la maestría de quién dirige que eso sea más o menos común, pero grabado, se graba treinta veces y a ver cual sale mejor, es más cansado, pero es efectivo.
De hecho, y hablo sin saber, pero ¿"Bohemian Rhapsody" se tocó mucho en conciertos? es que me parece una obra hecha para ser grabada y ya está, y para tocarla en directo quizá adaptándola un poco.

Astor Piazzolla y su Quinteto Tango Nuevo - Adios Nonino

2009-08-20T14:28:00.001-07:00

Investigando melodías en guitarra

2009-08-20T01:38:00.000-07:00

Explicaciones previas...

Este post surgió a partir de una consulta de un compañero de foro, que me preguntó tarareándome una musiquita, que pieza era...en realidad la pieza era muy conocida, pero uno no tiene en la cabeza un memorandum musical de cada compositor mundial.

Esta va dedicada para Antonio...te dije que te lo iba a decir, y me ha costado las horas en el tren pensando la forma de encontrarlo, y otro buen rato trabajando cuando he llegado a casa después de cenar.

Paso a explicar.
Tú me dijiste la música, pero yo tardé en acordarme de más pedazos de la obra.
En musicología existe una estilística musical, como existe en la literatura, que sabiendo esas cosas se puede saber la época, la zona en que fue creada (que viene a ser tan misterioso como una cata ciega de vinos).

Ahora mi razonamiento aunque fue mucho más largo, pero para no aburrir y resumiendo esto va así:
La obra es estilísticamente barroca, eso no tenía duda, y tenía un aspecto italiano. Por lógica en un anuncio de televisión (de Carbonell, por cierto, que luego he encontrado datos de ello) van a buscar música de autores conocidos, no melodías que nadie conoce, seamos sinceros, la música antigua no tiene tanto tirón.
Barroco, italiano y conocido, se reduce la lista a tres compositores.
Luego recordé haberla escuchado en guitarra hace años...detalle que me valió más tarde para confirmar la cosa.
Otro detalle importante es el tempo, andante y cadencioso.

Así que tomas un autor barroco, italiano, compositor de guitarra, o sea Antonio Vivaldi, y pones en youtube "vivaldi" más los términos "andante" "guitar", y me encuentro entre otras cosas esto:

Concierto para dos guitarras en Sol mayor RV-532 (aunque en origen era para mandolina).
Siendo esto su segundo movimiento

Claro, luego uno empieza a recordar cosas, como que hace años a un concierto de música de cámara dónde lo interpretaron...pero es que hay tantas piezas, que no se puede tener cada título en la cabeza...pero no hay que subestimar el ánimo detectivesco.

La obra completa:
1 Allegro

2 Andante

3 Allegro

Con esta "t'ah queao muetto pa'loh rehtoh, ninio"

Voyage Voyage

2009-08-20T01:16:00.000-07:00

Desireless, "Voyage, voyage"

Amarcord

2009-08-19T01:21:00.000-07:00

Nanas

2009-08-19T00:59:00.000-07:00

No sé, me apetece unas nanas, muy propio para estas horas...como la prefieren:

¿Trastornada? (Lullaby, The Cure)

¿Romántica? (Alright for now, Tom Petty)

¿Clásica? (Nana de Brahms en versión para Saxofón)

Cada una tiene su punto...pero ahí va la música.

Editado. [url=http://www.babycenter.com/0_lullaby-lyrics-brahms-lullaby-lullaby-and-good-night_6732.bc]Letra[/url]:
Guten Abend, gute Nacht, Mit Rosen bedacht,
Mit Naeglein besteckt, schlupf unter die Deck'
Morgen frueh, wenn Gott will, wirst du wieder geweckt
Morgen frueh, wenn Gott will, wirst du wieder geweckt

Guten Abend, gute Nacht, Von Englein bewacht
Die zeigen im Traum, dir Christkindleins Baum
Schlaf nun selig und suess, Schau im Traum's Paradies
Schlaf nun selig und suess, Schau im Traum's Paradies

El Mesías.

2009-08-18T01:11:00.000-07:00

Vaya, el “Aleluya” de “El Mesías”, mira que pensé veces en él, pero nunca me animé a comentarlo.

Por comentar cosas serias y sin entrar en muchas profundidades es un oratorio, o sea, una obra de tema religioso, pero no creada para uso litúrgico, es el hermano religioso de la ópera, al haber también partes orquestales, corales, arias y recitativos.
La obra es en realidad un compendio de citas bíblicas en las que se sustenta el concepto de Mesías, tanto del Antiguo Testamento como del Nuevo, aunque mayoritariamente del Antiguo, ya que se pretendía ensalzar que Jesús era quién cumplía las profecías contenidas en él.
Las tres partes son:
1ª Nacimiento.
2ª Pasión.
3ª Consecuencia.

El “Aleluya” se sitúa al final de la 2ª parte, y corresponde al “Triunfo de Dios”, trás la Pasión, Muerte y Resurección, la Ascensión, el comienzo de la Evangelización y el rechazo de los gobernantes (ya sabemos de las persecuciones religiosas contra los primeros cristianos). Su texto corresponde al Apocalipsis.

La muerte del cisne.

2009-08-18T01:06:00.001-07:00

De Camile Saint-Saens:

Sonata Trio BWV 525 en Mi bemol mayor

2009-08-13T09:17:00.000-07:00

Volviendo a tratar temas serios, o sea Bach (como alguno verá llevo unos días de actividad frenética de comentarios musicales), aquí va otra pildorita, esta vez sobre formas musicales.

Durante el barroco (a quién me diga que J.S.Bach es clásico lo expulso a las tinieblas inferiores de una patada), existen formas musicales propias del periodo que fueron abándonadas o alteradas con el cambio al periodo clásico...considerandod que a J.S.Bach lo olvidaron durante una gran temporada porque pensaban que era un anticuado.

Entre las técnicas musicales tipicamente barrocas está el arte del contrapunto y el bajo continuo.
El contrapunto es una confrontación de dos (o más) melodías independientes con una relación armónica entre sí, pero como he dicho, confrontadas.
El bajo continuo, resumiendo mucho, es una técnica para el acompañamiento de las melodías principales por instrumentos graves.

Esto hace una polifonía, pero no tal como será entendida en periodos posteriores, como un todo homogeneo, sino que dicho con palabras llanas, es una forma juguetona de polifonía.

Las sonatas para trío barrocas tienen estos ingredientes, el contrapunto de dos melodías solistas y un bajo continuo.
Ironicamente los tríos los suelen interpretar cuatro interpretes porque el bajo continuo lo interpretan dos instrumentos.
Pero recordemos que J.S.Bach era maestro organista (ya comenté por aquí algo de ese test para órganos y organistas que es "Tocata y Fuga en Re menor"), así que ¿para qué cuatro interpretes si eso mismo lo puede hacer una sola persona en un órgano? dicho y hecho, una persona tocando dos melodías y el bajo continuo.

Sonata trio BWV 525 en Mi bemol mayor:

La tonalidad del adagio cambia a Do menor.

La tonalidad de Mi bemol mayor indica algo íntimo, pero poderoso.
La tonalidad del adagio, Do menor indica gravedad, reflexividad, lo que concuerda con el tempo en adagio.

Fagot

2009-08-12T02:46:00.000-07:00

Hay un tema sobre música que también es bonito, porque no todo es tratar de composiciones o músicos, sino también sobre instrumentos, cosa que ya he hecho alguna vez por aquí, la vez más extensa hablando del theremín, o ciertos comentarios sobre la suplantación del piano sobre la familia del clave (cuerda punteada), o comentarios sobre la familia de instrumentos de cuerda rasgada.
Hoy me apetece hablar algo desde este punto de vista, y está uno de esos instrumentos que mucha gente sabe la palabra que lo nombra, poca gente sabe identificar el nombre con una foto, y ni mucho menos sabe como suena, el fagot.

Es un instrumento raro, no porque sea raro su uso, que no lo es, pero casi siempre en un conjunto orquestal, de manera que es muy bueno por su gravedad para el acompañamiento. Lo que lo hace raro es que es uno de esos instrumentos para los que hay pocas composiciones protagonístas (y mucho menos solistas).

La verdad es por su timbre es un instrumento que o es totalmente protagonista, o se le da una razón (por la temática de la obra), o bien tiene que estar bien "atado en corto" para que no sobresalga de un muy ligero acompañamiento, ya que su contraste con el resto de los instrumentos es algo brutal. Y es que tiene un timbre muy particular, que contrasta con muchos otros instrumentos, que los hay agudos o graves, agíles o pesados, ¿pero esto?

¿Se nota lo que quiero decir? tiene una comicidad natural, no interpretada como sí hay que interpretar otros instrumentos...entiendase lo que quiero decir, un fagot es realmente difícil, lo que quiero decir que es su propia naturaleza la que le hace así, cómico, grave pero muy ágil.
¿Imaginan un instrumento así en una película de cine mudo? exactamente, a eso me refiero, es algo perfecto para eso.
También precisamente por eso tocado en conjunto y como acompañamiento tiene que ser controlado en grado extremo, porque podría desentonar con el resto del conjunto.

El enlace anterior era de la Sonata para Fagot y piano de Camile Saint-Saens, compositor que también la uso en el Carnaval de los animales, un uso muy propio del fagot, o Prokofiev en Pedro y el Lobo.

Pero uno de sus usos más conocidos es con esto:
"La consagración de la primavera" de Igor Stravinsky

Dónde se le escucha desde los primeros compases con papel protagonista, no intentemos pensar en la razón de esto, porque Stravinski intentaba la obra transgresora, rupturista e innovadora total, cosa que se ve desde el principio con su extraño uso del fagot en tonos agudos, y con unos matices nada usuales.
Ni que decir tiene que el estreno fue pavoroso, con la gente abucheando la obra...visto con espacio, en realidad es una gran obra, a mi Stravinski, pero que no deja a nadie impasible...sus dotes de innovación pero de grandeza como compositor se pueden ver en su obra, como la increible "El pajado de fuego" (ya comentada por aquí).

Como se puede ver, el fagot es uno de esos instrumentos desconocidos, pero curiosos, que normalmente quedan escondidos en una maraña de sonidos, pero que tienen una gran personalidad, si cabe decirlo, es uno de los instrumentos con más personalidad.

Por poner que no quede

2009-08-12T01:54:00.000-07:00

Enchantment, Chris Spheeris:

Despierta

2009-08-12T01:42:00.000-07:00

Enya

2009-08-11T02:16:00.000-07:00

Hoy no hay ganas de comentarios sesudos, pero me he pasado la mañana escuchando un disco viejo que tenía por aquí, y me apetece dejarlo enlazado por aquí.
El disco es "The Celts" de Enya Ní Bhraonáin...partamos de la base que es cierto, Enya hace discos como churros, en todos los sentidos de la palabra, hay gente que no puede soportarlos...ello no quita que haya editado discos buenos, aunque fue hace años, y lo que ha hecho con posterioridad son un más de lo mismo, salvo pequeñas excepciones en canciones individuales (y de todos modos hace años ya de eso).

Sus discos con mayúsculas son estos dos:
"Enya" de 1987 y "Watermark" de 1988.
"The Celts" sale en 1992.
...en "Shepherd moons" de 1991 aún se salva alguna canción...lo posterior incluyendo la banda sonora del "Señor de los Anillos" es obviable.

En realidad "Enya" y "The Celts" son el mismo disco reeditado, cambiándo una canción...pero el título en ambos casos debería ser el segundo, porque el "Enya" es una improvisación, una selección de canciones del trabajo para el que Enya había sido contratada en aquella época para componer la banda sonora de una serie documental de la BBC sobre los celtas británicos, y tan buena fue la banda sonora que se decidió improvisar un CD de la banda sonora de la serie...por esta razón, para mi, el nombre correcto es "The Celts".

El disco en orden:
The Celts

Aldebaran

I Want Tomorrow

March of the Celts

Deireadh an Tuat

The Sun in the Stream

To Go Beyond (I)

Fairytale

Epona

Triad: St. Patrick / Cú Chulainn / Oisín

Portrait (Out of the Blue)

Boadicea

Bard Dance

Dan y Dŵr

To Go Beyond (II)

El nivel del disco es muy bueno en su totalidad, muy variado, aunque todo con el tono céltico evidente tanto por el origen de la artista, como por la temática de la serie.

¿Boadicea? ¿pero quién no recuerda a la reina británica mítica que se levantó contra el imperio romano?...así veremos bien cual es la temática de todo esto, dar un fondo sonoro a una serie documental histórica.

Danzas Polovetsianas

2009-08-10T02:03:00.000-07:00

A ver que más cosas curiosas se me ocurre contar sobre la ópera a estas alturas...

Aunque el término es algo posterior, la Ópera apareció en la Italia renacentista, que tanto interés tenía en las antiguas obras griegas o latinas, así que representaban los los dramas clásicos cantados, y con acompañamiento musical, aunque en principio este fuera muy secundario.

Como bien sabemos este género ha crecido continuamente, evolucionado, dando lugar a tipos como la ópera bufa enfrentada a la ópera italiana o seria, al igual que la ópera evoluciones con el resto de la música, existiendo una ópera barroca, una ópera "clásica", la ópera belcantista...y también tipos nacionales de ópera, como es la ópera germana, la francesa, derivados como la opereta.

(Nota: la Zarzuela no es un tipo de ópera, aunque sí se ha visto influido, dando lugar a un género muy parecido, pero con partes habladas en lugar de recitativos).

Particularmente, los géneros nacionales surgen al querer adaptar el género al idioma y a las costumbres del país.
Así es el caso de la ópera rusa, y ya sabemos lo particulares que son los rusos culturalmente...lo que se pretende es crear un movimiento musica ruso, en lengua rusa, usando la cultura rusa entendida desde dentro, no como anteriormente en la que se invitaba a compositores extranjeros y tratar temas rusos, temas que los propios rusos consideraban que eran tratados mal al no comprender la idiosincrasia del país, aparte de introducir melodías populares rusas, que tienen unas tonalidades orientalizantes frente a cuerpo musical europeo clásico, que encaja totalmente en la escala diatónica (la estadar).

Este movimiento nacionalista ruso suciedió a la vez en muchas facetas de la cultura (y ciencia) rusa, pero en la música es importante señalar al Grupo de los cinco, a saber: Mili Balakirev, Modest Mussorgski, Cesar Cui, Alexander Borodin, Nikolai Rimski-Korsakov...que por cierto, sólo dos de ellos eran músicos estrictamente hablando, los otros tres eran músicos, pero se ganaban la vida con otros asuntos.

Alexander Borodin, químico de profesión, por supuesto quiso componer en ruso, no ya en idioma ruso, sino con todo el contenido que ello significara.

Con la ópera "El principe Igor", pretende hacer la ópera, un drama basado en la historia rusa, en cosas se piensa pudieron suceder, ya que están basados en cantares medievales, pero que no sería raro que así fuera, ya que es narra un ataque de los Polovetsiados a un principado ruso, enmedio de una intriga política dentro de la familia del principe Igor.
(Nota: Polovetsianos = Cumanos, tribus nómadas túrcas de la zona de Crimea).

Es de notar, que Borodin empezó a componer la obra en 1869, pero muere repentinamente en 1887 sin haberla terminado, ya que su principal ocupación era la química y la enseñanza de esta, y otras obras musicales, siendo para él "El principe Igor" la obra de referencia en su trabajo musical, aunque al final no consiguiera terminarla ¿sería por falta de tiempo? ¿sería por querer buscar su perfección? quién sabe.
El caso es que con la muerte de Borodin, la obra la tuvieron que terminar sus compañeros, en especial Rimsky-Korsakov, aunque ya antes de la muerte se habían encargado de asistirle en varias secciones.

El enlace (perdón está incompleto, pero es muy bueno):

Esta es una de las partes más conocidas de la obra, que muchas veces es interpretada aparte en conciertos, como es el caso.
Las partes son variadas en cuanto a tonalidad y rítmica, creando casi una Suite dentro de si mismas.
Unas partes son en Fa mayor, que denota furia, otras en La mayor, que denota alegría inocente, o Re mayor que es algo guerrero y victorioso, Re menor que es melancólico...es sencillo diferenciar las partes al escuchar.

Al final queda todo muy exótico ¿no?

Enlaces alternativos (incluye una parte que muchas veces no es incluida en conciertos):

Lully

2009-08-08T03:36:00.001-07:00

Uno de los países que más tengo olvidados en cuestiones musicales es Francia, porque a decir verdad, salvo en la época del siglo XIX y principios del XX, Francia ha estado al lado de naciones musicalmente mucho más potentes (salvo Inglaterra, que es la historía de pasar del éxito a la ruina), pero no para destacar nunca a los niveles que la música italiana, germánica, ni siquiera la rusa con posterioridad, estándo por regla general en una discreta segunda fila, por mucho que les pese.
Eso no quita que Francia también haya tenido movimientos musicales potentes, y compositores renombrados, como es el caso que voy a plantear.

Luis XIV, el Rey Sol, conocido por su poder, conocido por sus vicios, conocido por su dominio de la nobleza francesa, y precisamente de ahí viene la historia.
Uno de los puntos importantes de Luis XIV fueron sus cortes, en las que impuso una moda, unas fiestas, sobre la que aparecen también los espectáculos...y estos espectáculos tenían que crearlos grandes artístas.

Jean Baptiste Poquelin (Molliere) por supuesto realizó también este tipo de obras, entre ellas unas de sus obras maestras “Le Bourgeois Gentilhomme”, un ballet cómico escrito por él con música de Jean Baptiste Lully, que es uno de esos grandes nombres franceses de la cultura mundial, particularmente de la música, pena que sus orígenes fueran italianos.

La obra es una sátira de los burgueses de clase media que pretendían escalar socialmente y comportarse como nobles, aún no siéndolo, provocando situaciones en la que el protagonista queda en evidencia por la vulgaridad de su origen...todo esto además tiene su gracia, ya que era una crítica total contra Jean Baptiste Colbert, que tenía orígenes burgueses y había llegado ser ministro del Luis XIV.

Marche pour la Ceremonie des Turcs

La música de Lully es tipicamente barroca, tanto por los instrumentos que usa, como por la presencia del bajo continuo del que ya he hablando alguna vez por aquí, y gran parte de las veces en forma de bailes cortesanos, como se nota en esta marcha que he enlazado, que corresponde a la última parte de la obra.
Todo muy acompasado, con la presencia de esa percusión barroca que sería abandonada pronto.

La oración del torero de Joaquín Turina

2009-08-07T01:25:00.000-07:00

Originalmente era un cuarteto para laudes, pero dicha partitura se perdió durante cincuenta años, reencontrándose en 1981, y sólo se mantuvo una versión para cuerdas posterior, que por dicha razón es que
sea más conocida la versión de cuerda de la de laudes.

Como no podía faltar es una pieza intimista, con ese fondo racial tan propio de los compositores españoles de aquella época, todo acorde al título, cuando el torero, antes de salir al ruedo, se arrodilla ante todas sus estampas de Jesús, Vírgenes y Santos y ora, porque quién no tenga miedo ante un morlaco de más de quinientos kilos, no es que sea un mal torero, es que es gilipollas y tiene muchas papeletas para irse al otro barrio.

Pero mejor que esto se exprese en palabras del propio Joaquín Turina:
"Aquel rumor incendiado por la luz de la tarde, realizado por la música de pasodobles y el grito de los clarines me sugestionaba. Yo había sentido muchas veces la tentación de traducir en música toda la impresión que en mí producía la voz múltiple de la fiesta, pero también me atraían los aspectos profundos y sugestivos de la emoción religiosa popular y sobre todo andaluza. Una tarde de toros en la Plaza de Madrid, aquella plaza vieja, armónica y graciosa, vi mi obra. Yo estaba en el patio de caballos, allí tras una puerta pequeñita estaba la capilla llena de unción, donde venían a rezar los toreros un momento antes de enfrentarse con la muerte. Se me ofreció entonces en toda su plenitud aquel contraste subjetivamente musical y expresivo, de la algarabía lejana de la plaza, del público que esperaba la fiesta, con la unción de los que ante aquel altar pobre y lleno de entrañable poesía venían a rogar a Dios por su vida, acaso por su alma, por su dolor, por la ilusión y por la esperanza que acaso iban a dejar para siempre, dentro de unos instantes, en aquel ruedo lleno de música y de sol".

Y van 100

2009-08-06T01:43:00.000-07:00

Con el post anterior llevamos 100...pero que bueno soy, jejeje.

Una de Wagner

2009-08-06T01:42:00.000-07:00

Ya va tocando hablar de Ricardito, ¿no?

El anillo del Nibelungo está basado en las sagas nórdicas, que para Richard Wagner eran elemento principal de la cultura germánica.
Por regla general las sagas se basan en hechos históricos sucedidos sobre todo en la isla de Islandia en el X, época en la que no estaban cristianizados, eso explica bien porqué todas las historias tienen una ambientación mitológica nórdica.

La historia del anillo corresponde a una lucha por el dominio del mundo centrado en un anillo, forjado por el enano nibelungo Alberich (a quién le resulte curioso el asunto de los anillos, que sepa que Tolkien era un experto filólogo de mitología nórdica y celta, por eso la coincidencia).
En esto está el heroe, Sigfrido, que con su espada "Balmunga", se lanza a la aventura con intención de matar al dragón Fafner, al que por supuesto mata, y se baña en su sangre razón, cosa que le vuelve invulnerable, ¿pero de verás todo su cuerpo quedó bañado en sangre? no, un trozo de su espalda quedo cubierto por una hoja de tilo, sin él advertirlo...curiosa coincidencia, Aquiles.
Luego él se casa con la princesa Crimilda, mientras que el hermano de esta Gunther, se casa con Brunilda, reina de las Valkirias e hija del mismo Odín, por un apaño de Sigfrido.
Pero Brunilda digamos que trataba mal a su marido el príncipe, cosa que como buen súbdito, Sigfrido no puede permitir ¿pero a ver quién es el guapo que le afea el comportamiento a una Valkiria? pues para eso está el anillo de Alberich, con el que se puede dominar el mundo, con él, podría hacer cambiar de parecer a Brunilda.
Con el anillo, Sigfrido tomó la apariencia de Gunther, y pasando unas pruebas consigue que Brunilda considere a "su esposo" como su superior. Pero el engaño no podía durar mucho, y Brunilda se entera por Crimilda del engaño, y planea su venganza para que un asesino aseste un lanzazo justo en el lugar de la espalda desprotegido de sangre de dragón. Evidentemente Sigfrido muere por ello, pero Brunilda se suicida después porque en realidad estaba enamorada de él (al fin y al cabo, él sí era su superior, no su marido), aunque previamente había tomado el anillo devolviéndolo al Rhin, proceso durante el que los dioses son destruidos.
Tras esto, Crimilda es desposada con Atila (sí, el mismo que viste y calza), y planea la vengaza de la muerte de su marido, en la que estaba más gente involucrada de la que parecía, así que organiza una fiesta en nombre de su nuevo marido, en la que emborracha y asesina a diestro y siniestro, incluyendo al propio Atila, y luego se suicida arrojándose a las llamas del propio fuego que ella misma había provocado.

Desde luego las óperas suelen tener unos argumentos tremendos, pero en realidad estos sucesos están basados en hechos históricos, que en realidad no tienen nada que ver con la propia historia nórdica, sino que son hechos sucedídos en otra zona de Europa y en una época muy anterior a ser escritos (siglo XII aprox)...pero eran historias germánicas, así que ellos lo asumieron como similares y lo embellecieron acorde a su cultura ancestral.

Brunilda en realidad era la princesa visigoda Brunegilda, nacida en Toledo, hija del rey Atanagildo, por tanto arriana, que se casó con el rey merovingio Sigeberto I de Austrasia (que incluye el oriente de la actual Francia, Suiza, Bélgica, Holanda y el oeste de Alemania incluyendo la franconia y Baviera), este alianza le venía bien a ambos reinos, ya que dividía los esfuerzos combativos de los otros dos reinos merovingios, Neustria (fronteriza con Hispania y con Austrasia) y Burgundia (por allí enmedio). Brunegilda tuvo que convertirse al catolicismo, ya que los reinos francos habían abandonado el arrianismo hace tiempo.
A la vez, la hermana de Brunegilda, Galswinta se casa con Chilperico I de Neustria, pero este tiene una amante, Fredegunda, que conspira hasta que consigue asesinar a Galswinta y casarse con el rey Chilperico.
Brunegilda clama venganza (desde Hispania nadie va a clamar venganza porque Atanagildo había muerto), y esta actitud de enemistad entre ambas reinas provoca la enemistad de sus maridos, los reyes hermanos.
De esta enemistad surge de una forma deformada la historia del anillo del Nibelungo.
De hecho, la presencia de Atila en la historia es uno de los detalles que nos hace vez que este suceso es el correcto, ya que Austrasia tuvo sus problemas con las tribus ávaras en el este, tribus que eran los sucesores de los anteriores hunos, cuyos descendientes son los actuales checos (cosa que encaja incluso geográficamente).

La enemistad pasa por muchas étapas, incluyendo el asesinato de Sigeberto por Fredegunda, pero termina todo primero con la muerte de Fredegunda, se supone que asesinada por encargo de Brunegilda, y luego con la venganza del hijo de Fredegunda, que se cuenta que hizo arrastrar a Brunegilda de unos caballos desbocados.

Otro detallito curioso del asunto es que el mal fario familiar se lo traspasó Brunegilda a su hija Ingunda, muy católica ella, que fue desposada con el principe heredero (y arriano) de Hispania, Hermenegildo, lo que a la larga provocó la guerra civil entre Leovigildo y Hermenegildo...Ingunda era nieta de la segunda esposa de Leovigildo, que quería forzar la conversión de esta al arrianismo, y mira por dónde, le salió el tiro por la culata, ya que fue ella junto con Isidoro de Sevilla quienes convierten a Hermenegildo.

Como enlace, y para quién tenga ganas de invadir Polonia en los próximos días:
La cabalgata de las Valkirias

La pieza enlaza perfectamente con la historia, ya que es una pieza con gran fuerza, y las Valkirias eran las diosas guerreras nórdicas, que recogían a los más heróicos guerreros caídos en batalla para llevarlos ante Odín, dónde un día formarían parte del ejército del dios en la batalla del Ragnarok. La más famosa de todas ellas fue Brynhildr.
En la historia wagneriana, este parte es el comienzo del tercer acto de la ópera "La Valkiria", la segunda de las cuatro, dónde se narran los orígenes de Sigfrido (aunque él no aparece en la obra) y de la caída de Brunilda.
Precisamente la pieza corresponde al inicio de como he dicho ya, el tercer acto, en el que Brunilda se reune con sus hermanas y les pide ayuda pero estas le niegan la ayuda ante el temor de desobedecer las órdenes de Odín.

Como se puede ver, hay hechos de la historia que son alterados por gusto de Wagner, que lo que pretende es crear un libreto sólido basándose en las sagas, que no eran nada sólidas por si mismas, así que la historia wagneriana se puede resumir bien con los títulos de las cuatro óperas "El oro del Rhin" en la que se habla del anillo, "La Valkiria" en la que se habla de Brunilda, "Sigfrido" en la que se habla del propio Sigfrido y "El ocaso de los dioses" en la que muere Sigfrido y Brunilda quiere romper el maleficio del anillo y luego morir en las llamas junto a su amado, llevándose por enmedio el mismísimo Valhala y a sus pobladores los dioses.
Vamos, que de la historia real, a la saga y de esta a las óperas, varían muchas cosas y hay personajes que desaparecen, pero todo viene a ser lo mismo en esquema, un tragedión heróico y amoroso.

Actus Tragicus

2009-08-05T00:49:00.000-07:00

ctus tragicus

Bach era luterano y los movimientos protestantes una de las cosas que propugnaban era la eliminación del clero como un estrato apartado del pueblo, en eso aparece el pastor, que es un individuo cualquiera que estudie las escrituras y que tenga un don de gentes para poder hablar de las Escrituras ante sus compañeros e iguales.
Quizá con el tiempo, los pastores protestantes cada vez se han ido asimilando más al clero católico en la que requieren una formación teológica, aunque la teoría sea que cualquier puede ser pastor...pero esto no era así en tiempos de J.S.Bach, por lo que él imprimía su visión religiosa en las obras que creaba.

Julio Cesar

2009-08-04T01:29:00.000-07:00

Vuelvo a admitir que la ópera no es lo mío, la prefiero en pequeñas dosis tomadas a gusto a base de cedeses en mi cadena de música sentado en un sillón y un bol de anacardos, pero he hablado de ópera antes, y no podía ser la última vez que lo hiciera.
Fue AntonioM quién hace un tiempo, cuándo andaba yo mal de tiempo, que comentara algo sobre Haendel y los castrati. De castrati ya he hablado, pero a ver que se me ocurre interesante para contar sobre óperas de Haendel.

Partamos de la base que Haendel es uno de los grandes, emigrante en un país que tiró por el retrete toda su tradición musical. Hablamos de una Inglaterra furibundamente protestante (bueno, protestantes a su manera), para los que la música coral, incluso la sacra es visto como algo católico, por tanto susceptible de ser eliminado. Esa es la causa de la inexistencia de Inglaterra musicalmente hasta finales del siglo XIX.
Pero era un país poderoso no sólo política sino económicamente hablando, sobre todo tras haber solucionado sus problemas dinásticos (problemas dinásticos de los que desciende la actual casa de Alba), y esas son buenas épocas para el desarrollo cultural.

En realidad este odio a la música es de caracter más bien inglés, porque en otras zonas protestantes no se dio, sólo hay que ver que J.S.Bach era luterano, y ahí estuvo. También hay que decir que esto también era algo más bien de cara a la sociedad, porque luego los potentados no faltaban de contratar músicos extranjeros para que fueran a tocarles, caso es el de Mozart, que de niño estuvo en Londres.
Haendel es otro caso, ya que se instaló y se nacionalizó inglés sólo porque su rey lo quiso. Y tuvo suerte, porque dentro de lo que cabe el pudo hacer cosas que ningún inglés podría haber hecho...si la cultura musical inglesa a esas altura no hubiese estado destrozada en aquel entonces, claro, cosa que ya estaba y jamás se hubiera dado el problema.

Entonces la música no, pero bien es sabido la tradición teatral que de existía en el país, eso sí era aceptado, los dramas de Shakespeare (fuera quién fiese el autor real) ya tenían más de un siglo en esta época.
Así que el teatro sí era aceptado, la música por si misma no era muy bien vista, pero la combinación de ambas, la ópera, si fue bien vista.
Pero claro, no cualquier tipo de ópera va bien, teniendo en cuenta los dramones a los que nos tiene acostumbrado Shakespeare, tenía que ser algo similar.

La siempre ha sido un género que ha dado lugar a enfrentamientos, está el enfrentamiento Verdi-Wagner, el enfrentamiento interpretes/cantantes-interpretes/actrices, y bueno en este caso está la Ópera italiana (u ópera seria) contra la Ópera bufa.

No hay un desprecio de calidad en los calificativos, porque vemos grandes óperas de Mozart que son ópera bufa, aunque también hizo ópera seria. La diferencia es temática, la italiana es un drama mientras que la bufa es cómica, y existe también una diferencia formal, la italiana es más estricta, mientras que la bufa se deja llevar más por la improvisación.
No merece la pena entrar a fondo en la estructura de una ópera italiana, ya que como en todo pueden existir sus variaciones por gusto del compositor, pero en resumen, su obertura, sus recitativos alternados con arias, esto durante tres actos y su epílogo final muchas veces en forma coral.
Todo esto muy al gusto inglés de la época, dramones profundos.
Haendel compuso unas pocas óperas italianas, la más destadada de ellas "Julio Cesar", sólo por el nombre se vislumbra un dramón en los idus de marzo, por cierto, obra que también Shakespeare escribió, aunque el libreto de la ópera es de Haym y no tiene que ver con la muerte del Cesar sino con su vida previa con Cleopatra.
En esta explosión de la ópera italiana es dónde se encuadra la época de oro de los castrados, ya que la óperas se componían pensando en ellos, interpretaban a los protagonistas, siempre sujetos valerosos. En este caso Julio Cesar era un castrado.

Esto nos lleva a pensar, que la música es claramente una cultura también sujeta a modas, y a situaciones técnicas muy limitativas, porque se sabe que los instrumentos de viento metálico no sonaban tan estridentes como los actuales, se ha perdido ese conocimiento en su forja, tampoco un piano es lo mismo que un clave, y ya no se castra a los niños para que mantengan su timbre agudo.
En realidad esta última dificultad se ha superado mediante muy complicadas técnicas vocales, que muy pocos tienen la capacidad física de adquirir, pero esto es algo relativamente reciente.
Durante mucho tiempo, siguieron existiendo castrados, el último no recuerdo ahora cuando fue, pero se le llegaron a hacer grabaciones fonográficas. Estos últimos castrados se caracterizaban por ser de una calidad terrible, ya que la tradición se había perdido, aparte de que la música barroca dejó de ser popular hasta mediados del siglo XX. Han pasado el clasicismo, romanticismo, nacionalismo, modernismos y todos pretenden acabar con sus predecesores, realmente la música antigua no ha alcanzado su unidad real, vista desde un prisma unitario, quiero decir, hasta la aparición de una música popular que lo ha copado todo y ha "enterrado" a todo lo previo. Así se han recuperado estas piezas de Haendel, dramas operísticos cantados por castrados (no sólo por ellos, evidentemente).

Aquí os dejo algunos trocitos selectos, con sus trocitos de contratenores, que parece que os gustan, pero no me pidaís la ópera entera, porque como ya he dicho, la ópera, no es lo mío.

Himnos soviéticos y demás

2009-08-03T01:00:00.000-07:00

Para seguir con el tema de los himnos, que dejé aparcado por lo de mis oposiciones, habíamos hablado de varios himnos que en diversas épocas cubrían diversos países, cómo son España y USA por su cuenta, y en conjunto himnos de Francia, Reino Unido, Austria y Alemania (y con ello otro montón de países entre ellos el más importante Rusia), todo esto tratado como una sucesión histórica.

En el caso de Rusia y su otra cara, la URSS, como ya se ha tratado, tuvo como himnos:
- En la época zarista “Dios salve al Zar” ya tratado por aquí, aunque posteriormente y por diferenciarse, se hace otra versión de nombre similar, pero con música de Alexis Lvov.
- En los días la revolución, se adopta como himno una versión rusa de la Marsellesa.
- En 1919, en la fundación del Komintern, se adopta “La internacional” como himno tanto del Komintern como de la URSS, ambos oficialmente.
- En tiempos de la Segunda Guerra Mundial, el camarada José encarga un himno propio para la URSS aparte del organismo internacional que es el Komintern. Como resultado se adopta oficialmente en 1944 el “Himno de la Unión Soviética”.
- En 1953, tras la muerte del camarada José, el texto con referencias a él mismo, se hace inaceptable por el culto al lider que Jrushchov denunciaba, así que hasta 1977 el himno es interpretado sin letra.
- Por temas deportivos (¿resulta eso familiar?) se crea la necesidad de hacer una nueva letra que poder cantar en las entregas de premios. Por eso se crea una nueva letra purgando a Stalin, cualquier referencia a la Segunda Guerra Mundial (en aquellos tiempos, Brézhnev estaba intentando conseguir inversiones en la República Federal Alemana y no pensó sabiamente que a los alemanes no les haría mucha gracia los comentarios del himno). Así se adopta oficialmente la nueva letra, con el nuevo nombre de “Himno del Estado de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas”.
- A la caida de la URSS, la nueva república de Rusia adopta “La Canción Patriótica” como himno oficial, Yeltsin realmente quería apartarse de todo lo soviético, pero era un himno sin letra oficial, por lo que se convocaron concursos de letras hasta 1999 sin oficializarse ninguno de ellos. “La canción patriótica” esta basada en una pieza para piano solo de Glinka “Canto nacional”.
- En 1999 accede a la presidencia Putin, que como es bien sabido por todos, tiene ganas de reinventar Rusia como la nueva URSS, y en el himno también, así que en el 2000, la duma aprueba el “Himno de la Federación Rusa”, que es el mismo “Himno de la Unión Soviética” pero con nueva letra, por cierto, escrita por la misma persona que había escrito las letras previas del himno, Sergey Mikhalkov.
Y así, hasta hoy.

Realmente se sale fuera de nuestro interés tanto el himno zarista, como el nuevo himno ruso que aún siendo una pieza interesante basada en Glinka, pero dicho por muchos rusos, carente de emoción.

El interesante es el de la URSS, por la de vueltas que ha dado, aparte de ser un himno que cumple a la perfección lo que debe ser un himno, un canto lleno de emoción.

Versión “Himno de la Unión Soviética”

Versión 1977 “Himno del Estado de la Unión de República Socialistas Soviéticas”

Versión 2000 “Himno de la Federación Rusa”

Como ya he dicho algunas veces por aquí, una cosa es que detestemos ideas políticas, y otra que musicalmente los soviéticos eran sin duda de los países más desarrollados dentro del clasicismo y de la música patriótica.

De letras, el actual empieza así:
Rossiya svyashchennaya nasha derzhava,
Rossiya lyubimaya nasha strana.
Moguchaya volya, velikaya slava
Tvoyo dostoyanye na vse vremena!

Rusia es nuestra patria sagrada,
Rusia es nuestro amado país.
Una Potente voluntad, una gran gloria
¡Son tu herencia por todos los tiempos!

Mientras que el clásico soviético dice:
Soyuz nerushimi respublik svobodnij
Splotila naveki velikaya Rus!
Da zdravstvuiet sozdanni volei narodov
Iedini, moguchi Sovetski Soyuz!

Unión indestructible de repúblicas libres
La Gran Rusia ha soldado para siempre a ponerse de pie.
Salud a la obra creada por la voluntad de los pueblos,
¡la única, la poderosa Unión Soviética!

En fin...unión indestructible...¡JA!

Nocturno Op.9, nº2 de Chopin

2009-07-28T01:30:00.000-07:00

El polaco este, que se tiró un invierno en Mallorca con su mujer (que no esposa), George Sand, y los hijos de esta, para intentar mejorar la salud de este, muy enfermo de tuberculosis...no sé yo si el tiempo de Mallorca, frio y humedo, a la vez que en verano caluroso, le venía bien al buen hombre, igual debía haber ido a Davos, como en la novela “La montaña mágica” de Thomas Mann, situada en plenos alpes suizos, aunque claro, la historia esta es setenta años posterior y no sé yo si en tiempos de Chopin había hospedaje de enfermos en Davos.
Además, para lo que le sirvió, su estancia en Mallorca fue un desastre total hasta en el terreno musical.

Blade Runner.

2009-07-25T03:31:00.000-07:00

Gran banda sonora:

Para quién no se haya dado cuenta, la banda sonora, aparte de electrónica, es orientalizante ¿razones? por favor, ved la película sino la habéis visto ya.

Y luego si quieren averiguar lo que realmente son, por favor, me hacen el Test Voigt-Kampff, pero no le digan a nadie el resultado ;-)

Inglaterra

2009-07-24T00:16:00.000-07:00

Esto último, muy bonito, me hace pensar en John Ronald Ruelen Tolkien, el escritor del Señor de los Anillos, que aparte de otras muchas cosas, persona de gran cultura, católico, amante de las sagas celtas y nórdicas, pero sobre todo y ante todo era inglés, uno de los aspectos de su obra de ficción es ese, el ser inglés, para Tolkien, su Inglaterra, de casas solariegas rodeadas de verdes prados con pequeñas colinas también verdes, era en de la Comarca de los Hobbits, amantes del buen comer, de la tranquilidad, del tabaco en pipa fumado delante del fuego del hogar mientras leía un buen libro.
Frente a eso, está el hecho británico, que Tolkien considera confrontado a la naturaleza real del inglés, importado por dinastías siempre extranjeras (recordemos que los reyes de Inglaterra jamás han sido de familia inglesa desde tiempos de las conquistas danesas, y que en tiempos de Tolkien y aún, es una dinastía alemana, la Hannover, renombrada como Windsor por corrección política).
Para Tolkien el hecho británico eran las ciudades atestadas de gente, la contaminación, las fábricas, en fin, la eliminación de su Inglaterra soñada, de costumbres simples, pudieramos llamarlo, costumbres provincianas, frente al comerciante y beligerante británico.
En sus obras, como ya he dicho, lo inglés es la Comarca, y lo británico, es la corrupción, representada por lo malvado, sobre todo centrada en la destrucción que se lleva a cabo en los momentos de la obra, por las huestes del mago Saruman (aunque Saurón también, pero lo de Sauron ya ES, lo de Saruman ESTÁ en proceso de corrupción).

Y en el fondo, este himno representa esa Inglaterra soñada y añorada, que en su momento se vio tan presionada por la política de la entonces primera potencia mundial.

La obra de Tolkien tiene muchas otras interpretaciones, sobre todo una religiosa, porque la verdad luego la obra en si tiene unos personajes bastante planos, pero todo es un medio para expresar la visión de la vida del autor, una imagen.

PD: sí, soy muy friki, ¡y qué!

2009-07-23T01:37:00.000-07:00

Me imagino que todo el mundo conoce que es el actual himno vaticano, concretamente “Inno e Marcia Pontificale”, bueno, en realidad no es que sea un himno nacional, por las características propias que tiene la ciudad vaticana, pero como su nombre indica es el himno pontifical, o sea, de su Jefe de estado y cabeza de la Iglesia.

Está compuesto por Gounod, sí, el del Ave María adaptado de la pieza de Bach ya comentado por aquí, en 1869, en dedicatoria a Pio IX, que recordemos que fue el último que reinó sobre los antiguos Estados Papales en el centro de Italia, concretamente dentro del periodo de la revolución italiana de 1848 hasta el final de los estados en 1870.
Y tuvo mucho éxito, ya que aún sin ser el himno oficial, se repitió una y otra vez a la lleguada de los sucesivos papas, tanto que en 1950, con Pía XII, se le nombra himno oficial con todas sus consecuencias.

En tal situación sustituye a la “Gran Marcia Trionfale”, composición de Viktorin Hallmayer en 1857.

Como se puede observar, ambos himnos difieren mucho, el de Hallmayer es un himno de estado más típico, dónde se enfatiza el poder terrenal del papado, por contra el de Gounod es otra historía, porque por una parte revela grandeza sobre lo que va referido, pero sin entrar en esas cadencias tan típicas de los himnos, de tal forma que no es una composición que quede fuera de lugar en una eucaristía, cosa que sería impensable con la composición de Hallmayer. Se puede decir que en esto se remarca el poder espiritual del papado, aunque sin desdeñar su poder temporal, porque no olvidemos que Pío IX estaba totalmente en contra de la constitución de Italia como estado a costa del reino de Pedro.
Esto se nota hasta en la letra, que es en italiano la de Hallmayer pero en latín la de Gounod.

En todo caso, queda claro que es una composición dual, que puede ser interpretada fuera de una iglesía, o sea, interpretada como marcha, o dentro de una iglesia, interpretada como himno.

Por petición popular

2009-07-22T00:19:00.000-07:00

Para cumplir las peticiones, hoy estamos con “When Johnny comes marching home”.

Esta es una canción típica de la época de la guerra civil de USA, extraigo los primeros versos de la canción:
When Johnny comes marching home again
Hurrah! Hurrah!
We’ll give him a hearty welcome then
Hurrah! Hurrah!
The men will cheer and the boys will shout
The ladies they will all turn out
And we’ll all feel gay when Johnny comes marching home.

Nota: por si acaso aclaro, el significado original de la palabra “gay” es alegre, el uso para designar homosexuales es por su uso repetido diciendo eso de “alegres chicos”, tanto, que el adjetivo a tomado el significado supuesto, perdiendo el uso original.

El significado de la canción es lo que se echa de menos a los que han tenido que marchar a la guerra y la felicidad de todos ante su vuelta, todo esto representado en la persona de Johnny.

El primer registro escrito de la canción es del año 1863, en plena guerra civil.
El creador de esto fue un tal Patrick Gilmore bajo seudónimo de Louis Lambert (otra vez, un militar jefe de banda que escribe bajo seudónimo, curioso), que era miembro de una banda militar del ejércido del norte.

Aunque en versión instrumental, pero mantiene el significado de la pieza, sus arreglos muy marciales cumplen totalmente su cometido de ser una canción pro-militar.

Frente a esto, queda lo curioso del asunto, que está en que todo apunta a que la melodía es previa, una melodía irlandesa con otra letra, por supuesto, cosa que se apoya además en el hecho de que Gilmore era irlandés de nacimiento, y podía haber escuchado esa canción popular irlandesa de niño, y haberla usado cambiándole la letra cuando le hizo falta crear una canción de animo militar.
Sin embargo, parece ser que la canción original es “Johnny I hardly knew ye”, que aunque sin existir registros previos a “Johnny comes marching home”, se le supone una antiguedad superior, datándose a principios del siglo XIX, siendo de temática antibelicista, ya que los ejércitos británicos reclutaban jovenes irlandéses para llevarlos a las guerras en la India y Ceilán.

La letra lo expresa así:

While goin’ the road to sweet Athy, hurroo, hurroo
While goin’ the road to sweet Athy, hurroo, hurroo
While goin’ the road to sweet Athy
A stick in me hand and a drop in me eye
A doleful damsel I heard cry,
Johnny I hardly knew ye.

With your guns and drums and drums and guns, hurroo, hurroo
With your guns and drums and drums and guns, hurroo, hurroo
With your guns and drums and drums and guns
The enemy nearly slew ye
Oh my darling dear, Ye look so queer
Johnny I hardly knew ye.

Where are your eyes that were so mild, hurroo, hurroo
Where are your eyes that were so mild, hurroo, hurroo
Where are your eyes that were so mild
When my heart you so beguiled?
Why did ye run from me and the child?
Oh Johnny, I hardly knew ye.

Where are your legs that used to run, hurroo, hurroo
Where are your legs that used to run, hurroo, hurroo
Where are your legs that used to run
When you went for to carry a gun
Indeed your dancing days are done
Oh Johnny, I hardly knew ye.

I’m happy for to see ye home, hurroo, hurroo
I’m happy for to see ye home, hurroo, hurroo
I’m happy for to see ye home
All from the island of Ceylon
So low in flesh, so high in bone
Oh Johnny I hardly knew ye.

Ye haven’t an arm, ye haven’t a leg, hurroo, hurroo
Ye haven’t an arm, ye haven’t a leg, hurroo, hurroo
Ye haven’t an arm, ye haven’t a leg,
Ye’re an armless, boneless, chickenless egg,
Ye’ll have to be put with a bowl out to beg,
Oh Johnny I hardly knew ye.

They’re rolling out the guns again, hurroo, hurroo
They’re rolling out the guns again, hurroo, hurroo
They’re rolling out the guns again,
But they never will take our sons again,
No they never will take our sons again,
Johnny I’m swearing to ye.

En la que se cuenta el regreso de Johnny a su pueblo (Athy), el vuelve contento, pero la gente ve llegar a un Johnny que ya no es el que marchó, vuelve sin un brazo, sin una pierna, ciego, magro en carne, con los huesos marcados del hambre, ya casi ni se le reconoce (I hardly knew ye), porque un día marchó para coger su arma, ahora toda su vida a cambiado, dónde los “hurroo” se transforman en una tragedia en vez de ser hurras de alegría.
Y la melodía con los arreglos irlandeses cumple su cometido, los hurras lentos se convierten en una ironía del cruel destino en el que se han visto destinados los protagonistas, y ese Johnny casi ni te reconozco tan definidor.

O sea, una melodía, dos letras, dos arreglos, contrapuestos tanto en ritmo como en temática.

Me apetece escuchar esto.

2009-07-21T08:59:00.000-07:00

Rachmaninov Prelude Op.23 No.5

Marsellesa

2009-07-21T01:06:00.000-07:00

Hoy uno rapidito dedicado a nuestros queridos y simpáticos vecinos los gabachos…

Himno oficial de la República desde 1795.

Fue creado en 1792 con motivo de la guerra contra Austria, por encargo del alcalde de Estrasburgo, y fue compuesto por Claude Joseph Rouget de Lisle con el título “Chant de guerre pour l’Armée du Rhin”.

Un par de meses después de ser compuesto, en Marsella, un oficial que había escuchado la canción patriótica, hizo que sus subordinados que lo aprendieran como un canto de marcha con el título “Chant de guerre aux armées des frontières”.
Estos mismos soldados se presentaron en París un mes más tarde cantando esta canción marcialmente, y los parisinos titularon la canción como “La Marsellaise” por esta razón (hay que decir que la marsellesa suena mejor que la estraburguesa).

Ha sido himno oficial de las sucesivas repúblicas francesas (y ya van cinco) siendo prohibida durante las restauraciones monárquicas y el imperio napoleónico. También fue prohibido durante la época de ocupación alemana en la Segunda Guerra Mundial, al ser considerado un canto de resistencia.
Por ejemplo, este es el himno del Segundo Imperio:

Y ni que decir tiene que si queremos escuchar el himno borbónico, ya hablé de él con lo de “God save the Queen”.

Han existido varias versiones de “La Marsellesa”, como las variaciones de la Marsellesa de Viotti, o los arreglos de Hector Berlioz.
Ha sido usada por parte de otros compositores como Schumann, Wagner o Tchaikovsky en sus propias composiciones (como la obertura 1812 de este último, que es la más conocida).
Y multiples adaptaciones modernas, claro, como una version reggae.

Multihimno.

2009-07-20T02:17:00.000-07:00

Otra de himnos, y esto si que tiene gracias, así que a sujetarse, que vienen curvas.
Primero escuchemos ciertas cosas:

Pero también:

Y dependiendo del anterior:

Y:

Pero tiene especial importancia este:

¿Qué? ¿cómo nos hemos quedado?

Equivalencias:
1 Reino Unido
2 Liechtenstein
3 Noruega
4 Prusia
5 Segundo Imperio Alemán
6 Suiza
7 Rusia
8 Francia

O sea, ¿cuál es el nombre de verdad?

Para empezar diremos que no se conoce a ciencia cierta el autor de la melodía, aunque se sospecha que pudiera ser Jean Baptiste Lully que hizo una canción por encargo como celebración de una curación de Luis XIV (1686), esta es “Grand Dieu sauve le Roi”, que fue el himno frances hasta 1792 (o sea, tres años después del derrocamiento de los borbones por la revolución francesa).

Luego Haendel ¿copió? ¿adaptó? (no sé que palabra usar) la canción y la vendió a la monarquía de Hanóver que lo tomó como himno real. Recordemos que en 1714 el elector de Hanóver Jorge Luis, se convierte en rey de Gran Bretaña e Irlanda como Jorge I, y con él va el himno.

Tras eso, está el periodo de las guerras napoleónicas (1799-1815), en que Francia arrasó europa, y recordemos que por aquel entonces el himno frances ya es “La marsellesa”. Previamente a esto, los ejercitos revolucionarios franceses conquistaron toda Suiza, pero con Napoleón la situación se mantiene, involucrándose de lleno en las guerras napoleónicas. Practicamente todos los estados dispersos alemanes sufren la ocupación francesa y posteriormente Rusia.
Ya sea por afinidad con Gran Bretaña, cuyo himno era ese, o por antipatía contra Francia, cuyo himno ya no era ese, gran cantidad de estados lo adoptaron como himno. Esto explica a Suiza, Liechtenstein, Prusia y otra serie de estados alemanes que también lo adoptaron, y por supuesto, Rusia. Seguramente Noruega también está en este grupo, que aunque al principio fue aliado de los franceses, luego se pusieron en su contra (antes de su anexión a Suecia por el nuevo rey Bernadotte).
También está el caso del Segundo Imperio alemán, que toma el himno prusiano aunque cambiándole la letra, al ser Prusia el dominador de dicho imperio entre todos los estados alemanes.
Luego están los países que tiene estatus de himno por pertenercer a la Commonwealth.
Y para terminar, están países que lo adoptaron por gusto de sus monarcas, como Hawaii antes de ser anexionada por USA.

De todos estos países, muchos cambiaron himnos al tiempo, como es el caso de Suiza y Rusia.
Otros son países que ya no existen, como Prusia o su imperio y esa multitud de estados alemanes, cosa que pasa igualmente con el caso de Hawaii.
Otros son países que mantienen oficialidad ya sea en solitario o junto con otro himno, Liechtenstein en solitario, Noruega siendo el himno real junto con otro himno que es civil, Nueva Zelanda que es un caso similar al de Noruega.
Y para terminar están los países en que no existe una oficialidad de himno, pero si una costumbre de interpretarlo con la presencia de los reyes, este es el caso de los países de la Commonwealth (salvo Nueva Zelanda, en que como ya he dicho, es oficial), que cada uno tiene su himno propio, que en presencia de miembros de la Casa Real británica (o sea Windsor=Hannover), se toca el “God save the queen”.
¿Y dónde quedan los reinos de la Gran Bretaña? para empezar Escocia y Gales tienen sus propios himnos oficiosos, por lo que esto sólo influye en Inglaterra e Irlanda del norte. Pues en estos sitios, tampoco es oficial, sino oficioso, pero a veces el patriotismo puede más que una ley, pero aún así existen otras piezas que a veces tienen su importancia como himno relacionado con la monarquía, como es “Pompa y circunstancia” de Edward Elgar:

De estos movimientos de himnos, quedaron fuera otros protagonistas de las guerras napoleónicas, como fueron Austria de cuyo himno ya se ha hablado (y que fue estrenado poco antes de las guerras napoleónicas), España cuya marcha real, ya estaba establecida desde tiempos anteriores, ni Portugal.

Ahora, el himno nacional de Hawaii adoptado antes de la caida de la monarquía Kamehameha y la anexión de las islas por parte de USA, que si se escucha puede no parecer, pero es una variación del mismo tema, aunque al menos se molestaron en variarlo un poco, y por eso lo he puesto apartado de los demás.

O sea, que esto lo usa o ha sido usado por media europa y parte del resto del mundo...no se sabe su origen aunque lo más probable sea que fue compuesto por Lully (muerto en 1687), aunque hay versiones que dan su origen previo en Inglaterra por parte de John Bull (muerto en 1628) que igual se inspiró en melodías goliardas que corrían por el país, pero esto ya es tratar de disquisiciones musicales con poca base histórica, aunque ¿quién sabe si Lully se inspiró en melodías previas, ya sea en Bull o en las mismas melodías goliardas para hacer su composición? tampoco sería nada grave, muchos músicos toman como inspiración melodías populares para sus obras, lo importante es la profundidad que luego se le dé a la pieza.

Saludos.

PD: notese que cuando el rey es rey y no reina, se sustituye Queen por King y con esto cambian también todas las palabras con importancia sexual en el himno.

Himno...¿de dónde?

2009-07-15T01:06:00.000-07:00

Siguiendo con el ciclo de himnos (que rimbombante suena), para hoy, el alemán.

A que a todos nos suena eso de "Deutschland, Deutschland über alles" o sea "Alemania, Alemania sobre todo", pero no, el nombre oficial es "Das Deutschlandlied" o sea "La canción de los alemanes".

En 1797 Joseph Haydn compone el cuarteto para cuerda "Gott erhalte Franz den Kaiser" (Dios salve al emperador Francisco), más conocido como "Kaiser", dedicado al emperador del sacro imperior romano germánico (o sea, austriaco). Para tal cometido Haydn se basó en los textos de Leopold Haschka, de tal forma que por una parte es un cuarteto de cuerda y por otra una canción con letra dedicada al susodicho emperador.
Con la constitución del Imperio Austriaco, la canción se convierte en el himno del nuevo imperio.
En 1841 August Heinrich Hoffmann von Fallersleben crea la letra de "Das Deutschlandlied" acorde a la música de Haydn, que se va haciendo conocida al otro lado de la frontera austriaca.
En tiempos de la república de Weimar (1922), se toma como himno oficial "Das Deutschlandlied", así que se da el curioso caso que antes de la Primera Guerra Mundial, y con diferentes letras, fue himno de Austria (como imperio) solamente, en el periodo de entreguerras, fue himno de Austria y de Alemania a la vez, luego desde 1938 y hasta el fin de la Segunda Guerra Mundial la versión alemana fue himno del tercer imperio (al unificarse Austria y Alemania), y trás la guerra, quedó sólo en la parte alemana, buscándose Austria un nuevo himno, que tuviera menos que ver con Alemania y más republicano.

Luego está el tema de las letras, que la versión de August Heinrich Hoffmann von Fallersleben tiene mala fama después de los tiempos nazis, aunque fue escrita en tiempos anteriores al unificación alemana y era un ansia de tener una nación sin divisiones, y unida frente a los enemigos (franceses).
Primera estrofa:

Deutschland, Deutschland über alles, Alemania, Alemania sobre todo,
Über alles in der Welt, sobre todo en el mundo,
Wenn es stets zu Schutz und Trutze si siempre se queda unida fraternalmente
Brüderlich zusammenhält; para la protección y la defensa.
Von der Maas bis an die Memel, Desde el río Mosa hasta río Niemen,
von der Etsch bis an den Belt: Desde el río Adigio hasta el Belt,
Deutschland, Deutschland über alles, Alemania, Alemania sobre todo,
Über alles in der Welt! ¡sobre todo en el mundo!

Visto esto así friamente, es un canto a la unificación, pero sabiendo lo que ya sabemos por lo que ocurrió posteriormente esto podía (y fue) malinterpretado como un canto imperialista por parte de los nazis, que cantaban esta estrofa y se olvidaban de las demás y se ponían a cantar luego el himno del partido.

Así que desde la constitución de la República Federal Alemana (1949), el himno oficial corresponde no con la primera estrofa, sino con la tercera de lo escrito por Fallersleben, de así es oficialmente:

Einigkeit und Recht und Freiheit Unidad y justicia y libertad
Für das deutsche Vaterland! Para la patria alemana;
Danach lasst uns alle streben Eso persigamos todos
Brüderlich mit Herz und Hand! Fraternalmente con corazón y mano.
Einigkeit und Recht und Freiheit Unidad y justicia y libertad
Sind des Glückes Unterpfand; Son el voto de la felicidad;
Blüh im Glanze dieses Glückes, Florece con el brillo de esa suerte,
Blühe, deutsches Vaterland. Florece, patria alemana.

Que como se ve, no es malinterpretable con los ideales nazis, como puede ser la primera estrofa.

Y por curiosidad, la segunda estrofa es un canto a las mujeres, al vino, a las canciones y a la lealtad alemana que serán conocidos en todo el mundo, vamos, una cosa muy "pachanguera" al estilo alemán.

Ahora la música:

PD: la parte sonora del himno sólo es el segundo movimiento del cuarteto de cuerda nº62 en Do mayor Opus 76 nº3:

Un himno, que no marcha.

2009-07-15T00:59:00.000-07:00

Hay quién me ha dicho que el himno oficial de USA es “The Star-Spangled Banner”, a lo cual no tengo más que añadir que es cierto, este es el himno nacional, y “Star and stripes forever” no es el himno, pero sí que es oficial, porque es la marcha oficial. Así que pido disculpas por la confusión de la palabra himno con marcha, pero la realidad es que USA tiene un lío de marchas e himnos oficiales y oficiosos, que cualquiera se aclara.

Y “The Star-Spangled Banner” no es de Sousa, porque es un tema centrado en la letra, mientras que “Star and stripes forever” está centrada en el ritmo militar, y a Sousa que no se le sacará de sus tambores y viento/metal.

Más himnos.

2009-07-12T03:06:00.000-07:00

Otra de himnos, que veo que es un tema curioso, y no todo van a ser compositores románticos.

John Philip Sousa (1854-1932) viene a ser como el padre del genero a pesar de ser un compositor relativamente reciente.

No es que musicalmente tengan gran cosa que comentar, las bandas militares, bueno, en general las bandas son un tipo de formación musical formada por percusión y viento, cosa que ha sido así desde la más remota antigüedad, en que las unidades militares servían para guiar a las tropas...no es cosa que actualmente es estile mucho porque se prefiere el valor de la sorpresa y la última tecnología a una batalla en campo abierto que ningún ejército moderno va a querer, así que estas cosas se quedan para situaciones solemnes.

Desde luego la temática es variada, pero entre todo ello nos encontramos marchas que habremos oído mil veces en películas y series, y alguna que otra vez en situaciones ucrónicas.

En todo caso, muchas de estas marchas son casi himnos extraoficiales de USA, y en un caso de ellos, es el himno oficial "Por siempre barras y estrellas"...y cosa curiosa, esta marcha es del año 1896, sólo tiene 112 años.

Después de Sousa, en USA toda música "no moderna" quedó como algo apócrifo...pocas veces un descendiente de portugueses y españoles llegó tan lejos en ciertos países.

"Marcha Real"

2009-07-10T01:31:00.000-07:00

Hoy un comentario que puede ser algo polémico, el de la “Marcha Real”.

En realidad es la “Marcha de Granaderos”, salvo durante la época de la Segunda República, ha sido el himno oficial u oficioso de España.

La historia oficial dice que se tienen registros de partituras antiguas con la marcha desde el año 1761 que aparece como anónima en una recopilación de marchas militares, y el hecho de que esté en una recopilación nos hace ver que es más antigua que la fecha oficial de dicha recopilación, de todos modos, con la fecha ya dada, se convierte en uno de los himnos de mayor antiguedad.
En 1770 Carlos III declara la marcha con marcha de honor a interpretar en los actos públicos a los que él asista.
Isabel II le da el estatus de marcha oficial.
Prim desea cambiar el himno, pero el concurso efectuado a tal efecto, se declara desierto, por lo que se recomienda el uso de la Marcha de Granaderos al estar ya la gente habituadas a él.
Alfonso XIII establece la interpretación de una versión reglada, creada por Bartolomé Pérez Casas, ya que la versión previa, para la interpretación por bandas modernas, ya que la versión “original” estaba creada para su interpretación con flautas, pífanos y tambores, y luego posteriormente cada director de banda que tenía que interpretarlo hacía lo que buenamente quería para adaptarlo a los instrumentos que tuviera, como actualmente que usan más los instrumentos de viento/metal con tambores. Así se crea una armonización oficial que es la que se debe interpretar siempre sin ser posible alteraciones del gusto del director (y aún así se ve). Esto también creo que Bartolomé Pérez Casas y posteriormente su familia, fueran los propietarios de los derechos de explotación de la marcha, vamos, que se les ha tenido que pagar por su interpretación desde tiempos de Alfonso XIII.
En tiempos de la Segunda República se establece el Himno de Riego como himno oficial, al considerarse que la república no podía tener como himno una composición a la que extraoficialmente se le llama “Marcha Real”...musicalmente no es que la Marcha de Granaderos sea una maravilla, pero el himno de Riego es que da risa, parece que lo compuso un niño de cinco años.
Franco volvió a establecer la Marcha de Granaderos como la oficial, en su extraño concepto de “Reino de España"/"democracia orgánica” en la que en teoría España era una monarquía sin rey.
El Estado democrático actual como monarquía, lo confirma como himno.
En 1997 el Estado adquiere los derechos de la marcha a los herederos de Bartolomé Pérez Casas, a la vez que se crea una versión oficial sinfónica (para ser interpretada por orquesta, que no tiene nada que ver con una banda) creada por Francisco Grau, que a día de hoy es la versión oficial, aunque la anterior se siga utilizando a veces.
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Y ahora vienen las curvas. Todo esto está muy bonito, es la versión oficial, pero ¿cuál es el origen de todo esto?
Pues existe una teoría que habla sobre que fue un regalo de Federico Guillermo I de Prusia a Carlos III por su boda (1738), aunque en aquel entonces aún ni era rey de España, sino de Nápoles . Esta teoría significaría en principio el orígen foraneo de la marcha.
Pero esto es algo discutible, ya que estudios musicológicos e históricos hablan de la similitud de la marcha con marchas más antiguas de los ejércitos de Carlos I, por lo que pudiera tener su relación.
Y existe la tercera teoría, la más controvertida, que nos habla del origen andalusí de la composición, por parte del árabe zaragozano Ibn Bayyah alrededor del año 1100 dC.

Yo sobre esto, no sé que opinar, porque es difícil saber si es una de las tres teoría, o estas se pueden unir entre si, o no, o hay parte de uso político en esto, esto entra dentro de un estudio histórico para el que no tenemos documentación para estudiar.
Si bien, en principio la teoría más convincente podría ser que Ibn Baya compone una canción, que se hace popular, esta queda incrustada en la cultura popular al ser pegadiza.
Siglos después, esta cancioncilla popular, que nadie sabía de dónde procedía, es tomada por los interpretes de los tercios imperiales para su uso militar.
Federico Guillermo I de Prusia manda adaptar la interpretación de una antigua marcha militar de los ejércitos imperiales que se sabía de origen español, para regalarselo a Carlos.

Ahora bien, en esta unificación, partimos de la presuposición de que los estudiosos de Ibn Baya no han alterado la composición original de Ibn Baya que tuviera cierta similitud con la marcha, para hacerla un calco, porque luego podrá los audios, pero tal similitud es sospechosa después de nueve siglos. Me hace pensar esto, porque los voceros de tal teoría son los individuos de la página web http://www.webislam.com, que es una página de españoles conversos al Islam, y ya sabemos como se las gasta cierta gente, para los que todo lo bueno que pudiera tener occidente, tiene su origen en el islam, aunque sea a costa de mentir, como sí se ha demostrado en otros casos que ha pasado, así que ya uno, lo que pueda provenir de propaganda islámica, me lo tomo con reservas.

Ahora unos enlaces:

Y para comparar, la versión andalusí, que se dice que es una adaptación del original Nuba Al-Istihal de Ibn Baya hecha por 1994 por Eduardo Paniagua y Omar Metioui:

Yo como no sé si el manuscrito del que fue sacado es original, o muy posterior, y no se notación musical arábiga, no puedo opinar en este sentido, sólo puedo opinar que despierta mis sospechas lo ya dicho, que esto está siendo usado como propaganda andalusí y además, el audio es un calco de la marcha de granaderos, que veo inconcebible que una composición moderna tras siglos de comunicación oral y posteriores multiples reformas, y aún así sigua siendo tan parecida, la realidad es que el tiempo va deformando las cosas y si se pareciera menos, lo vería más plausible, a no ser que la adaptación haya “aliñado” la melodía original para hacerla aún más similar de lo que aparecía en el manuscrito.

Bueno, que cada uno juzgue lo que crea conveniente, pero al menos es curiosa la comparación.

Un lied

2009-07-04T02:22:00.000-07:00

Lied quiere decir en alemán canción, cosa que en fin, no tiene mucha trascendencia sino fuera por el movimiento romántico que se creó alrededor de los lieder como género musical.

Aunque su florecimiento se produce durante la época romántica en el siglo XIX, se puede decir que lieder han existido desde la época medieval con los cantos juglarescos, ya que en lo que consiste el lied es en una composición corta, cantada y acompañada de piano (que era el instrumento de moda).

Como alguna vez he dicho por aquí, en realidad el movimiento romántico tuvo mucho que ver con el nacionalismo, sobre todo en sitios como Alemania que han tenido una unificación más tardía, frente al peligro de una Francia poderosa que amenazaba a multitud de pequeños estados germánicos, creándose la Confederación Germánica en 1815, la Unión Aduanera Germana (Zolluerein) en 1834, el posterior predominio prusiano.

Esto también tuvo su importancia a nivel de idioma, ya que cada estado poseía sus propios dialectos muchas veces ininteligibles entre ellos, así se crea un alemán estadar artificial (aunque ya existían precedentes para poder comunicarse entre estados).

Pero es en esta época en la que aparece como consecuencia de este nacionalismo, romanticismo, y florecimiento de una "nueva lengua", y es en esta época cuando aparece la gran literatura alemana, con aparición también de poesía alemana.

En esta época es la lengua hablada la protagonista cultural, así que los compositores musicales siguen la marea de la cultura, y crean sus canciones, sus lieder, dando música a fragmentos de la nueva poesía alemana

Protagonistas de esto son compositores como Schubert, Schumann, aunque no serán ellos los únicos.

Pero ojo, es que a esto, se le puede dar una nueva vuelta de tuerca, ¿qué pasaría si hacemos lieder sin letra? entonces tenemos canciones cortas autoinspiradas, en vez de serlo sobre un texto preexistente.

Pues eso es de lo que hablamos, de los "Lieder ohne Worte" de Felix Mendelssohn, las Canciones sin palabras, como ejemplo:

Canción de primavera, que tantas veces habremos oído como un tópico de las películas mudas, cuando aparece la chica y en los sentimientos nacen las flores.

Los "Lieder ohne Worte" son una colección de canciones, en ocho volúmenes, de seis canciones cada uno, lo que hace un total de cuarenta y ocho canciones, siendo la Canción de primavera la trigésima.

Aria de la Suite nº3 de Bach.

2009-07-03T00:33:00.000-07:00

El nocturno.

2009-07-03T00:31:00.001-07:00

El nocturno es una forma musical, tocada en piano que se inspira en la noche para expresar sentimientos e intimidad, como tal es evidente que su mayor desarrollo lo iba a encontrar durante el periodo romántico.
Su creador fue un compositor irlandes (que a decir verdad, ni me acuerdo del nombre) del periodo de transito entre el clasicismo y el romanticismo), aunque su punto culminante se encuentra con Federico Chopín.

El famoso nocturno Op.9 nº2, en realidad es una pieza muy cortita, para nada complicada de escuchar, que da una sensación vaporosa, suave, algo muy evocador.
En realidad lo que se hace es exponer un tema principal, que se va desarrollando con cada repetición, variaciones y ornamentos, pero todos tan sutiles que no resaltan sobre la melodía principal, pero si le dan profundidad a esta.
Para terminar, el tempo se anula, se retarda, y también se toca pianísimo y vuela todo para terminar en lo más etéreo, pero no por ser más etéreo nos crea menos sentimientos.

"Claro de luna" de Beethoven.

2009-07-01T00:04:00.000-07:00

Hoy sigo con Beethoven.

Para hoy la sonata para piano nº14 en do sostenido menor "Quasi una fantasia", más conocida como sonata "Claro de luna", nombre dado por otra persona muy posteriormente al comparar la melodía con la superficie del lago Lucerna a la luz de la luna...un asunto recurrente este de que Beethoven diera un título a sus obras, pero que luego otros pensaran en otros títulos por los que son realmente conocidos en la actualidad.

La pieza es una historia ya contada en realidad, la del compositor, que le dedica una pieza de piano a una alumna de la que está enamorado, y con la que para variar no tiene nada que hacer, ya que el es un pobre profesor de piano y la chica es una noble.
En este caso, es Giulietta Guicciardi, una condesita de diecisiete años a la que Ludwig daba clases...y lo dicho, no nos escandalicemos, que él tenía treinta y un años y en esa época no eran nada raras las parejas con esas edades, lo dicho, el problema era la diferencia social.
O sea, un caso como el "Para Elisa" (Teresa) o la "Amante inmortal", siendo este último caso que ya comenté, que era una pieza para una destinataria anónima, y una de las sospechosas de ser destinataria es la amiga Guilietta.

No es una pieza con tal patetismo como la "Amante inmortal", aunque es una pieza muy sentida, como queda claro también al ver su tonalidad de Do sostenido menor...este hombre era muy sentido en temas de amor, por algo Beethoven es el precursor del movimiento musical romántica (en el sentido de una música transmisora de sentimientos, no como algo puramente amoroso). Todo aderezado con que en 1801, fecha de esta sonata, ya conocía de su sordera. La "Amante inmortal" por lo visto es posterior a esta obra, lo que no deja ver que el hombre aún cayo más bajo.

El nombre de casi una fantasía, viene de que no sigue la estructura formal de una sonata, que es de tres movimientos siguiendo un Rápido-Lento-Rápido, sino que Beethoven lo convierte en un Lento-Rápido-Rapidísimo.

El primer movimiento es el conocido, un Adagio sustenuto, tocado pianísimo (muy bajo volumen sonoro) para acentuar ciertos momentos.
Consiste en una melodía tocada con la mano derecha, acompañada por la mano izquierda que toca obstinada y rítmicamente tres notas, haciendo de acompañamiento armónico.

El segundo movimiento, un minueto muy convencional (allegretto):

El tercer movimiento, es un movimiento de gran fuerza y dificultad, que debía ser el más importante de los tres, algo atormentante, que te remueve del asiento (presto agitato):

De extra, una versión jazz que he encontrado por

"Waldstein" de Beethoven.

2009-06-28T03:12:00.000-07:00

Para hoy tenemos esta maravilla:

La sonata número 21 para piano de Beethoven (en tres partes, siento el corte).

A esta sonata se le conoce con dos apodos, uno es la sonata "Waldstein", por el conde Ferdinand Ernst Gabriel von Waldstein, patrón y amigo de Ludwig, porque a él va dedicada. La verdad es que el tipo se merecía que se la dedicaran, porque se gastó gran parte de su fortuna financiando la guerra contra Napoleón.
El otro apodo es "La aurora", aunque este es muy posterior a la muerte de Beethoven, la razón de este nombre luego la explicaré.

No podemos olvidar que Beethoven seguramente es el primer compositor romántico (en su sentido cultural, no amoroso), dándole gran preponderancia al sentimiento provocado por la música, frente a un formalismo culto, como es la música clásica en el sentido estricto.
La verdad es que el romanticismo no es sólo un movimiento cultural, sino que se puede considerar que también tuvo su influencia política, cómo interpretación personal pienso que ese ideal romántico, ayudó a crear la unidad alemana (los alemanes es que son muy sentimentales, aunque no lo parezcan, y ese es su principal problema). Recordemos que el inicio de la nación alemana se produce a los siete años de la muerte de Beethoven, con la creación de Zolluerein (unión aduanera del norte), como una unión comercial manteniendo una independencia política, aunque con una evidente preponderancia prusiana. Todo esto puede provenir de la situación que creó Napoleón con sus invasiones, los germanos se vieron en una situación de que muchos países pequeñitos y peleados no pueden defenderse ante un nuevo Napoleón, así que mejor empezar a unirse.
De ahí viene la importancia del apodo "Waldstein", viendo al personaje como un patriota germano, y es inevitable unir la idea de romanticismo cultural con un cierto nacionalismo...aunque también hay que decir, que esta obra data de 1804, antes de las grandes guerras napoleónicas, pero el conde ya debía ser una persona que se mereciera el homenaje (aparte de ser el patrón de Ludwig), como a posteriori demostró.

El otro apodo "La aurora", proviene también del hecho de romanticismo, pero en su vertiente puramente musical, ya que lo importante de este movimiento como ya he comentado es la preponderancia de las sensaciones, de los sentimientos ¿y qué nos hace intuir los primeros momentos de la sonata? unos acordes en piano y luego unas ligeras notas agudas, todo interpretado pianísimo, como la ligera luz que aparece en el horizonte en los momentos previos a la salida del sol. Y luego, el día realmente despierta. La obra se califica por esas primeras notas. Todo asciende, como el sol mismo.

Para terminar, hay que decir que en este época, Beethoven fue cuando se enteró que iba a quedarse sordo, lo que es un punto más para aumentar el nivel de sensibilidad de su obra.

"Las bodas de Fígaro".

2009-06-27T04:15:00.000-07:00

Creo recordar que ya hablé por aquí de Fígaro una vez, en referencia a la ópera de Rossini, “El Barbero de Sevilla”, una de las tres partes de la trilogía de libretos teatrales de Pierre de Beaumarchais sobre Fígaro.

Argumentalmente las obras se ordenan en “El barbero de Sevilla”, “Las bodas de Fígaro” y “La madre culpable”, pero su adaptación operística no fue muy particular.

El primero en fijarse en los libretos fue Goivanni Paisiello, que compuso “El barbero de Sevilla” en 1782, pero sinceramente, esta es una obra de la que nadie se acuerda, porque fue eclipsada a posteriori por el otro Barbero, tanto es así que el orden usual considerado es que en 1786 Mozart lleva a cado “Las bodas de Fígaro”, luego en 1816 Gioacchino Rossini compone “El barbero de Sevilla” (que es la que ha quedado para la posteridad de hecho), y en 1966 se termina la trilogía con la ópera “La madre culpable” de Darius Milhaud (que no me pregunten sobre esta ópera, porque no tengo ni idea de como es).

Queda en evidencia que las obras son reinterpretables, hasta que llega un genio y crea tal obra que nadie se vuelve atrever con ella, eso se ve en que “Las bodas de Fígaro” la compuso Mozart y nadie quiere quedar a la sombra de un genio, y se ve también en “El barbero de Sevilla”, en la que se hace una obra que gustaría en su tiempo más o menos, pero que la versión posterior de otro compositor genial, aplasta literalmente la previa y nadie se vuelve a atrever con ella.

Quedaba la oportunidad de “La madre culpable” ¿pero a ver quién tenía las gónadas de meterle mano a ese libreto con las dos cosas previas que tenía para comparar? vamos a ver, grandes operistas ¿Wagner? no, ese estaba más bien preocupado en sus rollos románticos celtico-germánicos, como para meterse en una obra “española” ¿Verdi? tres cuartos de lo mismo, pero en nacionalista italiano, y no convenía remover la españolidad en la época de la reunificación italiana, con el fantasma siempre presente de las Dos Sicilias.
Así que al final pasan estas cosas, que llega una persona que le pone narices y decide terminar la trilogía...y cómo en casi todas las obras contemporanea, con poquísima repercusión.

A lo que iba, que me lío, la vez anterior hablamos de “El barbero de Sevilla” de Rossini, pues en está toca “Las bodas de Fígaro” de Mozart, para dar una continuidad a la historia (si me animo, estudio buscar fuentes para terminar la trilogía, pero dudo que existan esas fuentes).

Esta es una obra curiosa, porque no es consecuencia de un encargo, como era lo común en la época, sino que esto es una obra empresarial común entre Mozart y el adaptador del libreto teatral Lorenzo da Ponte, con un gran riesgo económico, ya que la obra teatral de Beaumarchais estaba prohibida en el Imperio Austriaco, este asunto fue el que tuvo que superar Lorenzo da Ponte, adaptando el texto original para quitarle toda referencia política y dejarlo en una comedia sin más.
Da Ponte aparte acortó el libreto de cinco actos a cuatro, y adaptó el texto a poesía italiana...curioso, tenemos una obra sobre un tema español, escrita en frances, adaptada al italiano, para que la escucharan germanoparlantes, toma ya.

La historia es una historia de amorios cruzados, lo que actualmente sería un vodevil, con malentendidos, mentiras y gente que se disfraza y se esconde en armarios o detrás de la puerta...Fígaro se quiere casar con Susana, pero el Conde de Almaviva, el patrón de Fígaro, desea acostarse con Susana, aunque públicamente dice que renuncia a su derecho de pernada si ambos se casan.
A la vez, resulta que aparece el doctor Bartolo con Marcelina, exigiendo un acuerdo por el cual Fígaro debe casarse con Marcelina o pagar un dinero, cosa de la que se entera Susana.
Pero es que a la vez, resulta que Cherubino, el paje del Conde tiene apetencias sobre la Condesa.
Y mientras, la condesa lamenta las infidelidades de su esposo, quiere organizar alguna treta para ponerle celoso.
Un juez exige el cumplimiento del acuerdo entre Fígaro y Marcelina, que pague o se case, pero el no puede pagar porque no tiene el dinero, y tampoco puede casarse aduciendo que en realidad necesita la autorización de sus padres, porque en realidad el es noble, hijo de unos padres desconocidos, ya que de niño le raptaron unos bandidos, y como prueba, muestra una marca que tiene en el brazo. En ese momento, Marcelina reconoce a Fígaro como su hijo perdido al poco de nacer, por lo tanto Bartolo es su padre (Bartolo y Marcelina son pareja aun sin estar casados), y el contrato queda anulado al no poder casarse.
Madre e hijo se abrazan, y en ese momento llega Susana, que se enfada al ver la situación, creyendo que Fígaro se va con la otra, cosa que Marcelina intenta explicarle.
Se celebra una boda doble, entre Fígaro y Susana y entre Bartolo y Marcelina, pero por detrás siguen pasando cosas, como que la Condesa quiere enredar al Conde, así que junto a Susana monta un plan, que consiste en que Susana le de una carta al Conda concertando una cita, a la que acudira la Condesa disfrazada de Susana (por tanto se intercambian los trajes), pero Fígaro intercepta al correo que lleva de vuelta la carta a Susana, y como no sabe nada del plan, cree que Susana va a tener una cita con el Conde a sus espaldas, así que llama a sus amigos y protestando sobre la infidelidad de las mujeres, van a espiar el encuentro.
Bueno, el encuentro, tremendo momento, es que unos van engañados, otros van errados y otras creyendo saber, no saben la que se avecina.
A ver, despacito que esto es un lío. En la situación inicial, está la Condesa disfrazada de Susana, y en ese momento llega Cherubino, que le reconoce como Condesa, y se acerca enfervorecido a darle un beso, pero justo que entra el Conde al ver a la que cree Susana, y es él quién recibe el beso, que en venganza va a darle una torta a Cherubino, pero en ese momento Fígaro se acerca a ver que pasa y es él quién recibe la torta, que en venganza se acerca a Susana pensando que es la Condesa y empieza a cortejarla, pero cuando le reconoce como Susana empieza declararle sinceramente su amor (ya que comprende que todo es una estratagema), pero Susana se enfada porque no se da cuenta que Fígaro le ha reconocido y piensa que Fígaro está confesando su amor a la Condesa, pero luego se da cuenta y ambos se abrazan, situación que ve el Conde, que se enfurece pensando que Fígaro y la Condesa están haciendo de tortolitos delante de sus narices.
Al final todo se descubre, el Conde pide perdón a la Condesa y esta decide organizar una fiesta.

Vamos, que la obra por su temática y desarrollo, es una obra divertida, de veras.

El enlace que voy a poner es la obertura de la ópera:

Saludos.

"La pícara molinera"

2009-06-26T00:59:00.000-07:00

Hoy, Zarzuela, ya me gustaría a mi que fuera Zarzuela de mariscos, pero es que no anda la economía para esos dislates.

La pícara molinera es una obra de Pablo Luna, basada en una novela de Alfonso Camín.
Cuenta una historia rural, con trasfondo moral, sobre Carmona, la pícara molinera, hermosa y conocida por jugar con el amor de dos del pueblo, Pintu y Juan Colás.
Ambos van a ir a una fiesta de organiza Carmona en el molino, pero hay una mujer, Pondala, que está enamorada de Juan, por lo que pueda hacerle su rival, Pintu, pero de esto se da cuenta la hermana de Carmona, que envía a su marido Riverín, a que cuide de su cuñada.
En la fiesta, los enfrentados discuten, salen solos y se alejan a pelear, se oye un tiro, se ve a Pintu sonriente.
Nadie sabe que pasó con el tiro, pero Carmona anuncia su boda con Pintu para poner celoso a Juan, que acababa de entrar contento en la taberna.
Se habla del tiro, pero todos piensan que ha sido obra de Riverín, que entra furtivo en la casa para recoger algunas cosas y huir.
Al final nos enteramos que Pintu murió de un balazo, y entonces Carmona quiere acercarse a Juan para no quedarse sola, pero Juan desvela que acaba de comprometerse con Pondala.
Pero nadie sabe quién disparó en realidad, y hay quién dice que si fue la divina providencia...para castigar a Carmona por su frivolidad (el añadido es mío).

De esta obra, voy a poner la obertura, que representa un estilo muy español, como de pasodoble en muchas partes de él, pero eso no le quita profundidad a la pieza, sobre todo por el tema recurrente que interpreta el píccolo, que es una pequeña flauta travesera, hecha para intrepetar notas muy agudas, siendo en este caso claramente la protagonista no tanto por tener una melodía protagonista, sino por el simple hecho de repetir la misma corta melodía una y otra vez con silencios rítmicos, y el resto de la banda es como si girara alrededor de la melodía del píccolo, los que varían son los demás, no él, es casi una metáfora de la historía que presenta, de una persona que está parada mientras el mundo gira a su alrededor, hasta que el mundo termina superándole.

El enlace enlaces variados porque no es que haya ninguno con gran calidad:

"Actus tragicus" de Bach.

2009-06-25T00:54:00.000-07:00

Pieza temprana de Johann Sebastian, se calcula que la escribió en la veintena, y es una pieza funeral, y aunque no se sabe a ciencia cierta porqué razón la compuso, si se especula que pudiera ser por causa de una muerte cercana, ya fuera de un tío suyo, o la hipótesis más “poética”, sobre que fue la muerte de la hermana de un amigo suyo, mueriendo con treinta y pocos años, dejando marido y cuatro niños, cuando hacía unos catorce años que su madre había muerto, siendo él un niño bien pequeño, ¿pudiera ser por ello una pieza de rememoración? lo que si es cierto es que el sabía perfectamente lo que era esa situación, sobre todo porque su padre murio al poco tiempo tras quedarse viudo.

Esto impresiona a cualquiera, y la muerte es algo que marca la obra de Bach, pero realmente sin compadecimientos, sin morbidez, sino con una serenidad pasmosa de algo que se tiene asumido, pero no por ello deja de ser profundo como el misterio de un paso que nos es desconocido, y siempre con la esperanza de la redención, porque recordemos un detalle, que en caso de Bach es esencial, Bach era luterano, y esto es algo serio pero siempre con la esperanza redentora vista desde el prisma luterano, que sólo la fe salva.

La pieza a nivel musical es una contraposición de la Ley antigua con el nuevo testamento, de forma de musicalmente contrastan entre si. La ley antigua habla de la inevitabilidad de la muerte, las palabras del Cristo hablan del paraiso, de la vida futura.

Pero lo esencial, es la parte central, en casi silencio la soprano canta, debilmente, representando la muerte, pero oscilando tonalmente, es casi como una duda ante el silencio de nos rodea al morir, es que hasta en la muerte hay que tener fe, porque luego de la muerte, nos espera Cristo, eso nos dice Bach.

Y sobre los enlaces, he encontrado uno muy bueno, aunque está partido en dos:

Radezki

2009-06-24T01:11:00.000-07:00

Si nos podemos a hablar de este país que es Austria, hablaríamos de expresiones de un país en el que todo tiempo pasado fue mejor, si pensais en las cosas por las que conocemos a Austria en su mayoría son de la época imperial, Mozart, valses de la familia Strauss, las salchichas, la tarta sacher, Sigmund Freud, la escuela de arte equestre, y en el caso español la relación dinástica que existió, y de lo poco que nos acordamos posteriormente es de cierto austriaco que llevó al mundo a una guerra mundial y de un pastor alemán vienés que sale por la tele.
Pero claro, siempre se acuerda también uno de este concierto, otro caso de cosas que se mantuvieron tras la instauración republicana en Austria. Valses, polkas, sobre esto mucho se podría hablar también, pero siempre se nos viene una pieza a la cabeza de ese concierto sobre cualquier otra, aunque otras sean también famosísimas, y esta es la “Marcha Radetzky”, de Johann Strauss padre.
Esto es una marcha militar en realidad, para conmemorar a un general austriaco, el tal Radetzky, que con muy pocas tropas imperiales, consiguió vencer ante las revueltas revolucionarias en el norte de Italia a mediados del siglo XIX.

"El pájaro de fuego" de Stravinsky

2009-06-23T00:30:00.000-07:00

Una de mis obras favoritas de todos los tiempos es de ballet, es la Suite “El pájaro de fuego” de Igor Stravinsky.

Aunque es de las obras más conocidas de Stravinsky, no me dejo engañar pensado que mucha gente la haya escuchado, porque de hecho mucha gente ha oído hablar de Stravinsky, pero no tiene ni idea de él ni ha escuchado nunca nada suyo.

Ya expliqué lo que es una suite moderna, pero por si las moscas lo vuelvo a explicar, es un conjunto de piezas que van únidas por un hilo conductor temático común, pero que luego cada pieza varía entre si pudiendo escucharse independientemente.
Esta forma musical es muy apropiada para el concepto de ballet, ya que permite el desarrollo de una historia variada con sus bailes adecuados en cada caso.

Habrá quién diga “sí, la suite “El pájaro de fuego” que bonita...¿pero qué suite escuchó? es que vamos a ver, hay varias, variando en piezas intermedias, aunque la historia siempre es la misma.

Una de ellas:

La historia va sobre el príncipe Iván va al reino mágico de Kastchei, que al entrar ve al pájaro de fuego, al que captura, y el pájaro de fuego le promete ayuda en el futuro a cambio de su libertad.
En los jardines ve Iván trece princesas, y queda prendado de una de ellas.
Al día siguiente, Iván busca a Kastchei para plantearle que le deje casarse con la princesa, y terminan riñendo.
Kastchei lanza a sus criaturas mágicas tras Iván, que huyendo pide ayuda al pájaro de fuego, que va en su ayuda y realiza una danza, la danza infernal, durmiendo a las criaturas y a Kastchei. Cuando Kastchei despierta, es muerto por el pájaro de fuego, rompiéndose todos los hechizos y la magia del rey, desapareciendo su reino, sus criaturas con él, y los seres reales que había en él, despiertan, la princesa entre ellos.
Al final, el pájaro vuela celebrando su victoria.

Ojo, que Stravinsky no es fácil de oír, pero tiene partes realmente increibles, que hasta los acordes disonantes son hermosos en el conjunto.

Obertura 1812,

2009-06-22T01:21:00.000-07:00

1812 no es un ordinal sobre las composiciones de un autor, sino un año.
¿Y qué pasaba por el mundo el año 1812? pues que un corso con mala leche tenía un dolor de cabeza y un dolor donde la espalda pierde su noble nombre, España y Rusia, respectivamente.

Siendo la obra de Piotr Ilich Tchaikovski evidentemente la Obertura 1812 no va sobre España...evidente, evidente.

Lo curioso de esta obra es que toma prestamos de otras obras para representar “gráficamente” la evolución de las guerras napoleónicas en Rusia. Así toma cantos religiosos, toma himnos como “La Marsellesa” y el “Dios salve al Zar” para representar esos momentos famosos.

También es muy conocida por su uso en la parte final de campanas y cañones, que en un auditorio cerrado no se pueden usar porque sino el otorrino que se pusiera en la puerta al salir la gente del auditorio, se forraria. Para eso se usan timbales en vez de cañones, porque de hecho la obra esta compuesta para timbales, no para cañones.

Ahí va el enlace:

Empieza con una pieza religiosa ortodoxa, porque las noticias de la invasión fueron dadas en las iglesias de todo el imperio ruso, porque iglesias no faltaban.
La Melodía cambia, asciende...la gente se levanta, deseos de victoria frente al invasor, la defensa se prepara...la música se acelera, la gente corre.
Llegan los franceses, los ejercitos cargan, los cornos suenan, luchas, la melodía muere, los franceses vencen, ¡espanto! y suena La Marsellesa, el ejercito invasor.
Pero las luchas tienen que seguir, los rusos resisten como pueden (suena una melodía rusa folkórica)...y al final los rusos consiguen vencer, el ejercito invasor huye, tocan a retirada, suenan los “cañones” de los rusos persiguiendo al ejército invasor fuera de la sagrada tierra rusa.
La Marsellesa suena cada vez con menos fuerza, por su huída.
Suenan fuegos artificiales, la algarabía de la gente, las campanas suenan por la victoria rusa...y mientras eso sigue suena el himno ruso zarista, con fuerza, en contraposición a La Marsellesa anterior. Y las celebraciones siguen y siguen...terminando en tu más alta grandeza de celebración.

La inigualable Florence Foster Jenkins

2009-06-21T03:06:00.000-07:00

Lo primero que tengo que decir hoy es que este no es un comentario sobre música, sino más bien un comentario de la anti-música, que de esas cosas también hay que hablar.

El dato principal de este comentario está basado en un artículo del difunto Juan Antonio Vallejo-Nágera en un Blanco y Negro del año 1988, que tengo yo guardado por aquí en casa.

Aunque mucha gente no conozca el nombre, casi todo el mundo conoce el aria “La reina de la noche” de la ópera “La flauta mágica” de Mozart, en la la Reina de la noche, que está llena de ira, amenaza a su hija que sino mata a Sarastro, ya no será más su hija y la repudiará.

Ahora es cuando vienen los enlaces:

y:

Vamos a ver, comparemos, ¡¿a que en ambos casos se nos han erizado los pelos del cogote?! otra cosa es la razón por la que se nos hayan erizado, en el primer caso, es porque está muy bien interpretado y en el segundo...en fin...lo perpetra.

La culpable es una tal Florence Foster Jenkins, nacida el 1868 en un pueblecito de Pennsylvania, y fallecida en 1944.
Estuvo en activo (por desgracia) desde los años 10 de siglo XX, hasta los 40 (y porque se murió, que sino hubiera seguido).

Esto puede ser calificado de dos maneras, como lo hubiera hecho ella en su optimismo diciendo que lo suyo era un caso de superación personal ¿qué importa que no pueda alcanzar ni a la mitad de la octava aguda de una soprano? si lo que importa es el esfuerzo personal. La otra opinión, más realista, era la de la sociedad culta norteamericana, que la tenía como la gran broma musical, la gente iba a sus recitales, con buen humor entraban y con mejor salían, lo que unido a la complicidad de los medios de comunicación que hacían las críticas con frases como:
“...una noche inolvidable...”
“...pocas veces he sentido emociones tan vigorosas en un recital...”
“...experiencia nunca antes vivida y que quizá no vuelva a experimentar...”
Sin duda, una de esas noches podían ser inovidables, y tener pesadillas durante días, y son emociones vigorosas como el cachondeo generalizado que era para los asistentes al recital, o las nauseas de los despistados que no sabían a lo que iban, y sin duda, es una experiencia nunca antes vivida, a no ser que ya hubieras asistido a un recital suyo previamente, y con toda seguridad, no habría muchas ganas de repetir.

Esto se puede considerar como las ganas de diversión de una sociedad cultural con muy mala leche.
También se ponen como excusas el concepto de la superación personal, del entusiasmo frente a las limitaciones que se nos presentan, melódicas en este caso, que es un concepto muy naïf.
Todo hay que decirlo, que hubo un sector del público que clamaba por su muerte después de cierto recital en el Carnegie Hall...opiniones enfrentadas.
Quién quiera sacar paralelos con “cantanta” pop española de los últimos años que los saque, yo no diré nombres, pero la comparación está totalmente justificada.

El punto feliz de la historia, es que Florence murió feliz pensando haber alcanzado el máximo de la expresión artística a nivel mundial (o americano, que era lo que ella conocía en realidad más).

Por desgracia no he podido encontrar una grabación del famoso “Clavelitos”, que Florence cantaba, sin duda sería una experiencia inenarrable...inenarrable.

Y por cierto, el disco que compró Juan Antonio Vallejo-Nágera que suscitó el artículo en Blanco y Negro estaba titulado “La peor cantante de ópera del mundo” de Florence Foster Jenkins, una edición de los años sesenta, o sea, que seguía siendo la rechifla después de muerta.

Schubert, "Ave María".

2009-06-20T04:29:00.000-07:00

Vamos a ver, escuchemos esto:

Link:

Y habrá quién diga “esto es el Ave María de Schubert”...¡PUES NO!

Vueltas que da la vida, pero esta pieza fue compuesta originalmente para la traducción al alemán del poema épico “La dama del lago” de Walter Scott, y la pieza tiene como nombre original el de “Ellens dritter Gesang”.

¿Pero de qué trata? pues es un canto de la Dama del Lago, Ellen que huye junto a su padre de la venganza del rey, escondiéndose en la cueva del Goblin, se encuentran a un clan guerrero, y la dama canta un rezo a la Virgen María pidiendo ayuda por la situación tan apurada por la que pasan.

La pieza no es el Ave María que conocemos, aunque empieza diciendo las “Ave María”, pero sigue diciendo “Jungfrau mild”, o sea, nada que ver con lo que actualmente conocemos.

Luego, a la misma melodía se le metió la letra del Ave María en latín, que esta si es la versión que actualmente se conoce.

Habrá quién diga “pero si es lo mismo, solo que una en alemán y otra en latín”, pero la respuesta es que no es lo mismo, porque lo que Walter Scott escribió en inglés y luego se tradujo al alemán, no tiene nada que ver con el Ave María latín que conocemos en su versión en castellano, salvo que es un rezo y es a la Virgen, ya está.

Un enlace del conocido actualmente:

Y yo que decía que las vueltas que da la vida, porque se compone una pieza dentro de un conjunto, y que dentro de esa obra conjunta es un rezo y la sacamos del conjunto al que pertenece, le cambiamos la letra y ahora esa versión es más conocida que la primera. ¿Curioso, no?

Adagio de Albinoni.

2009-06-19T03:42:00.000-07:00

Siguiendo con el ciclo de megahits clásicos, vamos con una obra superconocida:

Supongo que el noventa por ciento de la gente sabrá que eso es el Adagio en sol menor de Albinoni, o al menos saben que es el Adagio de Albinoni sin aliños de terminología musical.

La obrita en realidad tiene su parte curiosa, porque se puede hacer un juego de significados con el título, podríamos llamarla el “Adagio” de Albinoni, o bien, el “Adagio de Albinoni”, porque vamos a ver, en realidad Tomaso Albinoni jamás compuso tal pieza.
¿Y por qué se le llama “de Albinoni”? porque este compositor compuso obras, conocidas en su tiempo (nace en 1671 y muere en 1751), luego menos, cosa común en muchos compositores, el mayor ejemplo de esto es Bach, que durante años fue vilipendiado y olvidado.
Muchas de sus obras menos conocidas se guardaban manuscritas en la Biblioteca estatal de Dresde, pero mira que en la Segunda Guerra Mundial en un bombardeo aliado destruye y quema la biblioteca, y particularmente de las obras de Albinoni no queda nada.
En realidad eso tampoco es exacto, porque se encuentran trocitos de los manuscritos, concretamente unos seis compases de una sonata en trio de movimiento lento.

Antes de seguir, explico que es una sonata en trio, la sonata en trio, es una pieza barroca, compuesta por dos intrumento melódicos (generalmente violines) y un par de instrumentos para hacer el bajo continuo (que como ya dije una vez, hacen de acompañamiento armónico en un tono bajo), que puede ser violoncelo, órgano, clavicémbalo...o sea, dos más dos, cuatro, y eso hace un trio...antes de que alguien diga que me equivoco, diré que no, es cierto lo que digo, es un trio de cuatro.

Sigo con la explicación, este fragmento, lo toma un tal Remo Giazotto y con él hace la composición que actualmente conocemos...o sea, el título correcto y en honor sería “Adagio de Albinoni de Giazotto” siendo una obra de los años cincuenta del siglo XX.

La forma de la pieza en realidad es muy simple, un adagio es una pieza lenta, sol menor es una tonalidad de tristeza final, y los intrumentos siguen la estructura de la sonata en trio, solo que alterada pudiendo ser más de un violín por voz, las voces principales y el bajo continuo se mantiene, habiendo muchas versiones, pero lo usual suele ser violines y un órgano y violoncello de bajo continuo.

La gente se suele fijar mucho en la melodía, pero mi parte preferida es el inicio, el bajo continuo, los acordes de órganos y el violoncello dando notas como una respiración entrecortada...esos acordes fueron de las primeras cosas que aprendí a tocar en órgano (con ocho años sin tener ni idea de como tocar un órgano, repetí mil veces de oído hasta que me salió bien).

Y esta es otra versión, de cuerdas exclusivas (aunque para mi la combinación de órgano con cuerda es absoluta, esta es curiosa):

Y una para guitarra solo (una sola guitarra puede hace todas la voces):

Espero que guste mi explicación de hoy, un saludo.

"Funeral por una marioneta" de Gounod.

2009-06-05T01:13:00.000-07:00

¡Vaya, qué prisas me echáis!

No es la primera vez que sale a colación, pero Charles Gounod fue un conocido compositor francés del siglo XIX, conocido sobre todo su Ave María adaptado de la obra de J.S.Bach, su ópera Fausto, también por la composición del himno vaticano actual, pero realmente no es un compositor muy conocido actualmente para los legos...claro, la gente sabe de Mozart, Bach, Beethoven, Chopin, Verdi y demás.

A pesar de su gran espíritu religioso, también compuso obras profanas, por ejemplo, una de las obras que Gounod no pudo terminar fue una Suite burlesca (recuerdo, suite es una serie de piezas unidas por un hilo conductor general (como pudiera ser una historia, o un país por ejemplo), pero contrapuestas entre sí en su espíritu, ritmo, etc), pero no terminó la suite no porque le sorprendiera la muerte en ello, sino porque nunca consiguio terminarla, lo que tiene Euterpe, que viene, se va, vamos, que aparece cuando quiere, y además, en sus ultimos veinte años de vida compuso otras cosas.

Lo que tienen las suites es que aunque lo suyo es escucharlas enteras, para eso fueron compuestas, para confrontar una serie de melodías enfrentadas, logicamente también permiten su escucha sección por sección, y como consuelo, una suite incompleta no deja de ser unas cuantas piezas individuales.

En el caso presente, tenemos la "Marche funebre d'une marionette", o sea, la "Marcha fúnebre por una marioneta", traducción que aunque no parezca muy correcta, sigue más el sentido español de dedicatoria por el fallecido.
Sólo por el título ya se puede ver que hay una confrontación entre el hecho triste de la muerte y lo poco serio de la marioneta, quizá es que el autor pretendiera hablar de la vida y la muerte hasta para algo tan tomado a broma como una marioneta, y si lo es para una marioneta, ¿qué no va a serlo para un ser humano?.

A ver, la conocidísima pieza (aunque muchos ni lo sepáis) es esta, pero antes comento, el enlace es este porque la música está bien, otros enlaces son lamentables, y porque además tiene una animación acorde a la pieza, aunque no refleja la historia real de la pieza, eso sí, pasa un minuto y cuarenta y ocho segundos de presentación de la animación hasta que empieza la música real de la pieza.

(¡A qué ahora sí os suena!)

Una parte importante del vídeo es que no está recortado el inicio como sucede en otros casos, que empieza el cuerpo de violines que nos cuenta que algo terrible está sucediendo, la pieza empieza en total actividad, dos marionetas se están batiendo en duelo, son apenas cinco segundos de acción, y una de ellas cae, tras lo que los violines desaparecen y la melodía "cae", es como si la muerte se hiciera presente y los que vieran la escena quedaran ensombrecidos al comprobar que realmente ha muerto, apenas son veinte segundos, pero empiezan a escucharse los sones de las otras marionetas, que se acercan, para recoger el cadaver y portarlo al cementerio, y comienza la conocidísima melodia de la muerte burlesca.
Pronto, la melodía adquiere un tono más alentador, las marionetas descansan del cansancio del cortejo en una taberna del camino, consolándose y hablando de las virtudes del compañero muerto.
Al final, el cortejo llega al cementerio, se produce el entierro, todos se marchan, cerrando el cementario, hasta su verja de entrada, quedando los muertos dónde tienen que estar, dejando ver la brevedad y el cansancio de la vida, incluso en el caso de las marionetas.

Para nada es una melodía triste, sino que tiene ese toque burlón de las marionetas.

Tom Petty

2009-05-28T13:17:00.000-07:00

Una piezas rápidas.

2009-05-28T01:51:00.000-07:00

¿Quién dijo que las piezas tienes que ser largas para ser grandes?

Aquí va una, el Vals del minuto de Chopin:

También conocido por el Vals del perro, porque es una metáfora de un perro persiguiendo su cola.
Ni que decir tiene que no dura un minuto, sino más, dependiendo de la velocidad...ahora eso sí, si alguna ves veis algún “listo tocandolo en medio minuto”, por favor, insultadle de mi parte, porque ese no es otra cosa sino un chulo que encima no sabe que esto no es para dárselas de dedos rápidos...recuerdo hace años, que eso mismo lo hizo el actual presidente de “La Secta”.

Otra cortita, no ya tanto para comentar sino para rellenar porque las piezas son cortas, aunque no se merece el no ser comentada, el Rondo a la turca de Mozart.

Barcarola de Offenbach.

2009-05-26T23:28:00.000-07:00

Tengo que confesar una cosa, aunque me encanta la música cantada, el género músical rey de la música cantada es algo con lo que no puedo, es que lo admito, no puedo con la ópera, eso no significa que no me guste la ópera, pero no soy capaz de estar toda la representación parado, así que para mí lo ideal es un CD y un DVD y hacer descansos y seguir en otro momento.
Ayuda mucho a ello (mi problema con la ópera) el que de todos los cantantes que te puedes encontrar, los de óperas son los más egocéntricos que te puedes cruzar, quedando toda la música subordinada a los gorgoritos de una persona que canta bien y no sabe actuar, o sabe actuar pero no canta bien (excepciones, la Callas, Kraus)...a veces tengo la impresión que ese tópico de la rotundidad física de los cantantes de ópera (aunque es falso), pudiera provenir de que sus cuerpos ya no pueden crecer más hacía arriba, y tienen que hacerlo hacia los lados para que quepan sus egos en el interior de sus cuerpos.

Después de estas “crueles críticas”, también tengo que admitir que hay excepciones, y momento en la ópera que por si mismos merecen un sitio en la música del mundo.
Antes de ahora ya había hablado de trocitos de óperas, más bien oberturas y trozos orquestales, pero partes vocales no...pues ya no hay que esperar más, que aquí va una, la barcarola de la ópera “Los cuentos de Hoffmann” de Offenbach:

La historia de la ópera es muy original, Hoffmann está enamorado de Stella, que es cantante de ópera e interpreta Don Giovanni en un teatro cercano, mientras él está en una cervecería y cuenta las historias historias de sus tres amores, aunque en realidad todos se refieren a Stella. También hay un triangulo amoroso, pero en realidad para explicar esto es algo secundario. (Todo esto se trata en el prologo y el epílogo). Cada acto es un lugar, una mujer y un cuento distinto.
El acto primero se refiere a Olympia, en París.
El acto segundo se refiere a Antonia, en Munich.
El acto tercero se refiere a Giuletta, en Venecia.

Pues es en Venecia donde se desarrolla la barcarola, porque ¿qué es la barcarola? una barcarola es la canción de los gondoleros, que sigue el tempo moderado del remar del gondolero.

Eric Clapton.

2009-05-26T23:24:00.000-07:00

Otra voy a salir del genero, por una linda tonada (jejeje, tonada), porque me apetece y por cosas que hoy he vivido, y las canciones para mi siempre tienen que ver con el estado de uno, la canción es, “My father eyes” de Eric Clapton:

El amanecer de Grieg.

2009-05-26T00:35:00.001-07:00

Ya comenté algo por aquí de la Suite Peer Gynt de Edvard Grieg, aquello de "En la cueva del rey de la montaña" o "El entierro de Ase", pues a ver, mirad que cosa tan bonita para despertarse:

Primero aparecen los rayos del sol, se nota como la luz va apareciendo, el sol asciende, se nota en la incorporación de elementos, en un súbito ascenso del volumen de interpretación.
Cuando ya sabemos que el sol está fuera, notamos el despertar de los pajarillos, primero perezosos, luego se levantan lentamente, uno tras otro, abren sus alas, y empiezan a cantar, como hacen los pajaros al principio del día, luego todo se serena y el día comienza en ese preciso instante cuando la pieza termina.

Yo tenía algunos años menos.

2009-05-22T11:47:00.000-07:00

Y me gustaban cosas así:

Preludio del primer libro de "Clave bien temperado" de Bach.

2009-05-22T05:12:00.000-07:00

A estas alturas de la película a nadie va a sorprender mi admiración por Bach, muy por encima de cualquier otro compositor.

Una de esas miles de obras de Bach que nos llenan es esta:

El preludio del primer libro del clave bien temperado, aunque en realidad toda la obra del clave bien temperado nos llena.

Pero el tema no es hablar de eso ahora, sino más bien, hagámonos una pregunta ¿qué nos sugiere la música que escuchamos? tan sólo pensémoslo un momento, no es necesario decir nada.

Pues eso mismo es lo que debió planteárse el francés Charles Gounod, tanto es así que cogió la obra de Bach y arregló un aria (un aria sin ópera, que es lo normal) con la letra oficial del Ave María en latín.
Y le fue mal la cosa porque resultó esto de su trabajo:

Tanto que ahora es uno de esos himnos vaticanos que tanto escuchamos en momentos solemnes.
Se puede decir que esto es música de fusión excelente.

Ah, y se me olvidaba decir, Bach era luterano.

Una cosilla curiosa.

2009-05-21T10:18:00.000-07:00

Todo el mundo conoce el canto gregoriano, ya sea en sus formas originales o en sus “degeneraciones” posteriores...¿pero el canto ambrosiano?

La importancia de estos cantos está en que son una forma de catequizar al pueblo de una manera sencilla, porque con la música aprenden de modo más sencillo las escrituras.

El canto gregoriano tiene sus orígenes en el siglo VIII pero su codificación se realizó en el siglo XI y XII, pero antes de aquello había otros cantos de las iglesias locales, como el ambrosiano, en este caso de la Iglesia de Milán, desde el siglo IV.
Todo estos cantos se entienden como una extensión del rito nacional, el canto es ambrosiano porque la Iglesia de Milán tiene un rito propio, al igual que la Iglesia de Toledo tiene un rito y un canto propio (ahora incomprensiblemente llamado mozárabe), y la propia Iglesia romana tenían un rito y canto propio.
Pero desde Roma se crea el rito romano, el nuevo de entonces, diferente de su propio rito antiguo, que en el canto se traduce en ese gregoriano, llamado así no porque Gregorio Magno fuera su autor (es muy anterior), sino porque es él quién ve la necesidad de crear un canto oficial para la Iglesia.

Con la imposición de ritos, se vetan los otros (claro, eso en España no sucede en gran parte por la presencia morisca), y hasta hace relativamente poco tiempo con la readmisión al uso de los ritos antiguos, se vuelven a conocer esos cantos relacionados.

El canto gregoriano es una mezcla de tradiciones, un poquito de los salmos judíos, un mucho de los cantos romanos previos, otro poco de otros cantos occidentales, es un canto no instrumental cantado por solista o coro, que se caracteriza porque el texto se impone a todo lo demás, a la rítmica y a la melodía, siendo esta una melodía sin variaciones bruscas de tono (medio tono o un tono entre notas consecutivas).
El canto ambrosiano, en realidad tiene mucho que ver con eso, es no instrumental, cantado por solista o coro, sólo tiene una melodía (no hay polifonía), y el texto tiene la misma importancia condicionando todo lo demás...pero sin embargo es diferente por sus orígenes, porque el gregoriano es obviamente más occidentalizado, mientras que en la Iglesia milanesa se consideró tomar los salmos (el orígen de todo canto religioso judeo-cristiano) judíos y tomar ese espíritu “melódico” directamente, haciendo que suene de una manera totalmente diferente.
Ojo, al final lo de la una sóla melodía es un decir, tanto el ambrosiano como el gregoriano evolucionaron hacia formas polifónicas.

(Bueno, sí, hay una segunda voz que hace de bajo continuo, una pequeña concesión para que el solista no quede solitario).

La letra:
Dixit Dominus Domino meo sede a dextris meis donec ponam inimicos tuos scabillum pedum tuorum.
Virgam virtutis tuae emittet Dominus ex Sion dominare in medio inimicorum tuorum.
Tecum principium in die virtutis tuae in splendoribus sanctorum ex utero ante luciferum genui te.
Iuravit Dominus et non paenitebit eum tu es sacerdos in aeternum secundum ordinem Melchisedech.
Dominus a dextris tuis confregit in die irae suae reges.
Iudicabit in nationibus implebit cadavera conquassabit capita in terra multorum.
De torrente in via bibet propterea exaltabit caput.

Otra: