Franz Schubert, vienés, nace en 1797, y muere en 1828, con 31 años, admirador del gran Beethoven (1770-1827), compositor de gran cantidad de lieder, por los que será conocido a partir de su muerte, porque como tantos otros, en vida fue ignorado.
Uno de los ejemplos de este conocimiento póstumo es la colección "Schwanengesang", o sea, "El canto del cisne".
Dice la leyenda que el cisne, está mudo durante toda su vida y que sólo momentos antes de morir emite sonidos, en hermosas notas que pueden ser consideradas como el canto del animal al sentir que se marcha. La realidad es más prosaica, el cisne durante su vida hace ruidos diversos, los típicos graznidos y demás ruidos propios de las ánades, y al morir sigue en ese mismo estilo de sonidos guturales sin demasiada gracia, pero las leyendas son lo que son, y desde la antigüedad se consideró al cisne como un ave ejemplo de hermosura y gracilidad, un ave que fue consagrada a Apolo, dios de la poesía, la música, y lo adecuado que resulta que un ave apolínea (nunca mejor dicho) al encontrar la muerte libere todo su potencial musical en apenas unos segundos. Para los artistas la leyenda está por encima de la vulgar realidad.
"El canto del cisne" es una colección de lieder (canciones inspiradas en poemas), unidos por un muy ligero nexo, canciones que presentan situaciones de melancolía, situaciones que se subliman en una hermosa melodía que finaliza la escena.
Un lied de todos ellos es "Ständchen", o "Serenata", que representa la típica escena de la noche en que el amante canta a su amada implorando su amor.
(Traducción tomada de http://www.kalipedia.com/arte/tema/franz-schubert-lied-serenata.html?x=20070822klpartmsc_253.Kes , porque yo de alemán, no tengo idea)
En voz baja te imploran mis canciones a través de la noche.
En la tranquila arboleda de allá abajo, amada, ¡ven a mí!
Susurrantes se mecen las esbeltas copas a la luz de la luna;
no temas, mi amada, que un traidor enemigo nos aceche.
¿Oyes cantar a los ruiseñores?
¡Ay!, te imploran en tono de dulce queja, te imploran por mí.
Comprenden el anhelo del pecho, conocen las penas del amor,
y acarician con plateados sonidos a cada tierno corazón.
Deja también que tu pecho se conmueva ¡amada, escúchame!
¡Trémulo, impaciente, voy a tu encuentro! ¡Ven, hazme feliz!
Ironia de la vida es que el compositor de estas cosas tan bonitas, muere con apenas 31 años, dejando para la posteridad todo esto...El "Schwanengesang".
domingo, 1 de agosto de 2010
martes, 27 de julio de 2010
Manuel de Falla
Por petición de un compañero:
Manuel de Falla, compositor gaditano de tardo-romanticismo español.
Lo que pretendo explicar requiere señalar algunos asuntos previamente.
- Se puede decir que desde joven fue un genio al que se le quedaban pequeños los conocimientos que se le podían dar, de tal forma que hasta los veinte años estuvo en Cádiz con maestros que le dieron una gran base musical, pero el siguiente paso lógico es tener unos estudios formales, para lo que había que ir al Conservatorio a Madrid, y puede parecer que con 20 años ya era mayorcito para ello, pero es que ya venía preparado de Cádiz y terminó todos sus estudios en apenas tres años (incluyendo piano)...y aunque aguantó uno años, se le había quedado pequeña la capital española.
- Por consejo de su amigo Joaquín Turina, el siguiente destino fue París, centro cultural mundial, también en esto de la música, dónde bajo la protección de Isaac Albéniz, es introducido en los círculos musicales parisinos, con personajes tales como Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas. Claude Debussy fue la persona que más le marcó, hasta dedicándole una obra póstuma al genial compositor francés. En realidad lo que hizo Debussy fue focalizar el interés de Manuel de Falla en la música popular española que él mismo admiraba, que era el flamenco, y más siendo Falla andaluz.
Dicho lo cual, "El amor brujo", pieza originaria de 1915 para grupo de cámara, y voz flamenca, preparada para ser interpretada y bailada por actores del género flamenco, aunque por cosas de la vida se transformó en una suite para ballet (flamenco).
Sobre el argumento, es la historia de Candela, una gitana, enamorada de Carmelo, pero atormentada por el fantasma de su difunto marido, al cuál no quería. Para librarla del fantasma, los gitanos realizan el ritual de la danza del fuego, y al final el fantasma desaparece para siempre.
El movimiento más conocido es "La danza del fuego", y la música, agitanada, evoca perfectamente la situación de la danza para hacer que aparezca el fantasma, el misterio y hasta temor que provoca la situación (contrastes de piano y fortes en el volumen de la melodía), la completa oscuridad rodeando el fuego, la fantasmal aparición, la danza sinuosa de Candela con el aparecido alrededor de la fogata, más y más rápido, hasta que el fantasma cae en la espiral del fuego y se disipa en él.
Resulta curiosa otra cosa, oscuridad, una gran luz en el centro y un ser que es atraido hacia ella, como los insectos se ven atraidos por la luz, como en esta pieza de Rimsky-Korsakov, "El vuelo del moscardón":
¿Resulta evidente la inspiración de la melodía de "La danza del fuego" en la pieza de Rimsky?
Manuel de Falla, compositor gaditano de tardo-romanticismo español.
Lo que pretendo explicar requiere señalar algunos asuntos previamente.
- Se puede decir que desde joven fue un genio al que se le quedaban pequeños los conocimientos que se le podían dar, de tal forma que hasta los veinte años estuvo en Cádiz con maestros que le dieron una gran base musical, pero el siguiente paso lógico es tener unos estudios formales, para lo que había que ir al Conservatorio a Madrid, y puede parecer que con 20 años ya era mayorcito para ello, pero es que ya venía preparado de Cádiz y terminó todos sus estudios en apenas tres años (incluyendo piano)...y aunque aguantó uno años, se le había quedado pequeña la capital española.
- Por consejo de su amigo Joaquín Turina, el siguiente destino fue París, centro cultural mundial, también en esto de la música, dónde bajo la protección de Isaac Albéniz, es introducido en los círculos musicales parisinos, con personajes tales como Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas. Claude Debussy fue la persona que más le marcó, hasta dedicándole una obra póstuma al genial compositor francés. En realidad lo que hizo Debussy fue focalizar el interés de Manuel de Falla en la música popular española que él mismo admiraba, que era el flamenco, y más siendo Falla andaluz.
Dicho lo cual, "El amor brujo", pieza originaria de 1915 para grupo de cámara, y voz flamenca, preparada para ser interpretada y bailada por actores del género flamenco, aunque por cosas de la vida se transformó en una suite para ballet (flamenco).
Sobre el argumento, es la historia de Candela, una gitana, enamorada de Carmelo, pero atormentada por el fantasma de su difunto marido, al cuál no quería. Para librarla del fantasma, los gitanos realizan el ritual de la danza del fuego, y al final el fantasma desaparece para siempre.
El movimiento más conocido es "La danza del fuego", y la música, agitanada, evoca perfectamente la situación de la danza para hacer que aparezca el fantasma, el misterio y hasta temor que provoca la situación (contrastes de piano y fortes en el volumen de la melodía), la completa oscuridad rodeando el fuego, la fantasmal aparición, la danza sinuosa de Candela con el aparecido alrededor de la fogata, más y más rápido, hasta que el fantasma cae en la espiral del fuego y se disipa en él.
Resulta curiosa otra cosa, oscuridad, una gran luz en el centro y un ser que es atraido hacia ella, como los insectos se ven atraidos por la luz, como en esta pieza de Rimsky-Korsakov, "El vuelo del moscardón":
¿Resulta evidente la inspiración de la melodía de "La danza del fuego" en la pieza de Rimsky?
jueves, 1 de julio de 2010
La línea renacentista
Se puede decir que dentro de la evolución renacentista, existe una línea de "genealogía" maestro-alumno a lo largo del tiempo. Posteriormente esto sigue teniendo su importancia, pero no tan central ya que la imprenta también entra con fuerza en la música.
La música renacentista como tal aparece en la llamada Escuela Borgoñona en el siglo XV, y uno de sus primeros compositores fue Gilles Binchois, gran melodista pero con tendencia a la simplificación formal, cuya obra fue reutilizada con asiduidad en tiempos posteriores.
También de la Escuela Borgoñona es Johannes Ockeghem, que estudió con Gilles Binchois, del que fue un gran admirador, componiendo una emotiva misa a su muerte. Fue uno de los compositores con mayor técnica, de forma que creó composiciones complejas polifónicas, pero manteniendo una claridad que contrasta con las polifonías complejas medievales.
Josquin des Prez fue otro miembro de la Escuela, estudiando contrapunto con Johannes Ockeghem. Considerado el más grande compositor de su época, influenciando a todos los compositores posteriores, más allá de sus alumnos.
Alumno de Josquin des Prez fue Nicolas Gombert, que se puede considerar como el segundo más influyente de la generación trás su maestro.
En paralelo, está Jean Moutón, posterior a Josquin des Prez, con el que comparte muchas formas, pero en un estilo más monótono.
Alumno del anterior fue, Adrian Willaert, flamenco, pero fue uno de los iniciadores del estilo en Italia, fundando la Escuela Veneciana.
Andrea Gabrieli, veneciano, fue alumno de Adrian Willaert, siendo el primer gran representante nativo de la Escuela Veneciana.
Los dos de los tres grandes del final del renacimiento, Palestrina y Orlando de Lasso, fueron aprendiendo no directamente con estos grandes compositores previos, sino de los movimientos que crearon en sus respectivos lugares de nacimiento, Italia y Paises Bajos, respectivamente.
Y para terminar, Tomás Luis de Victoria, el español, que fue alumno de Palestrina en Roma.
La música renacentista como tal aparece en la llamada Escuela Borgoñona en el siglo XV, y uno de sus primeros compositores fue Gilles Binchois, gran melodista pero con tendencia a la simplificación formal, cuya obra fue reutilizada con asiduidad en tiempos posteriores.
También de la Escuela Borgoñona es Johannes Ockeghem, que estudió con Gilles Binchois, del que fue un gran admirador, componiendo una emotiva misa a su muerte. Fue uno de los compositores con mayor técnica, de forma que creó composiciones complejas polifónicas, pero manteniendo una claridad que contrasta con las polifonías complejas medievales.
Josquin des Prez fue otro miembro de la Escuela, estudiando contrapunto con Johannes Ockeghem. Considerado el más grande compositor de su época, influenciando a todos los compositores posteriores, más allá de sus alumnos.
Alumno de Josquin des Prez fue Nicolas Gombert, que se puede considerar como el segundo más influyente de la generación trás su maestro.
En paralelo, está Jean Moutón, posterior a Josquin des Prez, con el que comparte muchas formas, pero en un estilo más monótono.
Alumno del anterior fue, Adrian Willaert, flamenco, pero fue uno de los iniciadores del estilo en Italia, fundando la Escuela Veneciana.
Andrea Gabrieli, veneciano, fue alumno de Adrian Willaert, siendo el primer gran representante nativo de la Escuela Veneciana.
Los dos de los tres grandes del final del renacimiento, Palestrina y Orlando de Lasso, fueron aprendiendo no directamente con estos grandes compositores previos, sino de los movimientos que crearon en sus respectivos lugares de nacimiento, Italia y Paises Bajos, respectivamente.
Y para terminar, Tomás Luis de Victoria, el español, que fue alumno de Palestrina en Roma.
martes, 29 de junio de 2010
Renacimiento
El Renacimiento se puede definir de dos formas, una de ellas es la recuperación de las formas artísticas clásicas, grecorromanas, de ahí lo de renacimiento, de un reencuentro con esa tradición del sur de Europa, y la otra es la difusión del ideal humanista, con el desarrollo de las ciencias y las artes sin cortapisas para los creadores.
En la música, la primera definición es discutible, porque salvo excepciones nacionales, el común de la música occidental ha evolucionado técnica y estilísticamente hacia mejor a lo largo de los siglos, mejor no tanto como un concepto subjetivo de gustar más o menos, sino de crear una serie de recursos musicales que serían impensables tiempo antes, una melodía monocorde puede ser bonita, pero nos quedamos en eso hasta que se desarrolla una cierta polifonía, y en ese momento ya tenemos dos opciones, igualmente, una melodía de contrapunto es bonita, pero complicada para tratar un tema en comparación con la versatilidad de la polifonía desarrollada con voces subordinadas.
Podemos suponer lo que fue la música militar en tiempos clásicos, pero desconocemos lo que pudo ser la música no militar, y lo que se desconoce no se puede recuperar, por tanto un renacimiento musical en este sentido es absurdo, pero lo que sí sabemos es que no debió tener gran complejidad técnica, por ausencia de una notación desconocida. Parece mentira pero una de las razones del gran desarrollo musical es la notación moderna, que es la forma de que los músicos investiguen los recursos usados por otros más allá de los simple que escuchen sus oídos.
En tiempos helénicos, hubo escuelas que estudiaron la música como un conocimiento mágico, y es seguro que existió una notación, pero estos eran conocimientos esotéricos, o sea de naturaleza escondida, y para el desarrollo del conocimiento humano, lo esotérico no deja de ser una curiosidad, con poca incidencia real, por tanto no se le debe tener en cuenta.
Viéndolo así, la música "teatral" no podía ser algo complejo, necesitaba ser aprendido de memoria por el intérprete por repetición, careciendo de esa notación que ayudaría para cosas más complejas.
Descartamos pues el renacimiento musical como recuperación de arte musical clásica, lo que no existe o lo que nos es desconocido no puede renacer.
Sin embargo, está el otro punto de vista sobre el renacimiento, el ideal de humanismo, el europeo no buscaba el clasicismo porque sí, por gusto, sino por el mito de que en tiempos del Imperio todo era mejor, una edad dorada, los hombres (los que se pueden considerar hombres) eran más libres, más cultos, más poderosos, en contraposición con el oscurantismo de la Edad Media, que aunque hoy sabemos que ni fue tan oscura, y que su transición con el Renacimiento fue muy sutil, en ese momento se podía ver como una época oscura. El caso es que buscan lo clásico por ver si así se les "pega" algo de esos ideales humanistas que buscaban, que ellos creían representados únicamente en la cultura clásica, pero al final lo esencial del renacimiento es liberar al hombre, y que el hombre cree, porque tiene derecho, es el centro de la creación.
En las ártes musicales medievales, el canto religioso era muy estricto, la música cortés también, y la música popular ni se tenía en cuenta, en cambio los compositores renacentistas componen indistintamente música sacra, popular, cortesana, y poco a poco desarrollan estilos, técnicas que enriquecen la música, y esencialmente, los músicos se convierten en protagonistas, sabemos sus nombres, y aunque en realidad se conocen nombres de músicos de la Baja Edad Media, la separación de esta última con el Renacimiento es muy arbitraria, se puede decir que la Baja Edad Media era bastante renacentista (o el Renacimiento bastante medieval).
Los lugares dónde sucede todo esto, primeramente en la Borgoña, y en el otro extremo los Estados comerciales italianos, los dos extremos de las rutas comerciales europeas, y por extensión a zonas cercanas, como noreste de Francia, Inglaterra, España por ser zona de paso marítimo entre ambos lugares.
En la música, la primera definición es discutible, porque salvo excepciones nacionales, el común de la música occidental ha evolucionado técnica y estilísticamente hacia mejor a lo largo de los siglos, mejor no tanto como un concepto subjetivo de gustar más o menos, sino de crear una serie de recursos musicales que serían impensables tiempo antes, una melodía monocorde puede ser bonita, pero nos quedamos en eso hasta que se desarrolla una cierta polifonía, y en ese momento ya tenemos dos opciones, igualmente, una melodía de contrapunto es bonita, pero complicada para tratar un tema en comparación con la versatilidad de la polifonía desarrollada con voces subordinadas.
Podemos suponer lo que fue la música militar en tiempos clásicos, pero desconocemos lo que pudo ser la música no militar, y lo que se desconoce no se puede recuperar, por tanto un renacimiento musical en este sentido es absurdo, pero lo que sí sabemos es que no debió tener gran complejidad técnica, por ausencia de una notación desconocida. Parece mentira pero una de las razones del gran desarrollo musical es la notación moderna, que es la forma de que los músicos investiguen los recursos usados por otros más allá de los simple que escuchen sus oídos.
En tiempos helénicos, hubo escuelas que estudiaron la música como un conocimiento mágico, y es seguro que existió una notación, pero estos eran conocimientos esotéricos, o sea de naturaleza escondida, y para el desarrollo del conocimiento humano, lo esotérico no deja de ser una curiosidad, con poca incidencia real, por tanto no se le debe tener en cuenta.
Viéndolo así, la música "teatral" no podía ser algo complejo, necesitaba ser aprendido de memoria por el intérprete por repetición, careciendo de esa notación que ayudaría para cosas más complejas.
Descartamos pues el renacimiento musical como recuperación de arte musical clásica, lo que no existe o lo que nos es desconocido no puede renacer.
Sin embargo, está el otro punto de vista sobre el renacimiento, el ideal de humanismo, el europeo no buscaba el clasicismo porque sí, por gusto, sino por el mito de que en tiempos del Imperio todo era mejor, una edad dorada, los hombres (los que se pueden considerar hombres) eran más libres, más cultos, más poderosos, en contraposición con el oscurantismo de la Edad Media, que aunque hoy sabemos que ni fue tan oscura, y que su transición con el Renacimiento fue muy sutil, en ese momento se podía ver como una época oscura. El caso es que buscan lo clásico por ver si así se les "pega" algo de esos ideales humanistas que buscaban, que ellos creían representados únicamente en la cultura clásica, pero al final lo esencial del renacimiento es liberar al hombre, y que el hombre cree, porque tiene derecho, es el centro de la creación.
En las ártes musicales medievales, el canto religioso era muy estricto, la música cortés también, y la música popular ni se tenía en cuenta, en cambio los compositores renacentistas componen indistintamente música sacra, popular, cortesana, y poco a poco desarrollan estilos, técnicas que enriquecen la música, y esencialmente, los músicos se convierten en protagonistas, sabemos sus nombres, y aunque en realidad se conocen nombres de músicos de la Baja Edad Media, la separación de esta última con el Renacimiento es muy arbitraria, se puede decir que la Baja Edad Media era bastante renacentista (o el Renacimiento bastante medieval).
Los lugares dónde sucede todo esto, primeramente en la Borgoña, y en el otro extremo los Estados comerciales italianos, los dos extremos de las rutas comerciales europeas, y por extensión a zonas cercanas, como noreste de Francia, Inglaterra, España por ser zona de paso marítimo entre ambos lugares.
miércoles, 3 de marzo de 2010
Música militar
Por petición popular, una de marchas militares.
A ver, para tratar este tema seguramente lo más correcto es hacer historia y ver los orígenes de la música.
Lo primero es ver los instrumentos y contextos en los que se pudieron desarrollar las primeras músicas.
En cuánto a los instrumentos, sólos, o acompañados, los instrumentos más antiguos son:
- Percusión (ya esté esta más o menos desarrollada, pero su primacía es evidente).
- Voces (seguramente posterior a la percusión ya que la capacidad vocal parece ser que es posterior a la de tener la inteligencia para dar golpes a intervalos rítmicos).
- Viento (cuernos naturales primero y luego innovaciones en madera y metal).
- Cuerda, aunque más que nada arpas (aún más tardío y seguramente una consecuencia casual del uso del arco)
Los demás instrumentos son evoluciones técnicas posteriores menos evidentes, el uso de metal en vez de madera puede ser un cambio evidente, pero no el uso de instrumentos de viento con clavijas, lo sencillo con flautas de pan, o antiguas flautas dulces, pífanos y cornos, trompas si hablamos de metal. El razonamiento es similar para la cuerda, la cuerda al aire es más evidente que usar una caja de resonancia, igual que la cuerda pulsada es más evidente que la frotada.
Sobre contextos, los orígenes serían dos, en casa, con las mujeres, principalmente vocal, porque se puede cantar mientras se hacen otras labores del hogar, y el militar, con los hombres. En realidad se pueden pensar otros usos, como festivo, religioso, funerario, pero el uso hogareño y militar representan las dos funciones extremas, y las demás pueden ser usos mezclados de ambas funciones.
Mientras que en el hogar lo esencial es la voz, por la capacidad de hacer otras cosas mientras se canta, en lo militar se busca la marcialidad, cosa que a pesar de miles de años pasado no ha cambiado mucho, el mayor espíritu suele ir acompañado de mayor éxito en la guerra (sí, bueno, eso depende también de que el general no sea un cenutrio, que el otro ejército no sea mejor, etc).
El ejército no quiere individuos, quiere un grupo, coordinado, unificado, no es tan importante la cantidad de soldados como su preparación y coordinación. Para esto la música puede resultar útil, tanto en el ejercicio físico marcando un ritmo base que hay que cumplir, como para las marchas (que no son más que desplazamientos) al paso (velocidad) escogida, eso sí crea uniformidad y espíritu.
Claro que la música de banda militar está condicionada a la comodidad de su interpretación a pie, por eso van bien tambores varios, platillos, cajas, percusiones varias que se puedan portar, e instrumentos de viento, sobre todo metal (cornetas y trompetas, trombones, trompa, tuba) y algunos instrumentos de madera, pero los instrumentos más grandes y los más dificultosos de interpretar quedan relegados a los actos más serios, de forma que la formación básica son tambores pequeños y cornetas y trompetas, más manejables.
Su vertiente más practica es la de marcar el paso de la marcha, ¿hay que hacer 50 kilómetros a pie?, ¿cuánto tiempo tenemos?, y así se escogen una serie de piezas que van tocando los músicos para que se mantenga el paso, tanto en cadencia como en longitud de zancada.
En las antiguas batallas en trirremes, la percusión se usaba para marcar el ritmo al remero, también en su momento, los instrumentos de viento se usaban en batalla para dar órdenes (retirada, por ejemplo), tambores para marcar el paso en batalla de formaciones reducidas que deben mantenerse unidas (los lanceros suizos tenían que ir apelotonados para ser efectivos, por ejemplo).
Y otra de las funciones es mantener la moral y espíritu combativo, en este sentido se entienden cosas como, "Soy el novio de la muerte" y "La muerte no es el final":
¿Y por qué esto es cantado?, por espíritu de camaradería militar, ahí cantan todos, por eso igualmente se canta a una sola voz no en coro, porque los que cantan, la unidad militar que corresponda, son todos iguales en espíritu, o al menos eso se busca.
Por consuelo religioso en una profesión tan peligrosa, también son propios los cantos de esta índole en las unidades, como por ejemplo, la Salve Marinera de Oudrid en la Armada:
Otro hecho curioso en España es la reutilización de partes de zarzuelas, como es la "Salve Marinera", en marchas militares, otro ejemplo muy conocido es la marcha final del primer acto de la zarzuela "Cádiz" de Chueca, estupenda para un desfile:
Actualmente la música militar se ha reservado para actos más serios y su uso práctico es muy reducido, pero sigue existiendo esa tradición.
A ver, para tratar este tema seguramente lo más correcto es hacer historia y ver los orígenes de la música.
Lo primero es ver los instrumentos y contextos en los que se pudieron desarrollar las primeras músicas.
En cuánto a los instrumentos, sólos, o acompañados, los instrumentos más antiguos son:
- Percusión (ya esté esta más o menos desarrollada, pero su primacía es evidente).
- Voces (seguramente posterior a la percusión ya que la capacidad vocal parece ser que es posterior a la de tener la inteligencia para dar golpes a intervalos rítmicos).
- Viento (cuernos naturales primero y luego innovaciones en madera y metal).
- Cuerda, aunque más que nada arpas (aún más tardío y seguramente una consecuencia casual del uso del arco)
Los demás instrumentos son evoluciones técnicas posteriores menos evidentes, el uso de metal en vez de madera puede ser un cambio evidente, pero no el uso de instrumentos de viento con clavijas, lo sencillo con flautas de pan, o antiguas flautas dulces, pífanos y cornos, trompas si hablamos de metal. El razonamiento es similar para la cuerda, la cuerda al aire es más evidente que usar una caja de resonancia, igual que la cuerda pulsada es más evidente que la frotada.
Sobre contextos, los orígenes serían dos, en casa, con las mujeres, principalmente vocal, porque se puede cantar mientras se hacen otras labores del hogar, y el militar, con los hombres. En realidad se pueden pensar otros usos, como festivo, religioso, funerario, pero el uso hogareño y militar representan las dos funciones extremas, y las demás pueden ser usos mezclados de ambas funciones.
Mientras que en el hogar lo esencial es la voz, por la capacidad de hacer otras cosas mientras se canta, en lo militar se busca la marcialidad, cosa que a pesar de miles de años pasado no ha cambiado mucho, el mayor espíritu suele ir acompañado de mayor éxito en la guerra (sí, bueno, eso depende también de que el general no sea un cenutrio, que el otro ejército no sea mejor, etc).
El ejército no quiere individuos, quiere un grupo, coordinado, unificado, no es tan importante la cantidad de soldados como su preparación y coordinación. Para esto la música puede resultar útil, tanto en el ejercicio físico marcando un ritmo base que hay que cumplir, como para las marchas (que no son más que desplazamientos) al paso (velocidad) escogida, eso sí crea uniformidad y espíritu.
Claro que la música de banda militar está condicionada a la comodidad de su interpretación a pie, por eso van bien tambores varios, platillos, cajas, percusiones varias que se puedan portar, e instrumentos de viento, sobre todo metal (cornetas y trompetas, trombones, trompa, tuba) y algunos instrumentos de madera, pero los instrumentos más grandes y los más dificultosos de interpretar quedan relegados a los actos más serios, de forma que la formación básica son tambores pequeños y cornetas y trompetas, más manejables.
Su vertiente más practica es la de marcar el paso de la marcha, ¿hay que hacer 50 kilómetros a pie?, ¿cuánto tiempo tenemos?, y así se escogen una serie de piezas que van tocando los músicos para que se mantenga el paso, tanto en cadencia como en longitud de zancada.
En las antiguas batallas en trirremes, la percusión se usaba para marcar el ritmo al remero, también en su momento, los instrumentos de viento se usaban en batalla para dar órdenes (retirada, por ejemplo), tambores para marcar el paso en batalla de formaciones reducidas que deben mantenerse unidas (los lanceros suizos tenían que ir apelotonados para ser efectivos, por ejemplo).
Y otra de las funciones es mantener la moral y espíritu combativo, en este sentido se entienden cosas como, "Soy el novio de la muerte" y "La muerte no es el final":
¿Y por qué esto es cantado?, por espíritu de camaradería militar, ahí cantan todos, por eso igualmente se canta a una sola voz no en coro, porque los que cantan, la unidad militar que corresponda, son todos iguales en espíritu, o al menos eso se busca.
Por consuelo religioso en una profesión tan peligrosa, también son propios los cantos de esta índole en las unidades, como por ejemplo, la Salve Marinera de Oudrid en la Armada:
Otro hecho curioso en España es la reutilización de partes de zarzuelas, como es la "Salve Marinera", en marchas militares, otro ejemplo muy conocido es la marcha final del primer acto de la zarzuela "Cádiz" de Chueca, estupenda para un desfile:
Actualmente la música militar se ha reservado para actos más serios y su uso práctico es muy reducido, pero sigue existiendo esa tradición.
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