Se puede decir que dentro de la evolución renacentista, existe una línea de "genealogía" maestro-alumno a lo largo del tiempo. Posteriormente esto sigue teniendo su importancia, pero no tan central ya que la imprenta también entra con fuerza en la música.
La música renacentista como tal aparece en la llamada Escuela Borgoñona en el siglo XV, y uno de sus primeros compositores fue Gilles Binchois, gran melodista pero con tendencia a la simplificación formal, cuya obra fue reutilizada con asiduidad en tiempos posteriores.
También de la Escuela Borgoñona es Johannes Ockeghem, que estudió con Gilles Binchois, del que fue un gran admirador, componiendo una emotiva misa a su muerte. Fue uno de los compositores con mayor técnica, de forma que creó composiciones complejas polifónicas, pero manteniendo una claridad que contrasta con las polifonías complejas medievales.
Josquin des Prez fue otro miembro de la Escuela, estudiando contrapunto con Johannes Ockeghem. Considerado el más grande compositor de su época, influenciando a todos los compositores posteriores, más allá de sus alumnos.
Alumno de Josquin des Prez fue Nicolas Gombert, que se puede considerar como el segundo más influyente de la generación trás su maestro.
En paralelo, está Jean Moutón, posterior a Josquin des Prez, con el que comparte muchas formas, pero en un estilo más monótono.
Alumno del anterior fue, Adrian Willaert, flamenco, pero fue uno de los iniciadores del estilo en Italia, fundando la Escuela Veneciana.
Andrea Gabrieli, veneciano, fue alumno de Adrian Willaert, siendo el primer gran representante nativo de la Escuela Veneciana.
Los dos de los tres grandes del final del renacimiento, Palestrina y Orlando de Lasso, fueron aprendiendo no directamente con estos grandes compositores previos, sino de los movimientos que crearon en sus respectivos lugares de nacimiento, Italia y Paises Bajos, respectivamente.
Y para terminar, Tomás Luis de Victoria, el español, que fue alumno de Palestrina en Roma.
jueves, 1 de julio de 2010
martes, 29 de junio de 2010
Renacimiento
El Renacimiento se puede definir de dos formas, una de ellas es la recuperación de las formas artísticas clásicas, grecorromanas, de ahí lo de renacimiento, de un reencuentro con esa tradición del sur de Europa, y la otra es la difusión del ideal humanista, con el desarrollo de las ciencias y las artes sin cortapisas para los creadores.
En la música, la primera definición es discutible, porque salvo excepciones nacionales, el común de la música occidental ha evolucionado técnica y estilísticamente hacia mejor a lo largo de los siglos, mejor no tanto como un concepto subjetivo de gustar más o menos, sino de crear una serie de recursos musicales que serían impensables tiempo antes, una melodía monocorde puede ser bonita, pero nos quedamos en eso hasta que se desarrolla una cierta polifonía, y en ese momento ya tenemos dos opciones, igualmente, una melodía de contrapunto es bonita, pero complicada para tratar un tema en comparación con la versatilidad de la polifonía desarrollada con voces subordinadas.
Podemos suponer lo que fue la música militar en tiempos clásicos, pero desconocemos lo que pudo ser la música no militar, y lo que se desconoce no se puede recuperar, por tanto un renacimiento musical en este sentido es absurdo, pero lo que sí sabemos es que no debió tener gran complejidad técnica, por ausencia de una notación desconocida. Parece mentira pero una de las razones del gran desarrollo musical es la notación moderna, que es la forma de que los músicos investiguen los recursos usados por otros más allá de los simple que escuchen sus oídos.
En tiempos helénicos, hubo escuelas que estudiaron la música como un conocimiento mágico, y es seguro que existió una notación, pero estos eran conocimientos esotéricos, o sea de naturaleza escondida, y para el desarrollo del conocimiento humano, lo esotérico no deja de ser una curiosidad, con poca incidencia real, por tanto no se le debe tener en cuenta.
Viéndolo así, la música "teatral" no podía ser algo complejo, necesitaba ser aprendido de memoria por el intérprete por repetición, careciendo de esa notación que ayudaría para cosas más complejas.
Descartamos pues el renacimiento musical como recuperación de arte musical clásica, lo que no existe o lo que nos es desconocido no puede renacer.
Sin embargo, está el otro punto de vista sobre el renacimiento, el ideal de humanismo, el europeo no buscaba el clasicismo porque sí, por gusto, sino por el mito de que en tiempos del Imperio todo era mejor, una edad dorada, los hombres (los que se pueden considerar hombres) eran más libres, más cultos, más poderosos, en contraposición con el oscurantismo de la Edad Media, que aunque hoy sabemos que ni fue tan oscura, y que su transición con el Renacimiento fue muy sutil, en ese momento se podía ver como una época oscura. El caso es que buscan lo clásico por ver si así se les "pega" algo de esos ideales humanistas que buscaban, que ellos creían representados únicamente en la cultura clásica, pero al final lo esencial del renacimiento es liberar al hombre, y que el hombre cree, porque tiene derecho, es el centro de la creación.
En las ártes musicales medievales, el canto religioso era muy estricto, la música cortés también, y la música popular ni se tenía en cuenta, en cambio los compositores renacentistas componen indistintamente música sacra, popular, cortesana, y poco a poco desarrollan estilos, técnicas que enriquecen la música, y esencialmente, los músicos se convierten en protagonistas, sabemos sus nombres, y aunque en realidad se conocen nombres de músicos de la Baja Edad Media, la separación de esta última con el Renacimiento es muy arbitraria, se puede decir que la Baja Edad Media era bastante renacentista (o el Renacimiento bastante medieval).
Los lugares dónde sucede todo esto, primeramente en la Borgoña, y en el otro extremo los Estados comerciales italianos, los dos extremos de las rutas comerciales europeas, y por extensión a zonas cercanas, como noreste de Francia, Inglaterra, España por ser zona de paso marítimo entre ambos lugares.
En la música, la primera definición es discutible, porque salvo excepciones nacionales, el común de la música occidental ha evolucionado técnica y estilísticamente hacia mejor a lo largo de los siglos, mejor no tanto como un concepto subjetivo de gustar más o menos, sino de crear una serie de recursos musicales que serían impensables tiempo antes, una melodía monocorde puede ser bonita, pero nos quedamos en eso hasta que se desarrolla una cierta polifonía, y en ese momento ya tenemos dos opciones, igualmente, una melodía de contrapunto es bonita, pero complicada para tratar un tema en comparación con la versatilidad de la polifonía desarrollada con voces subordinadas.
Podemos suponer lo que fue la música militar en tiempos clásicos, pero desconocemos lo que pudo ser la música no militar, y lo que se desconoce no se puede recuperar, por tanto un renacimiento musical en este sentido es absurdo, pero lo que sí sabemos es que no debió tener gran complejidad técnica, por ausencia de una notación desconocida. Parece mentira pero una de las razones del gran desarrollo musical es la notación moderna, que es la forma de que los músicos investiguen los recursos usados por otros más allá de los simple que escuchen sus oídos.
En tiempos helénicos, hubo escuelas que estudiaron la música como un conocimiento mágico, y es seguro que existió una notación, pero estos eran conocimientos esotéricos, o sea de naturaleza escondida, y para el desarrollo del conocimiento humano, lo esotérico no deja de ser una curiosidad, con poca incidencia real, por tanto no se le debe tener en cuenta.
Viéndolo así, la música "teatral" no podía ser algo complejo, necesitaba ser aprendido de memoria por el intérprete por repetición, careciendo de esa notación que ayudaría para cosas más complejas.
Descartamos pues el renacimiento musical como recuperación de arte musical clásica, lo que no existe o lo que nos es desconocido no puede renacer.
Sin embargo, está el otro punto de vista sobre el renacimiento, el ideal de humanismo, el europeo no buscaba el clasicismo porque sí, por gusto, sino por el mito de que en tiempos del Imperio todo era mejor, una edad dorada, los hombres (los que se pueden considerar hombres) eran más libres, más cultos, más poderosos, en contraposición con el oscurantismo de la Edad Media, que aunque hoy sabemos que ni fue tan oscura, y que su transición con el Renacimiento fue muy sutil, en ese momento se podía ver como una época oscura. El caso es que buscan lo clásico por ver si así se les "pega" algo de esos ideales humanistas que buscaban, que ellos creían representados únicamente en la cultura clásica, pero al final lo esencial del renacimiento es liberar al hombre, y que el hombre cree, porque tiene derecho, es el centro de la creación.
En las ártes musicales medievales, el canto religioso era muy estricto, la música cortés también, y la música popular ni se tenía en cuenta, en cambio los compositores renacentistas componen indistintamente música sacra, popular, cortesana, y poco a poco desarrollan estilos, técnicas que enriquecen la música, y esencialmente, los músicos se convierten en protagonistas, sabemos sus nombres, y aunque en realidad se conocen nombres de músicos de la Baja Edad Media, la separación de esta última con el Renacimiento es muy arbitraria, se puede decir que la Baja Edad Media era bastante renacentista (o el Renacimiento bastante medieval).
Los lugares dónde sucede todo esto, primeramente en la Borgoña, y en el otro extremo los Estados comerciales italianos, los dos extremos de las rutas comerciales europeas, y por extensión a zonas cercanas, como noreste de Francia, Inglaterra, España por ser zona de paso marítimo entre ambos lugares.
miércoles, 3 de marzo de 2010
Música militar
Por petición popular, una de marchas militares.
A ver, para tratar este tema seguramente lo más correcto es hacer historia y ver los orígenes de la música.
Lo primero es ver los instrumentos y contextos en los que se pudieron desarrollar las primeras músicas.
En cuánto a los instrumentos, sólos, o acompañados, los instrumentos más antiguos son:
- Percusión (ya esté esta más o menos desarrollada, pero su primacía es evidente).
- Voces (seguramente posterior a la percusión ya que la capacidad vocal parece ser que es posterior a la de tener la inteligencia para dar golpes a intervalos rítmicos).
- Viento (cuernos naturales primero y luego innovaciones en madera y metal).
- Cuerda, aunque más que nada arpas (aún más tardío y seguramente una consecuencia casual del uso del arco)
Los demás instrumentos son evoluciones técnicas posteriores menos evidentes, el uso de metal en vez de madera puede ser un cambio evidente, pero no el uso de instrumentos de viento con clavijas, lo sencillo con flautas de pan, o antiguas flautas dulces, pífanos y cornos, trompas si hablamos de metal. El razonamiento es similar para la cuerda, la cuerda al aire es más evidente que usar una caja de resonancia, igual que la cuerda pulsada es más evidente que la frotada.
Sobre contextos, los orígenes serían dos, en casa, con las mujeres, principalmente vocal, porque se puede cantar mientras se hacen otras labores del hogar, y el militar, con los hombres. En realidad se pueden pensar otros usos, como festivo, religioso, funerario, pero el uso hogareño y militar representan las dos funciones extremas, y las demás pueden ser usos mezclados de ambas funciones.
Mientras que en el hogar lo esencial es la voz, por la capacidad de hacer otras cosas mientras se canta, en lo militar se busca la marcialidad, cosa que a pesar de miles de años pasado no ha cambiado mucho, el mayor espíritu suele ir acompañado de mayor éxito en la guerra (sí, bueno, eso depende también de que el general no sea un cenutrio, que el otro ejército no sea mejor, etc).
El ejército no quiere individuos, quiere un grupo, coordinado, unificado, no es tan importante la cantidad de soldados como su preparación y coordinación. Para esto la música puede resultar útil, tanto en el ejercicio físico marcando un ritmo base que hay que cumplir, como para las marchas (que no son más que desplazamientos) al paso (velocidad) escogida, eso sí crea uniformidad y espíritu.
Claro que la música de banda militar está condicionada a la comodidad de su interpretación a pie, por eso van bien tambores varios, platillos, cajas, percusiones varias que se puedan portar, e instrumentos de viento, sobre todo metal (cornetas y trompetas, trombones, trompa, tuba) y algunos instrumentos de madera, pero los instrumentos más grandes y los más dificultosos de interpretar quedan relegados a los actos más serios, de forma que la formación básica son tambores pequeños y cornetas y trompetas, más manejables.
Su vertiente más practica es la de marcar el paso de la marcha, ¿hay que hacer 50 kilómetros a pie?, ¿cuánto tiempo tenemos?, y así se escogen una serie de piezas que van tocando los músicos para que se mantenga el paso, tanto en cadencia como en longitud de zancada.
En las antiguas batallas en trirremes, la percusión se usaba para marcar el ritmo al remero, también en su momento, los instrumentos de viento se usaban en batalla para dar órdenes (retirada, por ejemplo), tambores para marcar el paso en batalla de formaciones reducidas que deben mantenerse unidas (los lanceros suizos tenían que ir apelotonados para ser efectivos, por ejemplo).
Y otra de las funciones es mantener la moral y espíritu combativo, en este sentido se entienden cosas como, "Soy el novio de la muerte" y "La muerte no es el final":
¿Y por qué esto es cantado?, por espíritu de camaradería militar, ahí cantan todos, por eso igualmente se canta a una sola voz no en coro, porque los que cantan, la unidad militar que corresponda, son todos iguales en espíritu, o al menos eso se busca.
Por consuelo religioso en una profesión tan peligrosa, también son propios los cantos de esta índole en las unidades, como por ejemplo, la Salve Marinera de Oudrid en la Armada:
Otro hecho curioso en España es la reutilización de partes de zarzuelas, como es la "Salve Marinera", en marchas militares, otro ejemplo muy conocido es la marcha final del primer acto de la zarzuela "Cádiz" de Chueca, estupenda para un desfile:
Actualmente la música militar se ha reservado para actos más serios y su uso práctico es muy reducido, pero sigue existiendo esa tradición.
A ver, para tratar este tema seguramente lo más correcto es hacer historia y ver los orígenes de la música.
Lo primero es ver los instrumentos y contextos en los que se pudieron desarrollar las primeras músicas.
En cuánto a los instrumentos, sólos, o acompañados, los instrumentos más antiguos son:
- Percusión (ya esté esta más o menos desarrollada, pero su primacía es evidente).
- Voces (seguramente posterior a la percusión ya que la capacidad vocal parece ser que es posterior a la de tener la inteligencia para dar golpes a intervalos rítmicos).
- Viento (cuernos naturales primero y luego innovaciones en madera y metal).
- Cuerda, aunque más que nada arpas (aún más tardío y seguramente una consecuencia casual del uso del arco)
Los demás instrumentos son evoluciones técnicas posteriores menos evidentes, el uso de metal en vez de madera puede ser un cambio evidente, pero no el uso de instrumentos de viento con clavijas, lo sencillo con flautas de pan, o antiguas flautas dulces, pífanos y cornos, trompas si hablamos de metal. El razonamiento es similar para la cuerda, la cuerda al aire es más evidente que usar una caja de resonancia, igual que la cuerda pulsada es más evidente que la frotada.
Sobre contextos, los orígenes serían dos, en casa, con las mujeres, principalmente vocal, porque se puede cantar mientras se hacen otras labores del hogar, y el militar, con los hombres. En realidad se pueden pensar otros usos, como festivo, religioso, funerario, pero el uso hogareño y militar representan las dos funciones extremas, y las demás pueden ser usos mezclados de ambas funciones.
Mientras que en el hogar lo esencial es la voz, por la capacidad de hacer otras cosas mientras se canta, en lo militar se busca la marcialidad, cosa que a pesar de miles de años pasado no ha cambiado mucho, el mayor espíritu suele ir acompañado de mayor éxito en la guerra (sí, bueno, eso depende también de que el general no sea un cenutrio, que el otro ejército no sea mejor, etc).
El ejército no quiere individuos, quiere un grupo, coordinado, unificado, no es tan importante la cantidad de soldados como su preparación y coordinación. Para esto la música puede resultar útil, tanto en el ejercicio físico marcando un ritmo base que hay que cumplir, como para las marchas (que no son más que desplazamientos) al paso (velocidad) escogida, eso sí crea uniformidad y espíritu.
Claro que la música de banda militar está condicionada a la comodidad de su interpretación a pie, por eso van bien tambores varios, platillos, cajas, percusiones varias que se puedan portar, e instrumentos de viento, sobre todo metal (cornetas y trompetas, trombones, trompa, tuba) y algunos instrumentos de madera, pero los instrumentos más grandes y los más dificultosos de interpretar quedan relegados a los actos más serios, de forma que la formación básica son tambores pequeños y cornetas y trompetas, más manejables.
Su vertiente más practica es la de marcar el paso de la marcha, ¿hay que hacer 50 kilómetros a pie?, ¿cuánto tiempo tenemos?, y así se escogen una serie de piezas que van tocando los músicos para que se mantenga el paso, tanto en cadencia como en longitud de zancada.
En las antiguas batallas en trirremes, la percusión se usaba para marcar el ritmo al remero, también en su momento, los instrumentos de viento se usaban en batalla para dar órdenes (retirada, por ejemplo), tambores para marcar el paso en batalla de formaciones reducidas que deben mantenerse unidas (los lanceros suizos tenían que ir apelotonados para ser efectivos, por ejemplo).
Y otra de las funciones es mantener la moral y espíritu combativo, en este sentido se entienden cosas como, "Soy el novio de la muerte" y "La muerte no es el final":
¿Y por qué esto es cantado?, por espíritu de camaradería militar, ahí cantan todos, por eso igualmente se canta a una sola voz no en coro, porque los que cantan, la unidad militar que corresponda, son todos iguales en espíritu, o al menos eso se busca.
Por consuelo religioso en una profesión tan peligrosa, también son propios los cantos de esta índole en las unidades, como por ejemplo, la Salve Marinera de Oudrid en la Armada:
Otro hecho curioso en España es la reutilización de partes de zarzuelas, como es la "Salve Marinera", en marchas militares, otro ejemplo muy conocido es la marcha final del primer acto de la zarzuela "Cádiz" de Chueca, estupenda para un desfile:
Actualmente la música militar se ha reservado para actos más serios y su uso práctico es muy reducido, pero sigue existiendo esa tradición.
martes, 2 de marzo de 2010
Estaba la Madre...
Aquí va esto, y muy adecuado para las próximas fechas de Semana Santa. Uno de esos temas recurrentes en la música barroca fue este poema medieval:
Stabat Mater dolorosa
Iuxta crucem lacrimosa,
Dum pendebat filius.
Cuius animam gementem
Contristantem et dolentem
Pertransivit gladius.
Estaba la Madre sufriendo,
junto a la Cruz, lagrimosa,
de dónde pendía su Hijo.
Cuya alma doliente,
constreñida y doliente
atravesó la espada.
(En realidad es más largo)
Palestrina, Haydn, Scarlati, Vivaldi, Liszt, Dvorak y otros muchos han compuesto su versión
pero la más conocida es esta:
De Juan Bautista Pergolesi.
Nacido en los Estados Pontificios en 1710 (compartimos cumpleaños), y en él se unen dos "maldiciones" de muchos músicos, morir joven y ser olvidados rápidamente, porque se puede morir viejo y que te olviden rápido, como le pasó a Bach, o se puede morir joven, como le pasó a Mozart, pero a Pergolesi le tocaron las dos chinas, con el agravante de que encima murió realmente joven, llegó a ser conocido, pero no alcanzó la cumbre de la fama porque no le dio tiempo, murió con 26 años, y se le veían maneras para llegar a ser uno de los más grandes de todos los tiempos, porque Mozart murió joven, pero no tanto (35 años), y en esos años de diferencia le dio tiempo a hacer tal cantidad de cosas.
Aunque gran parte de su obra es operística, irónicamente su obra de referencia es este "Stabat Mater", ya que aunque compuso piezas sacras, pero esta fue una composición menor en cuanto a tamaño comparado a su obra operística.
Desde luego a Pergolesi se le dejó en el olvido, pero no a esta pieza, porque para que J.S.Bach te copie ya tenía que parecerle buena, sobre todo teniendo en cuenta que Bach era 25 años mayor que Pergolesi, la obra se compuso un año antes de la muerte del italiano, y el alemán vivió 14 años más, obviamente el tema se tuvo que expandir y hacer conocido rápidamente. Lógicamente, como buen luterano no va a tomar un tema mariológico, sino que toma la melodía y cambia a letra a un Salmo, el 51 concretamente (Súplica del pecador arrepentido):
La estructura es típicamente barroca, un acompañamiento de cuerdas con bajo continuo, como protagonistas dos voces, Soprano y Contralto.
Si vemos la partitura que aparece en el vídeo de youtube, veremos como las voces (pensando en sílabas) no van acompasadas en el tiempo (no siempre), sino que:
1) Al principio comienza la voz de Contralto y la de Soprano le va dando el contrapunto retrasada ligeramente
2) y 3) Dos secciones de solo, primero con la Soprano, y segundo Contralto.
4) Tras eso Contralto y Soprano empiezan acompasadas una sección.
5) Se vuelve a la asimetría después, pero esta vez con la voz de Soprano como primera y la de Contralto como contrapunto, pero esa misma sección la terminan al unísono.
La pieza continúa, con secciones cambiándose el protagonismo entre las voces.
Lo que se puede ver aquí es la huida del canto de sílabas acompasadas, porque las melodías pueden estar mejor o peor conseguidas, las letras, tiempos, entonación, instrumentación, pero se quiere jugar con todas las variables que da la música, y este desacompasamiento es otro recurso más, muy típicamente barroco, es la búsqueda de la armonía final, lo que no quiere decir que no existan armonías enmedio, pero sí que dé la impresión de que son armonías no estables, que son fugaces por la falta de uniformidad en ese "silabeo", de armonías que cambian porque primero se mueve uno, y luego el otro, y así sucesivamente, para llegar a un final dónde se alcanza la armonía y la quietud en el momento en que el compositor vuelve a dar la simetría a la pieza.
El significado para el mundo de la música es que la música uniforme es plana, la profundidad la dan los contrastes, contrastes armónicos, pero también en los ritmos, en el volumen diverso entre las voces y en el tiempo dentro de una misma voz, son tantas cosas.
Stabat Mater dolorosa
Iuxta crucem lacrimosa,
Dum pendebat filius.
Cuius animam gementem
Contristantem et dolentem
Pertransivit gladius.
Estaba la Madre sufriendo,
junto a la Cruz, lagrimosa,
de dónde pendía su Hijo.
Cuya alma doliente,
constreñida y doliente
atravesó la espada.
(En realidad es más largo)
Palestrina, Haydn, Scarlati, Vivaldi, Liszt, Dvorak y otros muchos han compuesto su versión
pero la más conocida es esta:
De Juan Bautista Pergolesi.
Nacido en los Estados Pontificios en 1710 (compartimos cumpleaños), y en él se unen dos "maldiciones" de muchos músicos, morir joven y ser olvidados rápidamente, porque se puede morir viejo y que te olviden rápido, como le pasó a Bach, o se puede morir joven, como le pasó a Mozart, pero a Pergolesi le tocaron las dos chinas, con el agravante de que encima murió realmente joven, llegó a ser conocido, pero no alcanzó la cumbre de la fama porque no le dio tiempo, murió con 26 años, y se le veían maneras para llegar a ser uno de los más grandes de todos los tiempos, porque Mozart murió joven, pero no tanto (35 años), y en esos años de diferencia le dio tiempo a hacer tal cantidad de cosas.
Aunque gran parte de su obra es operística, irónicamente su obra de referencia es este "Stabat Mater", ya que aunque compuso piezas sacras, pero esta fue una composición menor en cuanto a tamaño comparado a su obra operística.
Desde luego a Pergolesi se le dejó en el olvido, pero no a esta pieza, porque para que J.S.Bach te copie ya tenía que parecerle buena, sobre todo teniendo en cuenta que Bach era 25 años mayor que Pergolesi, la obra se compuso un año antes de la muerte del italiano, y el alemán vivió 14 años más, obviamente el tema se tuvo que expandir y hacer conocido rápidamente. Lógicamente, como buen luterano no va a tomar un tema mariológico, sino que toma la melodía y cambia a letra a un Salmo, el 51 concretamente (Súplica del pecador arrepentido):
La estructura es típicamente barroca, un acompañamiento de cuerdas con bajo continuo, como protagonistas dos voces, Soprano y Contralto.
Si vemos la partitura que aparece en el vídeo de youtube, veremos como las voces (pensando en sílabas) no van acompasadas en el tiempo (no siempre), sino que:
1) Al principio comienza la voz de Contralto y la de Soprano le va dando el contrapunto retrasada ligeramente
2) y 3) Dos secciones de solo, primero con la Soprano, y segundo Contralto.
4) Tras eso Contralto y Soprano empiezan acompasadas una sección.
5) Se vuelve a la asimetría después, pero esta vez con la voz de Soprano como primera y la de Contralto como contrapunto, pero esa misma sección la terminan al unísono.
La pieza continúa, con secciones cambiándose el protagonismo entre las voces.
Lo que se puede ver aquí es la huida del canto de sílabas acompasadas, porque las melodías pueden estar mejor o peor conseguidas, las letras, tiempos, entonación, instrumentación, pero se quiere jugar con todas las variables que da la música, y este desacompasamiento es otro recurso más, muy típicamente barroco, es la búsqueda de la armonía final, lo que no quiere decir que no existan armonías enmedio, pero sí que dé la impresión de que son armonías no estables, que son fugaces por la falta de uniformidad en ese "silabeo", de armonías que cambian porque primero se mueve uno, y luego el otro, y así sucesivamente, para llegar a un final dónde se alcanza la armonía y la quietud en el momento en que el compositor vuelve a dar la simetría a la pieza.
El significado para el mundo de la música es que la música uniforme es plana, la profundidad la dan los contrastes, contrastes armónicos, pero también en los ritmos, en el volumen diverso entre las voces y en el tiempo dentro de una misma voz, son tantas cosas.
domingo, 21 de febrero de 2010
Sinfonía fantástica de Berlioz.
Aunque no llego a los extremos de aborrecimiento de Isadora por Hector Berlioz, tengo que decir que siempre ha sido un compositor que no me llamó mucho la atención, para mí es un ejemplo del "mal romanticismo", el del artísta que se cree en la total libertad de hacer lo que sea bajo la excusa de la busqueda de un arte puro, que es la cruz de la moneda del movimiento romántico, la de barbaridades que se han hecho con excusas tales, y no sólo en la música, sino en todas las artes, incluso en las propias vidas de los artistas. Vamos, que me aburría de tanta pomposidad vacía.
La sinfonía es de cinco movimientos, en vez de los habituales cuatro, y está inspirada en un amor fallido de don Hector, una actriz de teatro, y el argumento es un joven (Berlioz tenía 27 años al componerla) que desesperado por un amor fallido se da al opio y empieza a tener sueños, uno por movimiento.
1º Rêveries. Passions
2º Un Bal
3º Scène aux Champs
4º Marche au supplice
5º Songe d'une Nuit de Sabbat
En el primer movimiento introduce la situación, la intoxicación y los sueños que va a tener.
Los siguientes movimientos son los sueños, en los que siempre aparece la amada provocando malos momentos de una forma u otra al protagonista, pero mientras que en el segundo pueden ser sólo nervios, todo va empeorando llegando a momentos de locura en el quinto movimiento, en el que se celebra un aquelarre para celebrar su propio funeral, que él vé, por eso se le llama a veces "Dies irae" a este movimiento, porque de fondo de escucha la melodía de uno significando el momento de la misa requiem.
Berlioz toma la idea del Leivmotiv romántico, y la llama "idea fija", y en la obra la idea fija siempre es la amada, que aparece como un clarinete para sufrimiento del joven.
El quinto movimiento, es el más conocido, y evoca la situación de un aquelarre de magos, brujas y demás entes fantásticos saturando de melodías contrapuestas, el Dies irae de fondo, las campanas de su funeral, melodías locas del aquelarre.
Personalmente, veo mucha fanfarria para una idea que no da para tanto, y a veces llega a momentos grotescos, en que te puedes imaginar a las brujas bailando can-can, algo fuera de lugar, ¿no?
Al final, con estas cosas se llega al tópico romántico de que el movimiento romántico fue creado por unos fracasados amorosos que no aguantaban que le dijeran que no.
La sinfonía es de cinco movimientos, en vez de los habituales cuatro, y está inspirada en un amor fallido de don Hector, una actriz de teatro, y el argumento es un joven (Berlioz tenía 27 años al componerla) que desesperado por un amor fallido se da al opio y empieza a tener sueños, uno por movimiento.
1º Rêveries. Passions
2º Un Bal
3º Scène aux Champs
4º Marche au supplice
5º Songe d'une Nuit de Sabbat
En el primer movimiento introduce la situación, la intoxicación y los sueños que va a tener.
Los siguientes movimientos son los sueños, en los que siempre aparece la amada provocando malos momentos de una forma u otra al protagonista, pero mientras que en el segundo pueden ser sólo nervios, todo va empeorando llegando a momentos de locura en el quinto movimiento, en el que se celebra un aquelarre para celebrar su propio funeral, que él vé, por eso se le llama a veces "Dies irae" a este movimiento, porque de fondo de escucha la melodía de uno significando el momento de la misa requiem.
Berlioz toma la idea del Leivmotiv romántico, y la llama "idea fija", y en la obra la idea fija siempre es la amada, que aparece como un clarinete para sufrimiento del joven.
El quinto movimiento, es el más conocido, y evoca la situación de un aquelarre de magos, brujas y demás entes fantásticos saturando de melodías contrapuestas, el Dies irae de fondo, las campanas de su funeral, melodías locas del aquelarre.
Personalmente, veo mucha fanfarria para una idea que no da para tanto, y a veces llega a momentos grotescos, en que te puedes imaginar a las brujas bailando can-can, algo fuera de lugar, ¿no?
Al final, con estas cosas se llega al tópico romántico de que el movimiento romántico fue creado por unos fracasados amorosos que no aguantaban que le dijeran que no.
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